FEDERALNA AGENCIJA ZA OBRAZOVANJE
Državna obrazovna ustanova visokog stručnog obrazovanja "Mari State University"
Fakultet osnovnih škola
Specijalnost: 050708
“Pedagogija i metode osnovnog obrazovanja”
Katedra: “Pedagogija osnovnog obrazovanja i vaspitanja”
"Muzika renesanse"
Joškar-Ola 2010
Renesansa (renesansa) je vrijeme procvata svih vrsta umjetnosti i privlačnosti njihovih likova drevnim tradicijama i oblicima.
Renesansa ima neujednačene istorijske i hronološke granice u različitim evropskim zemljama. U Italiji počinje u 14. veku, u Holandiji počinje u 15. veku, au Francuskoj, Nemačkoj i Engleskoj njeni znaci se najjasnije ispoljavaju u 16. veku. Istovremeno, razvoj veza između različitih kreativnih škola, razmjena iskustava između muzičara koji su se selili iz zemlje u zemlju, radeći u različitim kapelama, postaje znak vremena i omogućava nam da govorimo o trendovima zajedničkim za čitavo doba. .
Umjetnička kultura renesanse je lični početak zasnovan na nauci. Neobično složena vještina polifonista 15.–16. stoljeća, njihova virtuozna tehnika koegzistirali su s briljantnom umjetnošću svakodnevnih plesova i sofisticiranošću sekularnih žanrova. Lirsko-dramatizam sve više dolazi do izražaja u djelima.
Dakle, kao što vidimo, period renesanse je kompleksan period u istoriji razvoja muzičke umetnosti, pa se čini razumnim razmotriti ga detaljnije, pridajući dužnu pažnju pojedinim pojedincima.
Muzika je jedini univerzalni jezik, ne treba je prevoditi, duša razgovara sa dušom.
Averbakh Bertold.
Renesansna muzika, ili renesansna muzika, odnosi se na period u razvoju evropske muzike između otprilike 1400. i 1600. godine. To je početak u Italiji nova era došao zbog muzičke umetnosti u 14. veku. Holandska škola se oblikovala i dostigla svoje prve vrhunce u 15. veku, nakon čega se njen razvoj proširio, a njen uticaj je na ovaj ili onaj način zaokupio druge majstore. nacionalne škole. Znakovi renesanse jasno su se pojavili u Francuskoj u 16. veku, iako su njena stvaralačka dostignuća bila velika i neosporna iu prethodnim vekovima.
Uspon umjetnosti u Njemačkoj, Engleskoj i nekim drugim zemljama uključenim u orbitu renesanse datira iz 16. stoljeća. Pa ipak, s vremenom je novi stvaralački pokret postao odlučujući za zapadnu Evropu u cjelini i na svoj način odjeknuo u zemljama istočne Evrope.
Ispostavilo se da su grubi i grubi zvuci potpuno tuđi muzici renesanse. Formirali su ga zakoni harmonije glavna poenta.
Vodeća pozicija je i dalje bila zauzeta duhovna muzika, ozvučenje tokom crkvenih bogosluženja. Tokom renesanse zadržala je glavne teme srednjovekovna muzika: slava Gospodu i Stvoritelju svijeta, svetost i čistota vjerskog osjećaja. Glavni cilj takve muzike, kako je rekao jedan od njenih teoretičara, jeste „da ugodi Bogu“.
Osnova muzičke kulture bile su mise, moteti, himne i psalmi.
Misa - muzičko djelo koje je skup dijelova katolička liturgija Latinski obred, čiji su tekstovi uglazbljeni za jedno ili višeglasno pjevanje, uz pratnju muzičkih instrumenata ili bez, za muzičku pratnju svečanog bogosluženja u Rimokatoličkoj crkvi i visokim protestantskim crkvama, na primjer, u Švedskoj crkvi.
Mise muzičke vrijednosti izvode se i van bogosluženja na koncertima, štoviše, mnoge mise kasnijih vremena bile su posebno sastavljene ili za izvođenje u koncertnoj dvorani ili povodom neke proslave.
Crkvena misa, vraćajući se tradicionalnim melodijama gregorijanskog korala, najjasnije je izrazila suštinu muzičke kulture. Kao iu srednjem vijeku, masa se sastojala od pet dijelova, ali sada je postala veličanstvenija i veća. Čovjeku svijet više nije izgledao tako mali i vidljiv. Običan život sa svojim zemaljskim radostima prestao je da se smatra grešnim.
Motet (fr. motet od mot- riječ) je vokalno polifono djelo polifone prirode, jedan od centralnih žanrova u muzici zapadnoevropskog srednjeg vijeka i renesanse.
Himna (starogrčki ὕμνος) je svečana pjesma koja hvali i veliča nekoga ili nešto (prvobitno božanstvo).
Psalam (grčki ψαλμός „pjesma hvale“), r.p. psalam, množina psalmi (grčki ψαλμοί) - himne jevrejske (hebrejski תהילים) i hrišćanske religiozne poezije i molitve (iz Starog zaveta).
Oni čine Psaltir, 19. knjigu Starog zavjeta. Autorstvo psalama se tradicionalno pripisuje kralju Davidu (oko 1000. godine prije Krista) i nekoliko drugih autora, uključujući Abrahama, Mojsija i druge legendarne ličnosti.
Ukupno, Psaltir uključuje 150 psalama, podijeljenih na molitve, pohvale, pjesme i pouke.
Psalmi su imali veliki uticaj na folklor i poslužili su kao izvor mnogih poslovica. U judaizmu su se psalmi pjevali u obliku napjeva sličnih himni uz pratnju. Za svaki psalam u pravilu je naznačen način izvođenja i „model“ (u gregorijanskom pjevanju nazvan intonacija), odnosno odgovarajuća melodija. Psaltir je zauzimao važno mjesto u kršćanstvu. Psalmi su se pjevali za vrijeme bogosluženja, kućne molitve, prije bitke i prilikom kretanja u formaciji. U početku ih je pjevala cijela zajednica u crkvi. Psalmi su se pjevali a cappella, samo u kućnom okruženju bila je dozvoljena upotreba instrumenata. Vrsta izvedbe je bila recitatorsko-psalmodijska. Osim cijelih psalama, korišteni su i pojedinačni, najizrazitiji stihovi iz njih. Na osnovu toga nastala su samostalna pjevanja - antifona, graduala, traktat i aleluja.
Postepeno, sekularni trendovi počinju prodirati u djela crkvenih kompozitora. U polifonu tkaninu crkvene himne hrabro uvodite teme narodnih pjesama koje nisu nimalo religiozne. Ali sada to nije bilo u suprotnosti s općim duhom i raspoloženjem tog doba. Naprotiv, muzika je neverovatno spojila božansko i ljudsko.
Duhovna muzika je svoj najveći procvat doživjela u 15. vijeku. u Holandiji. Ovde je muzika bila poštovana više od drugih vrsta umetnosti. Holandski i flamanski kompozitori su prvi razvili nova pravila polifono(polifona) izvedba - klasična" strog stil" Najvažnija kompoziciona tehnika holandskih majstora bila je imitacija- ponavljanje iste melodije u različitim glasovima. Vodeći glas bio je tenor, kome je poverena glavna ponavljajuća melodija - cantus firmus („nepromenljiva melodija“). Ispod tenora je zvučao bas, a iznad alt. Zvao se najviši, odnosno izdignut iznad svih, glas sopran.
Koristeći matematičke proračune, holandski i flamanski kompozitori uspjeli su izračunati formulu za kombinacije muzičkih intervala. Osnovni cilj komponovanja je stvaranje harmonične, simetrične i grandiozne, iznutra zaokružene zvučne strukture. Jedan od najsjajnijih predstavnika ove škole, Johannes Ockeghem (oko 1425-1497), na osnovu matematičkih proračuna, komponovao je motet za 36 glasova!
Ockeghemovo stvaralaštvo predstavlja sve žanrove karakteristične za holandsku školu: masu, motet i šansonu. Najvažniji žanr za njega je masa, pokazao se kao izvanredan polifonista. Okegemova muzika je veoma dinamična, melodijska linija se kreće u širokom rasponu i ima široku amplitudu. U isto vrijeme, Ockeghem karakterizira glatka intonacija, čisti dijatonizam i drevno modalno razmišljanje. Stoga se Ockeghemova muzika često karakteriše kao „usmjerena ka beskonačnosti“, „lebdi“ u pomalo odvojenom figurativnom okruženju. Manje je povezan s tekstom, bogat napjevom, improvizatorski, ekspresivan.
Preživjelo je vrlo malo Ockeghemovih djela:
· oko 14 misa (11 potpuno):
· requiem Missa pro Defunctis (prvi polifoni rekvijem u istoriji svijeta muzička literatura);
· 9-13 (prema raznim izvorima) moteta:
· preko 20 šansona
Mnogo je djela čija se atribucija Ockeghemu dovodi u pitanje, među njima i čuveni motet „Deo gratias“ za 36 glasova. Neke anonimne šansone se pripisuju Ockeghemu na osnovu sličnosti u stilu.
Ockeghemovih trinaest misa sačuvano je u rukopisu iz 15. stoljeća poznatom kao Chigijev kodeks.
Među masama preovlađuju četveroglasne, dvije su petoglasne i jedna osmoglasna. Kao teme za svoje mise, Ockeghem koristi narodne (“L’homme armé”), svoje (“Ma maistresse”) melodije ili melodije drugih autora (na primjer, Benchois u “De plus en plus”). Postoje mise bez posuđenih tema („Quinti toni“, „Sine nomine“, „Cujusvis toni“).
Moteti i šansone
Ockeghemovi moteti i šansone su direktno uz njegove mase i razlikuju se od njih uglavnom po svojoj skali. Moteti uključuju bujne, svečane radove, kao i strožija sakralna horska djela.
Najpoznatiji je svečani motet za Dan zahvalnosti „Deo gratias“, napisan za četiri devetoglasne kompozicije i stoga se smatra da ima 36 glasova. U stvarnosti se sastoji od četiri devetoglasna kanona (na četiri različite teme), koji slijede jedan za drugim s blagim preklapanjem između početka sljedećeg i kraja prethodnog. Ima 18 glasova na mjestima gdje se preklapaju, u motetu nema pravih 36 glasova.
Ništa manje interesantno je ni delo holandskog kompozitora Orlanda Lasa (oko 1532-1594), koji je stvorio više od dve hiljade dela kultne i sekularne prirode.
Laso je najplodniji kompozitor svog vremena; Zbog ogromnog obima njegovog naslijeđa, umjetnički značaj njegovih djela (od kojih su mnoga naručena) još nije u potpunosti cijenjen.
Radio je isključivo u vokalnim žanrovima, uključujući pisanje više od 60 misa, zadušnice, 4 ciklusa strasti (za sve jevanđeliste), urede Velike sedmice (posebno su značajni responzori Jutrenja Velikog četvrtka, Velikog petka i Velike subote) , više od 100 Magnificata, himni, faubourdons, oko 150 francuskih. šansona (njegova šansona “Susanne un jour”, parafraza biblijske priče o Suzani, bila je jedna od najpopularnijih predstava u 16. veku), italijanske (villanelles, moresci, canzones) i nemačke pesme (više od 140 pesama), oko 250 madrigala.
Laso se odlikuje najdetaljnijim razvojem tekstova u različitim jezicima, kako liturgijske (uključujući tekstove Svetog pisma) tako i slobodno sastavljene. Ozbiljnost i dramatičnost koncepta, dugački tomovi odlikuju se kompozicijom „Suze svetog Petra“ (ciklus 7-glasnih duhovnih madrigala na pesme Luigija Tranzila, objavljen 1595.) i „Davidovi pokajnički psalmi ” (rukopis iz 1571. u formatu folio, ukrašen ilustracijama G. Milicha, koji pruža vrijedan ikonografski materijal o životu, uključujući muzičku zabavu, na bavarskom dvoru).
Istovremeno, Lassou nije bio stran humor u sekularnoj muzici. Na primjer, u šansoni „Na gozbama se dijele piće u tri osobe“ (Fertur in conviviis vinus, vina, vinum) prepričava se stara anegdota iz života skitnica; V poznata pesma“Matona mia cara” njemački vojnik pjeva ljubavnu serenadu, iskrivljujući italijanske riječi; himna "Ut queant laxis" imitira nesrećni solfež. Brojne Lassove svijetle kratke drame su napisane na vrlo neozbiljne stihove, na primjer, šansona „Dama je sa zanimanjem gledala u zamak / Na mramorni kip prirode“ (En un chasteau ma dame...), i neke pjesme (posebno moreški) sadrže nepristojan jezik.
Sekularna muzika Predstavljen je preporod raznih žanrova: madrigali, pjesme, kancone. Muzika, koja je prestala da bude „sluga crkve“, sada je počela da zvuči ne na latinskom, već na maternji jezik. Najpopularniji žanr svjetovne muzike postali su madrigali (italijanski: Madrigal - pjesma na maternjem jeziku) - polifona horska djela napisana na tekst lirske pjesme o ljubavi. Najčešće su u tu svrhu korištene pjesme poznatih majstora: Dantea, Frančeska Petrarke i Torkvata Tasa. Madrigale nisu izvodili profesionalni pjevači, već cijeli ansambl amatera, sa po jednim pjevačem koji je vodio svaki dio. Glavno raspoloženje madrigala je tuga, melanholija i melanholija, ali bilo je i radosnih, živih kompozicija.
Savremeni istraživač muzičke kulture D.K. Kirnarskaya napominje:
„Madrigal je preokrenuo čitav muzički sistem renesanse: glatka i skladna melodijska plastičnost mase se urušila... nestao je nepromenjeni cantus firmus, temelj muzičke celine... uobičajene metode razvoja „strogog pisanje”... ustupila mjesto emocionalnim i melodijskim kontrastima epizoda, od kojih sam se u svakoj trudio da što izražajnije prenesem poetsku ideju sadržanu u tekstu. Madrigal je konačno potkopao slabljenje „strogog stila“.
Jednako popularan žanr svjetovne muzike bila je pjesma uz pratnju muzičkih instrumenata. Za razliku od muzike koja se puštala u crkvi, pjesme su bile prilično jednostavne u izvedbi. Njihov rimovani tekst bio je jasno podijeljen na strofe od 4-6 redaka. U pjesmama, kao u madrigalima, veliki značaj kupio tekst. Kada se izvode, poetski stihovi ne bi trebali biti izgubljeni u višeglasnom pjevanju. Posebno su bile poznate pjesme francuski kompozitor Clément Janequin (oko 1485-1558). Clément Janequin je napisao oko 250 šansona, uglavnom za 4 glasa, na osnovu pjesama Pierrea Ronsara, Clémenta Maroa, M. de Saint-Glaisa i anonimnih pjesnika. U odnosu na još 40 šansona, moderna nauka osporava autorstvo Janequina (što, međutim, ne umanjuje kvalitet same ove sporne muzike). Glavna karakteristika njegove sekularne polifone muzike je njen programski i vizuelni kvalitet. Pred očima slušaoca prolaze slike bitke („Bitka kod Marignana“, „Bitka kod Renti“, „Bitka kod Meca“), scene lova („Pjevanje ptica“, „Pjevanje slavuja“). “, “Šavica”), svakodnevne scene (“Žensko brbljanje”). Janequin slikovito prenosi atmosferu svakodnevice u Parizu u šansoni „Plakovi Pariza“, gdje se čuju povici uličnih prodavača („Mlijeko!“ – „Pite!“ – „Artičoke!“ – „Riba!“ – „Šibice“ ” - “Golubovi!” - “Stare cipele!”). Uz svu svoju inventivnost u teksturi i ritmu, Janequinova muzika u polju harmonije i kontrapunkta ostaje vrlo tradicionalna.
Počela je renesansa profesionalno komponovanje. Upečatljiv predstavnik ovog novog trenda je nesumnjivo Palestrina (1525-1594). Njegovu zaostavštinu čine mnoga djela sakralne i svjetovne muzike: 93 mise, 326 himni i moteta. Autor je dva toma sekularnih madrigala prema Petrarkinim riječima. Za dugo vremena radio je kao voditelj hora u bazilici Svetog Petra u Rimu. Crkvenu muziku koju je stvarao odlikuje čistoća i uzvišenost osećanja. Kompozitorova svjetovna muzika prožeta je izuzetnom duhovnošću i harmonijom.
Dugujemo formiranje renesanse instrumentalnu muziku kao samostalna umjetnička forma. U to vrijeme pojavio se niz instrumentalnih komada, varijacija, preludija, fantazija, rondoa i tokata. Među muzičkim instrumentima orgulje, čembalo, viola, različite vrste frule, a krajem 16.st. - violina.
Renesansa se završava pojavom novih muzičkih žanrova: solo pjesme, oratorija i opere. Ako je ranije centar muzičke kulture bio hram, onda je od tog vremena muzika počela zvučati u operi. I desilo se ovako.
U italijanskom gradu Firenci krajem 16. vijeka. Počeli su da se okupljaju talentovani pesnici, glumci, naučnici i muzičari. Niko od njih tada nije razmišljao o bilo kakvom otkriću. Pa ipak, njima je suđeno da naprave pravu revoluciju u pozorišnoj i muzičkoj umjetnosti. Nastavljajući produkciju djela starogrčkih dramatičara, počeli su da komponuju vlastitu muziku, koja je, po njihovom mišljenju, odgovarala prirodi antičke drame.
Članovi kamere(tako se zvalo ovo društvo) pažljivo smišljeno muzička pratnja monolozi i dijalozi mitoloških likova. Glumci su morali da izvode govorne uloge recitativ(deklamacija, pojanje). I iako je riječ i dalje imala vodeću ulogu u odnosu na muziku, učinjen je prvi korak ka njihovom zbližavanju i harmoničnom stapanju. Takav dizajn je omogućio da u većoj meri transfer bogatstva unutrašnji svet osobu, njena lična iskustva i osjećaje. Na osnovu takvih vokalnih dijelova, arije– završene epizode u muzičkoj izvedbi, uključujući operu.
Opera teatar brzo je osvojio ljubav i postao popularan ne samo u Italiji, već iu drugim evropskim zemljama.
Spisak korišćene literature
1) Enciklopedijski rečnik mladog muzičara / Kom. V.V. Medushevsky, O.O. Ochakovskaya. – M.: Pedagogija, 1985.
2) Svjetska umjetnička kultura. Od nastanka do 17. veka: udžbenik. za 10. razred opšte obrazovanje humanitarne institucije / G.I. Danilova. – 2. izd., stereotip. – M.: Drfa, 2005.
Pitanje muzičke strane renesanse je prilično složeno. U muzici tog vremena teže je identifikovati nove, suštinski drugačije elemente i trendove u odnosu na srednji vek nego u drugim oblastima umetnosti - u slikarstvu, vajarstvu, arhitekturi, umetničkom zanatu itd. Činjenica je da je muzika, kako u srednjem vijeku, tako iu cijeloj renesansi, zadržala svoj raznolik karakter. Postojala je jasna podjela između crkveno-duhovne muzike i svetovnih kompozicija, pjesama i igara. Međutim, renesansna muzika 
ima svoj originalni karakter, iako je usko povezan sa prethodnim dostignućima.
Muzička kultura renesanse
Karakteristika muzike renesanse, koja obuhvata muzičko doba 15.-16. veka, je kombinacija različitih nacionalnih škola, koje su istovremeno imale zajednički trend razvoja. Stručnjaci identifikuju prve elemente karakteristične za eru raspoloženja u italijanskom stilu muzike. Štaviše, u domovini renesanse, "nova muzika" počela je da se pojavljuje krajem 14. veka. Osobine renesansnog stila najjasnije su se ispoljile u holandskoj muzičkoj školi, počev od sredine 15. veka. Karakteristika holandske muzike bila je povećana pažnja na vokalne kompozicije uz odgovarajuću instrumentalnu pratnju. Štaviše, vokalne polifone kompozicije bile su tipične i za crkvenu muziku holandske škole i za njen sekularni pravac.
Karakteristično je da je holandska škola imala ozbiljan uticaj na ostale evropske muzičke tradicije renesanse.
Tako se već u 16. veku proširio na Francusku, Nemačku i Englesku. Štaviše, vokalne sekularne kompozicije u holandskom stilu izvođene su na različitim jezicima: na primjer, istoričari muzike u tim pjesmama vide porijeklo tradicionalne francuske šansone. Svu evropsku muziku renesanse karakterišu dva naizgled višesmjerna trenda. Jedan od njih je doveo do jasne individualizacije kompozicija: u sekularnim djelima autorsko porijeklo je sve vidljivije, pojavljuju se osobniji tekstovi, iskustva i emocije određenog kompozitora.
Drugi trend se ogledao u sve većoj sistematizaciji muzičke teorije. Djela, crkvena i svjetovna, postajala su sve složenija, muzička polifonija se usavršavala i razvijala. Prije svega, u crkvenoj muzici su sastavljena jasna pravila za formiranje, harmonijske sekvence, glasovno navođenje i slično.
Teoretičari ili kompozitori renesanse?
Za ovu složenu prirodu razvoja muzike u renesansi vezana je i činjenica da se trenutno vodi debata o tome da li vodeće muzičke ličnosti tog vremena treba smatrati kompozitorima, teoretičarima ili naučnicima. Tada nije postojala jasna “podjela rada” pa su muzičari kombinovali različite funkcije. Dakle, Švajcarac Glarean, koji je živeo i radio u prvoj polovini 16. veka, bio je više teoretičar. Dao je značajan doprinos u muzička teorija, stvarajući osnovu za uvođenje pojmova kao što su dur i mol. Istovremeno, on je muziku posmatrao kao izvor zadovoljstva, odnosno zalagao se za njenu sekularnu prirodu, zapravo odbacujući razvoj muzike u vjerski aspekt Srednje godine. Osim toga, Glarean je muziku doživljavao samo u neraskidivoj vezi sa poezijom, pa je veliku pažnju poklanjao žanrovima pjesama.
Italijan Josephfo Zarlino, čija se stvaralačka aktivnost dogodila u drugoj četvrtini - kraju 16. stoljeća, u velikoj mjeri je razvio i dopunio teorijska dostignuća koja su predstavljena gore. Konkretno, prvo je predložio da se već formulirani koncepti dura i mola povežu s emocionalnim raspoloženjem osobe, povezujući mol s melanholijom i tugom, a dur s radošću i uzvišena osećanja. Uz to, Zarlino je nastavio drevnu tradiciju interpretacije muzike: za njega je muzika bila opipljiv izraz harmonije u kojoj bi svemir trebao postojati. Shodno tome, muzika je, po njegovom mišljenju, bila najviša manifestacija kreativnog genija i najvažnija od umetnosti.
Odakle je nastala renesansna muzika?
Teorija je teorija, ali u praksi muzika je nezamisliva bez muzičkih instrumenata - naravno, uz njihovu pomoć oživljena je muzička umjetnost renesanse. Glavni instrument koji je „preselio“ u renesansu iz prethodnog, srednjovjekovnog muzičkog perioda, bile su orgulje. Ovaj klavijaturno-duhački instrument aktivno se koristio u crkvenoj muzici, a s obzirom na najvažnije mjesto sakralnih kompozicija u muzici renesanse, ostao je značaj orgulja. Iako je, generalno gledano, „specifična težina“ ovog instrumenta možda i smanjena – gudački i trzački gudački instrumenti su preuzeli vodstvo. Međutim, orgulje su označile početak posebnog smjera klavijaturnih instrumenata koji su imali viši i svjetovniji zvuk. Najčešći od njih bio je čembalo.
Gudački instrumenti razvili su čitavu posebnu porodicu - viole. Viole su bile instrumente koji su po formi i funkciji bili slični modernim violinskim instrumentima (violina, viola, violončelo). Najvjerovatnije postoje porodične veze između viola i porodice violina, ali viole imaju svoje posebne karakteristike. Imaju mnogo izraženiji individualni "glas", koji ima baršunastu nijansu. Viole imaju jednak broj glavnih i rezonantnih žica, zbog čega su vrlo izbirljive i teško ih je podesiti. Stoga su viole gotovo uvijek solo instrument, rijetko je moguće postići njihovu harmoničnu upotrebu u orkestru.
Što se tiče trkačkih žičanih instrumenata, glavno mjesto među njima u doba renesanse zauzimala je lutnja, koja se u Evropi pojavila oko 15. vijeka. Lutnja je bila istočnog porijekla i imala je specifičnu strukturu. Instrument, čiji su se zvukovi mogli proizvesti i prstima i uz pomoć posebne ploče (analogno modernom posredniku), vrlo brzo je stekao popularnost u Starom svijetu.
Alexander Babitsky
Originalna italijanska reč za renesansu je „rinascita“, koju je skovao Giorgio Vasari. Pojam je prvi put upotrebio u svom djelu “Biografije” u značenju “procvat umjetnosti” kako bi označio period kada su se umjetnici u svom radu oslobodili grčko-vizantijskih i rimsko-latinskih kanonskih oblika.
Da bi se definisao kulturni pokret u Evropi od 14. do 17. veka, termin "ponovno rođenje" ili "renesansa" (od italijanskog glagola "rinascere" "preporoditi se") korišćen je u 19. veku u delu "Istorija Francuska" francuskog istoričara Julesa Micheleta.
Malo o renesansi općenito
Renesansu karakterizira rekultivacija klasične (što znači grčko-rimski klasicizam) kulture. Mnogi istraživači vjeruju da renesansne ideje potiču iz Firence kasnog 13. stoljeća u književnosti i likovnoj umjetnosti, a posebno su povezane s djelima Dantea Alighierija, Francesca Petrarke i freskama Giotta di Bondonea.
Štaviše, pjesnici, umjetnici i filozofi renesanse nisu bili ništa manje religiozni od svojih prethodnika
Oni su nastojali da pomire teološku praksu sa novim duhom – naučnim istraživanjem (filozofijom zvanom humanizam koja prožima čitavu eru). Bilo je to vrijeme intenziviranja vježbi, naučna dostignuća, odlično geografskih otkrića. U muzici, koja bi postala sastavni dio vjerskog, građanskog i dvorskog života, dramatične promjene nastaje počev od 15. veka.
Periodizacija i evolucija renesansne muzike
Većina istoričara muzike vjeruje da evolucija renesansne muzike obuhvata period od 200 godina. Tradicionalno se deli na:
- muzika rane renesanse, od 1400. do 1467. godine;
- muzika srednjeg perioda renesanse, od 1467. do 1534. godine;
- muzika kasne (ili visoke) renesanse, od 1534. do 1600. godine.
Ova periodizacija je, pak, povezana sa procvatom i dominacijom različitih škola kompozicije u zapadnoj Evropi. Stilske karakteristike koje definišu muziku renesanse su polifona tekstura, podložna zakonima kontrapunkta i regulisana modalnim sistemom gregorijanskog korala nasleđenog iz srednjeg veka.
Muzička kultura renesanse se ponekad promoviše kao "zlatno doba" horska muzika" Zapravo, muzički horizonti su značajno prošireni.
Ako su tokom srednjeg veka kompozitori i muzičari radili prvenstveno za crkvu, onda je zbog verskog i sekularnog rascepa koji je nastao u zapadnoj Evropi tokom renesanse, muzika našla nekoliko pokrovitelja: katoličku i protestantsku crkvu, kraljevske dvorove, bogate aristokrate i nova buržoaska klasa. Svi su oni postali izvori prihoda za kompozitore, uključujući, naravno, melotipu: muzička kultura renesanse usko je povezana s novim tehnologijama (pronalazak tiska pokretnim slovima Johannesa Guttenberga).
Estetske karakteristike renesansne muzike
Kao i na druge umjetnosti, na muziku su uvelike utjecali događaji koji su definirali renesansu u cjelini: uspon humanističke misli, obnova grčko-rimskog klasičnog naslijeđa i inovativna otkrića. Drevni tekstovi su revidirani, ponovo su služili kao predmet za proučavanje, a takođe su uređivani, ali samo u skladu sa razvojem nauke.
Dok su se u staroj grčkoj kulturi sve umjetnosti i nauke smatrale međusobno povezanim, renesansni humanisti su ih razdvajali, ističući i proučavajući njihove individualne kvalitete. Na muziku se posebno gledalo kao na ekspresivnu umjetnost sposobnu utjecati na emocije i osjećaje, nešto što je bilo nečuveno u srednjem vijeku.
Napori da se organizuje znanje u muzici uključivalo je aranžiranje skala tako da se mogu uspostaviti odnosi između nota i ljudskih emocija.
Takođe je važno da muzičku kulturu renesanse karakteriše koncept humanizma. Zahvaljujući njemu, došlo je do pomaka u intelektualnom naglasku - od raširene dominacije religiozne misli do mogućnosti i postignuća sekularne osobe. Individualni stvaralački genij čovjeka bio je na mnogo višem položaju. To je takođe značilo da su mnogi kompozitori bili priznati.
Međutim, u većoj mjeri, renesansna muzika je ipak bila duhovna, kao u srednjovjekovno vrijeme, ali „humanističke“ promjene utjecale su na potragu za svjetlijom ekspresivnošću u njoj - postizanje savršenstva.
Glavna muzika rane renesanse, napisana za važne crkve i kraljevske kapele, su polifone mise i moteti na latinskom. No, u svjetlu vjerskih reformacija, pojavile su se nove vrste svete muzike, štoviše, takvi ogromni preokreti na crkvenoj sceni doveli su do toga da svjetovna muzika dobija pravu snagu i da se već može takmičiti sa svojim „svetim“ parom.
Kompozicijske škole renesanse
Početkom 15. vijeka pojavila se engleska škola polifonista, koju je predvodio John Dunstable. Novi engleski stil, zasnovan na upotrebi trozvuka diktiranih muzičkim ritmom (sa svakim vokalnim redom koji se kreće zajedno u "vertikalno" stilu), uvelike je uticao na burgundsku školu kompozicije.
Najznačajniji od kompozitora burgundske škole bio je Guillaume Dufay, čiji je muzičko stvaralaštvo uključivao napjeve, mise i svjetovna djela koja su karakterizirana melodičnim lirizmom.
Pokret, označen kao francusko-flamanska škola, odlikuje se snažnim razvojem polifone vokalno-muzičke kompozicije, koja je postavila temelje moderne harmonije. Njegovi najpoznatiji predstavnici su „kompozitor tri francuska kralja“: Johannes Ockeghem i Jacob Obrecht.
Muzičku kulturu renesanse u prvoj polovini 16. vijeka odlikuje činjenica da su njome i dalje dominirali francusko-flamanski kompozitori, među kojima je najpoznatiji Josquin Despres, čiji su stil kopirali mnogi kompozitori. Josquinova polifona muzika koristila je kanone, već postojeće kompozicione strukture, ali neprimetno kombinovana sa melodijama koje su naglašavale poetske linije, a ne maskirale ih.
Za to doba smatralo se prilično uobičajenim da vodeći kompozitori mnogo putuju, radeći za razne pokrovitelje u Italiji, Španiji, Njemačkoj i Francuskoj. Razmjena muzičkih ideja formirala je, da tako kažemo, prvi međunarodni stil od gregorijanskog pjevanja u 9. vijeku.
Od druge polovine 16. veka italijanski kompozitori su postigli nenadmašno majstorstvo u muzičkoj umetnosti. Među kultnim figurama je Giovanni Pierluigi da Palestrina.
Žanrovi renesansne muzike
Spiritual vokalni žanrovi- ovo je masa i motet. Sekularni žanrovi - madrigal (u Italiji i Engleskoj), šansona (u Francuskoj), olovo (u Njemačkoj).
Uprkos činjenici da je muzika tokom čitave ere prvenstveno zavisila od vokala, instrumenti se sve više koriste. Izvođači instrumenata ponekad su pratili pjevače, a s vremena na vrijeme zamijenili su neke glasove ako nije bilo pjevača.
Instrumenti su se kretali od velikih, kao što su orgulje i čembalo, viola de gamba, do malih - harfe (kasnije laute), blok-flaute (flaute). Postepeno, kompozitori počinju pisati djela samo za instrumente bez vokala.
Muzika je takođe u velikoj meri uticala na dvorske igre, uvodeći širok spektar instrumenata koji ih prate. Instrumenti su se koristili u crkvi, na svečanim i društvenim događajima, u pozorišnim predstavama iu privatnim kućama.
XV vijek se pokazao kao odlučujući za razvoj muzike, kako u umjetničkom smislu tako i u evoluciji izvedbene tehnologije. Nastali kulturni sukob između kršćanske crkve i sekularnog svijeta predodredili su kasniji brzi razvoj muzičkih pravaca koji nisu vezani za crkvene obrede i službe.
Tadašnje društvo je bilo pomalo „umorno“ od istog tipa, iako matematički ispravnih, srednjovjekovnih kanona i potrebno mu je stvarati laganiju, svjetovnu muziku. Kreativno traganje nekoliko generacija muzičara i kompozitora dovelo je do razvoja mnogih novih žanrova muzike, plesa i pozorišta.
Prve ideje za reformisanje polifonije nastale su početkom 15. veka i pripadale su burgundskoj, engleskoj, flamanskoj i italijanskoj muzičkoj školi. John Dunstable, predstavnik engleske škole, iznio je osnove tehnike “faubourdon” (doslovno, lažni bas). U polifonim djelima notiran je samo srednji glas, a tokom izvođenja dodavani su gornji i donji.
Dalji razvoj ove tehnike ogleda se u djelima Guillaumea Dufaya (1400-1474), koji ne samo da je sistematizovao ciklične mase, već im je dodao i elemente svjetovne muzike. Slijedili su ga Joan Ockeghem i Jacob Obrecht, a najpoznatiji muzičar tog vremena bio je Josquin Despres (1440-1521).
Majstori italijanske škole, među kojima su Giovanni Palestrina (1525-1594), Tomaso de Victoria (1548-1611), takođe su se trudili da polifoniji daju lakši i viši stil, a novi tekstovi koji su se pojavili nastojali su da izjednače muziku i reči u Italijanska muzička umetnost.
Renesansa. Madrigal
Jedan od najčešćih žanrova svjetovne muzike renesanse bio je madrigal, što doslovno znači pjesma na maternjem (maternjem) jeziku. Osnova novog muzički žanr postale talijanske ovčarske pjesme.
U početku, u 14. veku, madrigali su komponovani za dva ili tri glasa uz pratnju muzičkog instrumenta koji je ponavljao melodiju gornjeg glasa. Madrigali su se često svirali na društvenim praznicima i vjenčanjima. Sredinom 16. stoljeća madrigale su već izvodili petoglasni, odnosi između dijelova su ojačani, a muzika žanra postala je izražajnija.
Uz „sekularizam“, zabavu, upijao je i madrigal vekovne tradicije Hrišćanska muzika. Upravo su ovu kombinaciju koristili istaknuti madrigalisti tog vremena Cipriano de Rore i Giuseppe Palestrina. Krajem 16. stoljeća, madrigal postaje sve više pod utjecajem afeti: ljubavnog zadovoljstva, nota melanholije i rezignacije pred sudbinom.
Najveći majstori žanra bili su Luca Marenzio (1553-1599), Gesualdo da Venosa (1561-1613) i. Brojne zbirke madrigala koje su stvorili, njihov zadivljujući melodičnost, raznolikost ritmičkih formi i brojna inovativna muzička rješenja odigrali su vitalnu ulogu u razvoju renesansne muzike.
Interlude. Rođenje opere
Dalji razvoj muzičke umjetnosti predodredio je pojavu sporednih emisija. Ovaj žanr je doživeo procvat tokom prvog polovina XVI veka, kada je izvedeno nekoliko interludija Bartolomea Tromboncina na venčanju Alfonsa d'Estea i Lukrecije Bordžije, predstavnika velikog italijanskog klana.
Kasnije su se počele izvoditi sporedne predstave na najvećim aristokratskim evropskim dvorovima. Muzika interludija praktički nije sačuvana, ali prikupljeni dokazi govore o izvanrednom obimu produkcije prethodnice opere: neki orkestri koji su nastupali na svadbama velikih plemića sastojali su se od više od dvadeset gudačkih, duvačkih i udaraljki. muzički instrumenti. Uši savremenika interludija oduševile su viole i gamba, laute, pikolo flaute, lule, lire, oboa i kontrabas.
Inovativne ideje renesansnih kompozitora, kao i pojava novih muzičkih instrumenata, doveli su do radikalne promene u muzičkoj umetnosti – pojave opere. Prve korake u tom pravcu napravili su filozofi, muzičari i pjesnici, ujedinjeni u svojevrsnu kulturnu akademiju - Firentinsku kameru.
Grof Giovanni del Vernio (1534-1612), autor nekoliko rasprava o istoriji i teoriji muzike, i kompozitori Jacopo Peri (1561-1633), Vincenzo Galilei (1520-1591), otac slavnog astronoma, a takođe i Giulio Caccini, Luca Marenzio i Claudio Monteverdi.
Prva dela nastala na osnovu muzičkih koncepata firentinske Kamerate su opere „Dafna” i „Euridika” kompozitora Perija i Kačinija, postavljene 1597-1600, a principi Kamerate najjasnije su oličeni u delu Klaudija Monteverdija. opere “Orfej”, “Uliksov povratak” i “Krunisanje Popeje”
Renesansa. Muzika sa tastature
Pronalazak u drugoj polovini 15. veka sistema posebnih simbola za klavijaturne instrumente i lautu (tablature), pojava zbirki za orgulje i lautu poslužili su kao osnova za razvoj instrumentalne muzike renesanse.
Najstariji fragment orguljaške kompozicije koji su pronašli istoričari datira iz 1425. godine (nepoznatog autora iz šleskog Saganskog samostana). Godine 1448. pojavljuju se prva djela za orgulje u kojima je korištena pedala (pet preludija-preambula Adama Ileborga). Najpoznatiji izvođač orguljske muzike Za 15. vek se smatra nemački muzičar Konrad Pauman (1410-1473). Autor je zbirke “Buxheimer Orgelbuch” koja sadrži 250 djela za orgulje vlastitu kompoziciju i drugi muzički aranžmani.
Komponovali su i španski muzičari i kompozitori značajan dio muzičko nasleđe renesanse. Objavio Luis Enestros 1557. godine „Novo time signature za klavijature, violu i harfu“, uključivao je mnoge pjesme, fantazije, plesove i himne poznatih španskih kompozitora. Ističe se i rad Antonija de Kabezona, jednog od najpoznatijih muzičara u Evropi. Njegova djela, sakupljena u “Djela za klavijaturu, violu i harfu” (1578), postala su poznata daleko izvan granica Španije.
Renesansa. Muzika za lutnju i violu
Muzičku umjetnost 16. vijeka karakteriše široka upotreba novih muzičkih instrumenata u evropskoj muzici - laute i viole. Ovi instrumenti su bili idealni i za pratnju i za solo u određenim tačkama. muzička djela. Prva zbirka koja sadrži ne samo polifona djela, već i rane primjere muzike na lauti, djelo je italijanskog izdavača Ottaviana Petruccija “Intabulatura de lauto” iz 1507.
Lutnja je imala nekoliko sistema za štimovanje i tablature. Mnogi kompozitori i teoretičari muzike, uključujući Hansa Goerlea, Juana Bermuda, Vincenza Galileija, nisu se slagali oko optimalnog broja pragova. Ali, unatoč nesuglasicama, svi stručnjaci su se složili oko glavne stvari: lutnja je, kao i klavijatura, omogućila izvođenje polifonih djela bez upotrebe drugih instrumenata.
Lutnja je postala najrasprostranjenija u Italiji, Francuskoj, Njemačkoj, a potom i u Engleskoj. Među poznatih kompozitora koji je komponovao muziku za lutnju, ne može se ne spomenuti Vicenzo Capirola, Petrucci, Matthuis Weisell, Matthias Reimann, John Dowland i Thomas Morley.
Lutnja nije stekla veliku popularnost među španskim muzičarima. Izvođači su preferirali violu, koja je bila slična lutnji, ali je imala jedinstveno tijelo, slično modernoj gitari. Postoje dvije poznate vrste viole da gamba: "ručna viola" i "nožna viola". Najpoznatiji majstori koji su komponovali za “ručnu violu” bili su Luis de Milan, Alonso Mudara, Enriquez de Valderrabano, a nadaleko su poznata i djela Luisa de Enestrose i Tomasa de Santa Marije.
Renesansa. Music Print Revolution
Pronalazak nove štamparske tehnike Džona Gutenberga, koji se dogodio u 15. veku, odrazio se na sve sfere kulturnog života Evrope. Ni muzička umjetnost nije izostala. Već u drugoj polovini 15. veka pojavljuju se prve štamparije specijalizovane za muzička izdanja u Holandiji i Nemačkoj. Proces stvaranja knjiga posvećenih muzici bio je prilično radno intenzivan. Svaka stranica je štampana tri puta: prvi otisak je bio za stab, drugi pečat je , a treći je za tekst i brojeve stranica.
Prvim štampanim zbirkama muzike smatraju se „Collectorium super Magnificat“, koju je stvorio Gerson od Eslingena 1473. godine, kao i „Missale Romanum“, štampana 1476. godine u rimskoj radionici Ulriha Hana.
U početku su kulturno razvijeni italijanski gradovi Venecija, Milano, Firenca i Napulj postali centri muzičkog izdavaštva, gde su lokalni bogati aristokrati snažno podržavali izdavačke kuće. Najpoznatiji italijanski štampari bili su Ottaviano Petrucci, Andrea Antico, a kasnije Antonio Gardano.
Najpoznatiji pariski štampar renesanse bio je Pierre Attengnat (1494-1551), muzičar koji je svoj život posvetio objavljivanju pjesama, crkvenih misa i pjevanja. Attengnatova najpopularnija publikacija je zbirka Chansons nouvelles, objavljena 1527. godine. Brzi razvoj štampanja muzičkih publikacija omogućen je zahvaljujući aktivnostima drugih velikih štampara: Jacques Maugernet (Lyon), Tilman Susato (Amberes), Thomas Tallis i William Byrd (London).
Muzičku estetiku renesanse razvijali su kompozitori i teoretičari jednako intenzivno kao i u drugim oblicima umjetnosti. Uostalom, kao što je Giovanni Boccaccio vjerovao da je Dante svojim radom doprinio povratku muza i udahnuo život mrtvoj poeziji, kao što je Giorgio Vasari govorio o oživljavanju umjetnosti, tako je Josepho Zarlino u svojoj raspravi „Ustanovljavanje Harmonija” (1588) je pisao: “Međutim, da li je podmuklo vrijeme za tu krivicu ili ljudski nemar – ali ljudi su počeli malo cijeniti ne samo muziku, već i druge nauke. I uzdignuta do najvećih visina, pala je do krajnje niske; i, nakon što joj je ukazana nečuvena počast, počeli su je smatrati jadnom, beznačajnom i tako malo poštovanom da su je čak i učeni ljudi jedva prepoznali i nisu joj htjeli odati zasluge.”
Na prelazu iz 13. u 14. vek u Parizu je objavljena rasprava „Muzika“ majstora muzike Džona de Grohea u kojoj je kritički revidirao srednjovekovne ideje o muzici. Napisao je: „Oni koji su skloni pričanju bajki rekli su da su muziku izmislile muze koje su živjele pored vode. Drugi su rekli da su ga izmislili sveci i proroci. Ali Boetije, značajan i plemenit čovek, ima drugačije stavove... On u svojoj knjizi kaže da je početak muzike otkrio Pitagora. Ljudi su pevali, takoreći, od samog početka, jer im je muzika bila urođena po prirodi, kako tvrde Platon i Boetije, ali su temelji pevanja i muzike bili nepoznati sve do Pitagore...”
Muzika, kao i poezija i slikarstvo, dobija nove kvalitete tek u 15., a posebno u 16. veku, što je praćeno pojavom sve više novih rasprava o muzici.
Glarean (Henry Loris od Glarusa, 1488-1563), autor eseja o muzici „Čovjek sa dvanaest žica“ (1547), rođen je u Švicarskoj, studirao na Univerzitetu u Kelnu na umjetničkom fakultetu. Magistar slobodnih umetnosti se bavi predavanjima poezije, muzike, matematike, grčkog i latinskog jezika u Bazelu, što govori o hitnim interesima tog doba. Ovdje se sprijateljio sa Erazmom Roterdamskim.
Glarean
Glarean pristupa muzici, posebno crkvenoj, kao umjetnici koji su nastavili da slikaju slike i freske u crkvama, odnosno muzika, kao i slikarstvo, treba da, mimo religiozne didaktike i promišljanja, prije svega daje zadovoljstvo, da bude „majka zadovoljstvo.”
Glarean potkrepljuje prednosti monodijske muzike u odnosu na polifoniju, dok govori o dve vrste muzičara: fonolozima i simfonistima: prvi imaju prirodnu sklonost da komponuju melodiju, a drugi da razvijaju melodiju za dva, tri ili više glasova.
Glarean, osim što razvija teoriju muzike, razmatra i istoriju muzike, njen razvoj, kako se ispostavilo, u okviru renesanse, potpuno zanemarujući muziku srednjeg veka. Utemeljuje ideju jedinstva muzike i poezije, instrumentalne izvedbe i teksta. U razvoju muzičke teorije, Glarean je uz upotrebu dvanaest tonova ozakonio eolski i jonski modus, čime je teorijski potkrijepio pojmove dura i mola.
Glarean se ne ograničava na razvoj muzičke teorije, već ispituje rad modernih kompozitora Josquina Despresa, Obrechta, Pierrea de la Ruea. O Josquinu Despreu govori s ljubavlju i oduševljenjem, kao Vasari o Michelangelu.
Gioseffo Zarlino (1517. - 1590.), čija nam je izjava već poznata, 20 godina se pridružio franjevačkom redu u Veneciji svojim muzičkim koncertima i procvatom slikarstva, što je probudilo njegov poziv muzičara, kompozitora i muzičkog teoretičara. Godine 1565. predvodio je kapelu sv. Brand. Smatra se da je Zarlino u kompoziciji „Uspostavljanje harmonije“ u klasičnom obliku izrazio osnovne principe muzičke estetike renesanse.
Josephfo Zarlino
Zarlino, koji je govorio o padu muzike, naravno, u srednjem veku, oslanja se na antičku estetiku u razvoju svoje doktrine o prirodi muzička harmonija. „Koliko je muzika bila slavljena i poštovana kao sveta, jasno svjedoče spisi filozofa, a posebno pitagorejaca, jer su vjerovali da je svijet stvoren po muzičkim zakonima, da je kretanje sfera uzrok harmonije i da je naš duša se gradi po istim zakonima, budi se iz pjesama i zvukova, a oni kao da imaju životvorni učinak na njena svojstva.”
Zarlino je sklon da muziku smatra glavnom među slobodnim umetnostima, kao što je Leonardo da Vinči uzvisio slikarstvo. Ali ova fascinacija pojedinim vrstama umjetnosti ne bi nas trebala zbuniti, jer je riječ o harmoniji kao sveobuhvatnoj estetskoj kategoriji.
Josephfo Zarlino, kao i Tizian, s kojim je bio povezan, stekao je široku slavu i izabran je za člana Venecijanske akademije slavnih. Estetika pojašnjava stanje u muzici tokom renesanse. Osnivač venecijanske muzičke škole bio je Adrian Willaert (između 1480/90 - 1568), Holanđanin po rođenju. Carlino je s njim učio muziku. Venecijansku muziku, kao i slikarstvo, odlikovala je bogata zvučna paleta, koja je ubrzo dobila barokna obeležja.
Pored venecijanske škole, najveće i najutjecajnije bile su rimska i firentinska. Zajednica pesnika, humanističkih naučnika, muzičara i ljubitelja muzike u Firenci se zove Camerata. Predvodio ga je Vincenzo Galilei (1533 - 1591). Razmišljajući o jedinstvu muzike i poezije, a istovremeno sa pozorištem, sa akcijom na sceni, članovi Kamerate kreirali su novi žanr - operu.
Prvim operama se smatraju “Dafna” J. Perija (1597) i “Euridika” po tekstovima Rinučinija (1600). Ovdje je napravljen prijelaz iz polifonog stila u homofoni. Ovdje su prvi put izvedeni oratorij i kantata.
Muzika Holandije 15. - 16. veka bogata je imenima velikih kompozitora, među kojima je i Žoskin Despre (1440 - 1524), o kome je Zarlino pisao i koji je služio na francuskom dvoru, gde se razvila francusko-flamanska škola. Smatra se da je najveće dostignuće holandskih muzičara bila horska misa a capella, koja je odgovarala uzlaznom pomaku gotičkih katedrala.
Josquin Despres
Umjetnost orgulja se razvija u Njemačkoj. U Francuskoj su formirane kapele na dvoru i organizovani muzički festivali. Godine 1581. Henri III je uspostavio poziciju "Glavnog intendanta muzike" na dvoru. Prvi "glavni intendant muzike" bio je italijanski violinista Baltazarini de Belgioso, koji je postavio "Kraljičin komični balet", predstavu u kojoj je po prvi put izvedena muzika i igra. scenska akcija. Tako je nastao dvorski balet.
Clément Janequin (oko 1475. - oko 1560.), izvanredan kompozitor Francuska renesansa, jedan je od tvoraca žanra polifone pjesme. Radi se o 4-5-glasovnim radovima, poput fantastičnih pjesama. Sekularna polifona pjesma - šansona - postala je rasprostranjena izvan Francuske.
Tokom renesanse instrumentalna muzika se široko razvila. Glavni muzički instrumenti uključuju lutnju, harfu, flautu, obou, trubu, orgulje razne vrste(pozitivi, prijenosni), vrste čembala; bila je violina narodni instrument, ali razvojem novih gudačkih instrumenata kao što je viola, upravo violina postaje jedan od vodećih muzičkih instrumenata.
Lutnja - najčešća, omiljena muzički instrument u mnogim zapadnoevropskim zemljama tokom renesanse. Poznata je u gotovo svim društvenim krugovima. Na kraljevskim, kneževskim i vojvodskim dvorovima sviraju virtuozni muzičari i ljubitelji plemenite umjetnosti, stalno se čuje u humanističkim krugovima, u raznim „akademijama“ 16. stoljeća, u kućni život gradjani, na otvorenom, u raznim ansamblima, uključujući i pozorišne.
Tokom 16. veka u brojnim evropskim zemljama javljaju se briljantne kreativne ličnosti kompozitora lutene. Najveći od njih su bili: Francesco Canova da Milano (1497-1543) i Vincenzo Galilei (oko 1520-1591) u Italiji, Luis de Milan (oko 1500 - poslije 1560) i Miguel de Fuenllana (nakon 1500 - oko 1579). ) u Španiji, Hans (um. 1556.) i Melkior (1507.-1590.) Neusiedlers u Njemačkoj, John Dowland (1562.-1626.) u Engleskoj, Mađar po rođenju Valentine Greff Backfark (1507.-1576.), Wojciech Dlugoraj50 - oko 15. godine. nakon 1619.) i Jakuba Reisa u Poljskoj. U Francuskoj su se najznačajniji kompozitori lutenisti pojavili već u 17. veku. I premda su, pored gore navedenih majstora visoke klase, posvuda djelovali mnogi vrsni lutenisti ili vihuelisti (naročito je njima bila bogata Španjolska), ipak velika količina djela za lautu su tada distribuirana u Evropi bez imena autora. Ova anonimna svakodnevna muzika kao da je pripadala svima: zemlje kao da su razmenjivale repertoar, nemački plesovi su se pojavili u italijanskim zbirkama, a italijanski, poljski i francuski u nemačkim. Oznake predstava bile su vrlo lakonske: “Odličan Passamezzo”, “Dobra stvar”, “Francuska Correnta”, “Italijanska”, “Venecijanska” itd.
Druga, kasnija rukopisna zbirka također sadrži više od stotinu drama. Dobra polovina njih su plesovi: pasameco, saltarello, pavane, galijard, francuska correnta, poljski ples, nemački ples, jednostavno “Nachtanz” ili “Danza”, allemande. Pored toga, niz predstava pod nazivom „Maskarada“, „Veneziana“, „Bergamaska“, „Fjamenga“ su plesnog karaktera. Kao što vidite, porijeklo plesova je italijansko, francusko, njemačko, poljsko, špansko. Nad svim tim repertoarom svakako preovladava passamezzo (ponekad nazivan „Passo mezzo bonissimo“, ili „Milanese“, ili „Moderno“) – dvotaktni ili četvorotaktni ples sa „polukoraka“, bez žurbe, već tada sjedinjen sa njegov "par" - saltarello (ples "sa skokovima", brz, trotakt).
Najpoznatiji italijanski kompozitor lutenista svog vremena, Frančesko da Milano (koji je služio na dvoru vojvode od Gonzage u Mantovi, zatim kardinala Ipolita de Medičija) počeo je da objavljuje svoja dela 1536. godine i vrlo brzo je stekao slavu kako u Italiji, tako iu Italiji. u drugim zemljama.
Teorbo Gerard Ter Borh (1617-1681) Oko 1658
TO kraj XVI veka pa nadalje, opšti stil muzike na lautnji primetno se menja. U Italiji, na primjer, postaje virtuozan i koncertno na svoj način. Vremenom, plesovi i pesme dobijaju složeniji, ponekad raskošni tretman, iako ne gube vezu sa svakodnevnim izvorima. Lutnja u rukama kompozitora kao da nastoji da iscrpi svoje mogućnosti. Među koncertnim predstavama G. A. Terzija (1593) nalaze se maestralno predstavljeni pasamezoi i čitavi plesni ciklusi, poput „Ballo Tedesco et Francese“.
Vincenzo Galilei, otac velikog astronoma, privukao je pažnju svojih savremenika 1570-ih i 1580-ih svojim dramatičnim pjesmama s lutnjom i na kraju odigrao važnu ulogu u pripremi prateće monodije, na osnovu koje su nastale prve opere. u Italiji nastao.
Muzika Vihuele je doživela briljantan procvat u Španiji u 16. veku. Između 1535. i 1576. godine, autorske zbirke vihuelističkih kompozitora Luisa Milana ("Maestro", Valensija, 1535-1536), Luisa de Narvaeza (Valladolid, 1538), Alonsa Mudarre (Sevilja, 1546), Enriqueza de Valderrabano (1546), Enriquez de Valderrabano (V155) su objavljeno tamo 1547), Dijego Pisador (Salamanka, 1552), Miguel de Fuenllana ("Orphenica lyra", Sevilja, 1554), Esteban Das (Valladolid, 1576) i neki drugi majstori.
Jednako je značajna i kreativna figura Miguela de Fuenllane, slijepog od rođenja, virtuoza na vihueli. Rođen je u Navalcarnaru blizu Madrida, bio je kamerni muzičar kod markiza de Tarife od 1562-1569, zatim je služio na dvoru Filipa II i konačno postao dvorski muzičar Izabele Valois. Njegova zbirka "Orfejeva lira" sastoji se od šest knjiga i obuhvata 188 djela. Među njima preovlađuju obrade tuđih vokalnih kompozicija, ima mnogo fantazija i samo nekoliko tientosa. Kao da ovde nema ništa novo u žanrovskim varijantama: ima ih i u Milanu. Ali u suštini, Fuenllana i kompoziciji fantazija i adaptacijama duhovnih i sekularnih vokalnih originala pristupa nešto drugačije. Njegove fantazije su asketskije od Milanovih, jer kompozitor teži trajnoj polifonoj prezentaciji (dvoglasni i četvoroglasni), što, s obzirom na skromne mogućnosti vihuele, sputava njegovu maštu. U svojim aranžmanima Fuenllana se oslanja na vokalna djela španskih kompozitora C. Moralesa, X. Vázqueza, P. i F. Guerrera, a okreće se i muzici Josquina Depresa, A. Villarta, F. Verdela, N. Gomberta, C. Festa, J. Arkadelta, Jacquet, L. Heritier, Lupus i drugi. Privlače ga dijelovi masa, i moteti, i madrigali, i vnliansikos. U svojim aranžmanima često ne “transponira” ove polifone vokalne uzorke za vihuelu, već stvara njihove varijacije, na primjer, za glas s vihuelom ili za dva glasa. Može se samo začuditi kako je slijepi muzičar mogao na ovaj način da se udubi u polifono tkivo i da ga „transformiše“ na svoj način, a da nije imao priliku da sluša originale mnogo puta i da nema partiture (oni još nisu postojali). kao takve) - barem da ih prouči uz pomoć prijatelja ili kolega.
Lutnja Bartolomeo Veneto
Lorenzo Costa. "Koncert" - renesansna slika
Po obimu svog talenta i vezama sa raznim evropskim zemljama, u drugoj polovini 16. veka ističe se značajna stvaralačka ličnost Valentina Grefa Bakfarka. Rođen je 1507. godine u Brassu (Kronštat, Sibenbirgen) i bio je mađarskog porekla (Greff je bilo prezime njegove majke). Svoje godine muzičkog školovanja očigledno je proveo na dvoru ugarskog kralja Janoša, a kasnije je mladi muzičar bio u njegovoj službi sve do kraljeve smrti 1540. godine. Tada je, vjerovatno, Bakfark posjetio Francusku, a 1549. godine postao je dvorski muzičar poljskog kralja Sigismunda Augusta II. Od 1551. do 1554. on i jedan od njegovih pokrovitelja posjetili su Königsberg, Danzig, Wüttenberg, Augsburg, Lyon, bili u Parizu na dvoru, kasnije u Rimu, Veneciji - i vratili se na poljski dvor u Vilni. Godine 1553. u Lionu je objavljena zbirka njegovih djela za lutnju. U to vrijeme, Bakfark je već 1665. postao poznati „kompozitor-lutnjista“. nova kolekcija njegovi radovi objavljeni su u Krakovu. U periodu 1566-1568, Backfark je radio na dvoru cara Maksimilijana II u Beču, nakon čega se vratio u svoju domovinu u Siebenbürgen. Konačno, 1571. godine nalazimo ga u Italiji, u Padovi. Tamo je Bakfark umro od kuge 1576.
U Engleskoj i Francuskoj, muzika na lautnji, koja je jedva dostigla svoj vrhunac, kao da je prenosila svoj doživljaj klavijaturnih instrumenata: virginel u Engleskoj i čembalo u Francuskoj. Najveći engleski lutenista, John Dowland, radio je rame uz rame sa ranim virginalistima svog vremena. Najbolji lutenisti u Francuskoj, među njima i Denis Gautier, djelovali su već u 17. stoljeću - a njihovi neposredni nasljednici bili su predstavnici prve generacije čembala.
Doba formiranja nacija naširoko se odrazila u muzici i, prije svega, u narodna pjesma. Nacije još nisu bile potpuno formirane, ali je već nastajao nacionalni pesnički folklor - francuski i španski, češki i poljski, srpski i mađarski, nemački i holandski, italijanski i engleski, sa svojim karakterističnim temama, žanrovima i intonacionom strukturom. Najbolje od ovih pjesama i napjeva, koje su najjasnije izražavale jedinstven karakter, osjećanja i razmišljanja naroda, postepeno su se iz lokalnog folklora razvile u nacionalni folklor.
Italijanski madrigali, francuske polifone pjesme (šansone), engleske arije i balade - reprodukovane slike zavičajne prirode, seoskog i urbanog života; otkrivao najdublja iskustva osobe, korak po korak oslobađajući se okova starih patrijarhalnih odnosa, tradicija i predrasuda.
Ažuriraj muzički život a umjetnost je značila njenu demokratizaciju, šire i smjelije pozivanje na izvore narodnog pjesničkog stvaralaštva. Odavde je obilato crpila profesionalna – sveta i sekularna – muzika.
Pozivanje na narodno porijeklo, posebno u sjeverozapadnoj Evropi, Engleskoj i Holandiji, doprinijelo je sve širem širenju polifone muzike. Formirali su se njeni različiti žanrovi: masa, motet, adrigal, polifona pjesma. Pobjednički marš polifonije odgovarao je već postignutom višem stepenu melodijskog razvoja.
Muzička renesansa se nije razvijala ravnomjerno, u „neprekidnom toku“, već u naročitim „ciklusima“ koji su rasli i jenjali, gurajući prvo jednu ili drugu evropsku zemlju naprijed.
U XIV veku. ispred je bila blistavo inovativna umjetnost sjevernih italijanskih gradova. 15. vek, obeležen „zatišjem“ u Italiji, postao je period naglog razvoja jednog od najmoćnijih i najširih renesansnih pokreta u muzici tog vremena – holandske polifonije. U 16. veku Holandska škola, nakon što je svoj procvat doživjela u domovini, počinje aktivnu migraciju u druge zemlje i nacionalne kulture, dok Italija ulazi u novo svijetlo razdoblje povezano sa briljantnom kulminacijom žanra madrigala i ikonične polifonije. Ili opet: u vrijeme kada je italijanska visoka renesansa već ustupila mjesto kontrareformaciji, vrhunac francuske muzičke renesanse - polifona pjesma (šansona) - dostigao je svoj vrhunac.
Žanr, koji je, po samom duhu renesansne estetike i težnjama svojih najobrazovanijih predstavnika, trebao postati završetak i najviši cvijet renesanse - opera, kao restauracija antičkog teatra - rođen je tek kada je talijanski (XVI vek) je već bila na svom kraju, a novostvorena muzička kultura morala je iskusiti uticaj drugih stilova i umetničkih ideala.
Gradovi na sjeveru Italije - Firenca i Bologna, Padova i Piza, Perugia i Rimini - stvorili su svoju novu umjetnost u muzici. Divni muzičari rane renesanse- Jovan od Firence, Ghirardello, Francesco Landino, Pietro Casella - ostavili su mnoga dela lirskog i lirsko-svakodnevnog žanra za pevanje uz pratnju na lauti i drugim gudačkim instrumentima. Neke od njihovih kompozicija izvodili su i instrumentalni sastavi. Ova muzika je delimično bila povezana sa narodno poreklo i iskusio snažan uticaj ranog italijanskog humanizma. Duh renesanse najprije se široko i potpuno manifestirao u čisto sekularnoj školi visokoprofesionalne umjetnosti – školi koja se otvoreno suprotstavljala crkvenoj polifoniji “starog stila” i nemjerljivo nadmašila “poluprofesionalnu” svjetovnu liriku većine trubadura i trouvères, ovi prethodnici muzičke renesanse.
Prvi put je melodija, melodičnija i gipkija od srednjevekovnih majstora, zvučala u skladu sa italijanskim stihom (Petrarka i drugi pesnici), prateći njegove slike, metar i ritam. Bile su to realistične žanrovske slike na različite teme: lov u planinama uz trube i prozivku lovaca; šetnja i zabavna pecarska scena; trgovci na pijaci, koji se međusobno nadmeću da pozovu kupce.
U središtu pokreta ars nova visoko se uzdiže lik Francesca Landinija, bogatog i višestruko talentovanog umjetnika koji je ostavio snažan utisak na svoje napredne savremenike. Landini je rođen u Fiesoleu, blizu Firence, 1325. godine, u porodici slikara. Nakon što je u djetinjstvu bolovao od malih boginja, trajno je oslijepio. Rano je počeo da se bavi muzikom (prvo da peva, a zatim da svira gudačke instrumente i orgulje) – „kako bi malo utehe ublažio užas večne noći“. Muzički razvoj hodao je divnom brzinom i zadivio one oko sebe. Odlično je proučavao dizajn mnogih instrumenata („kao da ih je svojim očima vidio“), vršio poboljšanja i izmišljao nove dizajne. Tokom godina, Francesco Landini je nadmašio sve italijanske muzičare svog vremena. Posebno je bio poznat po sviranju na orguljama, za koje je, u prisustvu Petrarke, ovenčan lovorom u Veneciji 1364. godine. Očigledno, Landini tada još nije bio poznat kao kompozitor, a možda je počeo da komponuje tek sredinom 1360-ih gg. Moderni istraživači to pripisuju ranih radova do 1365-1370 Poznato je da je u Firenci Landini mnogo komunicirao sa pjesnicima, sam komponovao pjesme i ravnopravno učestvovao u učenim estetskim raspravama humanista. Landini je umro u Firenci i sahranjen je u crkvi San Lorenzo; datum na njegovom nadgrobnom spomeniku je 2. septembar 1397. Dugo vremena je objavljeno samo nekoliko Landinijevih spisa. Danas su poznate 154 kompozicije.
Francesco Landini
U 15. veku Pojavili su se novi, demokratski vokalni žanrovi koji su odgovarali širim, otvorenim, društvenim oblicima muzičkog života. Posebno je postala popularna Frottola, čiji naziv doslovno - "pjesma gomile" već govori o njenoj plebejskoj prirodi. Kompozitori fratolisti pisali su stilom bliskim folkloru talijanskih gradova. Frottola se razlikovao od žanrova 14. vijeka svojom melodičnom, izražajnom melodijom i jasnom durskom skalom.
Ali 16. vek se smatra najbogatijim događajima u istoriji italijanske muzičke umetnosti, predstavljajući kompleksniju sliku u ovo vreme nego u bilo kom od prethodnih vekova. Neki trendovi su ovdje dostigli svoj vrhunac kao rezultat dugogodišnjeg razvoja (vokalna polifona muzika strogog stila), drugi su nastali i intenzivno se razvijali, generirani duhovnom atmosferom ovog perioda (sekularna muzika u žanru madrigala), treći su bili neprimjetno pripremljen uoči nove prekretnice koja je nastupila na prijelazu iz 16. stoljeća, kada je završila era visoke renesanse.
Uspon rimske škole koju je predvodio Palestrina ne može a da se izvana ne povezuje s periodom kontrareformacije. Međutim, prava suština Palestrinine umjetnosti potvrđuje mišljenje da su u njoj ostvarene važne stvaralačke ideje renesanse, koje su, međutim, dobile jedinstveno oličenje u novim povijesnim uvjetima.
Početak kontrareformacije uticao je na opštu promjenu duhovne atmosfere u kojoj se umjetnost razvijala od sredine do kraja 16. stoljeća. Napredni umjetnici nisu mogli a da ne osjećaju ugnjetavanje katoličke reakcije koja je progonila "heretike", akcije inkvizicije, ograničenje progresivne misli, odnosno suštinski antirenesansni program djelovanja koji je papstvo usvojilo i provodilo. . Najviša umjetnička ravnoteža postignuta u umjetnosti visoke renesanse bila je neizbježno poljuljana i narušena.
Giovanni Pierluigi da Palestrina rođen je oko 1525. godine i dobio je nadimak po mjestu rođenja (Palestrina, blizu Rima). Od djetinjstva je pjevao u katedrali svog rodnog grada, a 1534. godine postao je pjevač kapele u Rimu. Od tog trenutka, gotovo cijeli svoj život Palestrina je bila povezana sa poznatim crkvama papske prijestolnice. Ta iskonska povezanost s katoličkim kultom i katoličkim krugovima, duboka religioznost svojstvena njegovom svjetonazoru, nije mogla a da ne utiče na njegov rad. Nakon Tridentskog sabora, Palestrina je stekla legendu o “spasitelju crkvene muzike”; jedna od njegovih misa, izvedena u kući kardinala, uvjerila je više sveštenstvo da višeglasna muzika ne može zamagliti značenje riječi i, stoga, ne narušiti crkvenu pobožnost. Palestrina do kraja svojih dana nije bio sklon promeni stila života, iako su ga mnogi vladari pozivali na svoj dvor. Samo unutra poslednjih godina Vjerovatno umoran od svojih dužnosti u Rimu, Palestrina se želio vratiti u svoju domovinu. Ali njegova smrt 2. februara 1594. nije dozvolila da se te namjere ostvare.
Giovanni Pierluigi da Palestrina
Palestrinino stvaralačko nasljeđe je upečatljivo po svojim razmjerima. Stvorio je više od 100 misa, više od 300 moteta, više od 100 madrigala. Njegovom muzikom dominira raspoloženje koncentrisane, smirene, uzvišene kontemplacije. Kreativni procvat Palestrina je postignuta kada je renesansa za druge umjetnosti već bila stvar prošlosti. On je činio i muzički vrhunac ove kulture, te je utjelovio njenu glavnu ideju - ideju savršenog sklada čovjeka i svijeta - sa onom idealiziranom i generaliziranom ljepotom koja je još uvijek bila nemoguća prije njega, a ni poslije njega - više nije moguća u Italijanska horska umjetnost.
Čitav njegov rad odlikuje se jasno renesansnom interpretacijom: intonacijska bliskost folkloru i noelima, živopisni zvučni zapis, a tu i tamo se pojavljuju parodijski motivi.
Dok italijanski, francuski i španska renesansa na jugu Evrope rasplela se jedna od najsjajnijih stranica u istoriji svetske književnosti i umetnosti na severozapadu kontinenta, u Holandiji, nastala je u 15. veku. moćna škola horske polifonije. Postao je vrhunac u istoriji muzičke kulture svoje zemlje. Nevjerovatnom brzinom, njegove grane su nicale u druge zemlje. Polifona umjetnost Italije, Francuske, Španije i Njemačke učila je i rasla iz njenog dragocjenog iskustva. Dobio je međunarodni značaj. XV-XVI vek - vrhunac holandske muzike.
Minstreli su lutali posvuda, stvarajući svoje škole u Brižu i drugim centrima. U crkvama su se u slobodno vrijeme od bogosluženja održavali koncerti orguljaške muzike. Zatvorene škole sirotišta, tzv. metrize, koje su od detinjstva školovale profesionalne pevače i orguljaše, bile su centri muzičkog obrazovanja i teorije. Iz metriza su potekli veliki majstori polifonisti kao što su Guillaume Dufay, Gilles Benchois i drugi.
Vrhunac u istoriji holandske škole bio je rad Orlanda di Lasa. Rodom iz Flandrije (rođen u Monsu, Hainaut, 1532. godine), odrastao je u Italiji i, kao i njegovi prethodnici, svoju muzičku karijeru započeo je kao hor. Laso je živio nemirnim lutajućim životom, tipičnim za renesansne ličnosti. Italija i Engleska, Francuska i Antverpen. Poslednjih 38 godina proveo je u Minhenu kao dirigent na dvoru vojvode od Bavarske, gde je i umro 1594. Bio je genijalni muzičar po dubini i snazi svoje umetnosti, ogromnog dometa i stvaralačke moći, jedan od onih koji su nazivani su titanima renesanse.
Orlando di Lasso
Orkestrom diriguje kompozitor O. Lasso
Dakle, muzičku umjetnost renesanse karakteriziraju ne samo dostignuća nacionalnih i lokalnih (na primjer, rimske, venecijanske i druge) kreativne škole, već i blizina (ponekad čak i jedinstvo) važnih kreativnih pravaca.