Od 12. veka u umjetnosti se ogleda antiteza karakteristična za estetiku srednjeg vijeka, kada je sveta muzika - “ nova pjesma„u suprotnosti je sa „starom“, odnosno paganskom muzikom. Istovremeno, instrumentalna muzika i u zapadnoj i u istočnoj hrišćanskoj tradiciji smatrana je manje vrednom pojavom od pevanja.
"Maastricht Book of Hours", Maastrichtski obred. Prva četvrtina 14. veka. Holandija, Liege. British Library. Stowe MS 17, f.160r / Detalj minijature iz sati u Maastrichtu, Nizozemska (Liège), 1. četvrtina 14. stoljeća, Stowe MS 17, f.160r.
Muzika je neodvojiva od praznika. Putujući glumci - profesionalni zabavljači i zabavljači - bili su povezani sa praznicima u srednjovekovnom društvu. Ljudi ovog zanata, koji su stekli narodnu ljubav, u pisanim spomenicima nazivani su drugačije. Crkveni autori su tradicionalno koristili klasična starorimska imena: mime / mimus, pantomime / pantomimus, histrion / histrio. Latinski izraz joculator bio je opšteprihvaćen - džoker, šaljivdžija, šaljivdžija. Predstavnici zabavne klase zvali su se plesači/saltatori; zajebancije /balatro, scurra; muzičari /musicus. Muzičari su se razlikovali po vrstama instrumenata: citarista, cimbalista itd. Francuski naziv “jongler” /jongleur postao je posebno raširen; u Španiji je odgovaralo riječi “huglar” /junglar; u Njemačkoj - "Spielmann", u Rusiji - "buffoon". Sva ova imena su praktički sinonimi.
O srednjovekovnim muzičarima i muzici - kratko i fragmentarno.
2.
Sati iz Maastrichta, BL Stowe MS 17, f.269v
Ilustracije - iz holandskog rukopisa iz prve četvrtine 14. veka - "Maastricht Book of Hours" Britanske biblioteke. Slike marginalnih granica nam omogućavaju da procenimo strukturu muzičkih instrumenata i mesto muzike u životu.
Od 13. vijeka lutajući muzičari sve više hrle u dvorce i gradove. Zajedno sa vitezovima i predstavnicima klera, dvorski ministranti okružuju svoje krunisane pokrovitelje. Muzičari i pjevači neizostavni su učesnici zabave stanovnika viteških dvoraca, pratioci zaljubljenih gospoda i dama.
3.
f.192v
Tu su trube i tromboni grmjeli kao gromovi,
A frule i lule su zvonile kao srebro,
Zvuci harfi i violine pratili su pjevanje,
A pjevačice su za svoj žar dobile mnogo novih haljina.
[Kudruna, njemačka epska pjesma 13. stoljeća]
4.
f.61v
Teorijska i praktična muzika je bila uključena u program obuke idealnog viteza; Posebno su voljeli melodičnu violu s nježnim akordima i melodičnu harfu. Vokalni solo su sviranjem viole i harfe pratili ne samo profesionalni žongleri, već i poznati pjesnici i pjevači:
“Tristram je bio vrlo sposoban učenik i ubrzo je savladao sedam glavnih umjetnosti i mnoge jezike do savršenstva. Zatim je studirao sedam vrsta muzike i postao poznat kao poznati muzičar, kojoj nije bilo premca"
["Saga o Tristramu i Ysondi", 1226.]
5.
f.173v
U svim književnim verzijama legende, Tristan i Izolda su vješti harfisti:
Kada je on pevao, ona je svirala,
Onda ga je zamenila...
I ako je jedan pjevao, drugi
Rukom je udario harfu.
I pjevanje, puno melanholije,
I zvuci žica ispod tvoje ruke
Oni su se spojili u vazduhu i tamo
Zajedno su poletjeli u nebo.
[Gottfried iz Strazbura. Tristan. Prva četvrtina 13. veka]
6.
f.134r
Iz “biografija” provansalskih trubadura poznato je da su neki od njih improvizirali na instrumentima i tada su nazivani “violarima”.
7.
f.46r
Car Svetog Rimskog Rima Njemačke nacije Fridrik II Štaufen (1194-1250) „svirao je razne instrumente i bio je obučen u pjevanju“
8.
f.103r
Žene su svirale i harfe, viole i druge instrumente, najčešće žonglerice, a povremeno i djevojke iz plemićkih porodica, pa čak i visoke ličnosti.
Tako je francuski dvorski pesnik iz 12. veka. pevala kraljica vielist: „Kraljica peva slatko, njena pesma se stapa sa instrumentom. Pesme su dobre, ruke lepe, glas nežan, zvuci tihi.”
9.
f.169v
Muzički instrumenti su bili raznovrsni i postepeno se usavršavali. Srodni instrumenti iste porodice formirali su mnoge varijante. Nije bilo strogog ujedinjenja: njihovi oblici i veličine uvelike su ovisili o željama glavnog proizvođača. U pisanim izvorima, identični instrumenti često su imali različita imena ili su, obrnuto, različite vrste bile skrivene pod istim nazivima.
Slike muzičkih instrumenata nisu povezane sa tekstom - ja nisam stručnjak za to.
10.
f.178v
Grupa žičanih instrumenata bila je podijeljena na porodice gudala, lutnje i harfe. Žice su se izrađivale od upredenih ovčijih crijeva, konjske dlake ili svilenih niti. Od 13. veka sve više su se izrađivale od bakra, čelika, pa čak i srebra.
Gudački instrumenti, koji su imali prednost kliznog zvuka sa svim polutonovima, bili su najprikladniji za pratnju glasa.
Pariški majstor muzike 13. vijeka, John de Grocheo/Grocheio, stavio je violu na prvo mjesto među žicama: na njoj su „svi muzički oblici“ suptilnije preneseni, uključujući i plesne.
11.
f.172r
Prikazujući dvorsku proslavu u epu “Wilhelm von Wenden” (1290), njemački pjesnik Ulrich von Eschenbach posebno je istakao vielu:
Od svih stvari koje sam do sada čuo,
Viela je vrijedna samo hvale;
Dobro je da ga svi slušaju.
Ako ti je srce ranjeno,
Tada će ova muka biti izliječena
Od nežne slatkoće zvuka.
Music Encyclopedia [M.: Sovjetska enciklopedija, sovjetski kompozitor. Ed. Yu. V. Keldysh. 1973-1982] izvještava da je viela jedno od uobičajenih naziva za srednjovjekovne gudačke instrumente. Ne znam na šta je Ulrih fon Ešenbah mislio.
12.
f.219v. Kliknite na sliku za veći alat
14.
f.216v
U idejama ljudi srednjeg veka instrumentalna muzika je bila višeznačna, imala je polarne kvalitete i izazivala direktno suprotne emocije.
„Neke to pokreće na praznu radost, druge na čistu, nježnu radost, a često i na svete suze. [Petrarka].
15.
f.211v
Vjerovali su da dobro odgojena i suzdržana muzika, koja omekšava moral, uvodi duše u božanska harmonija, olakšava razumijevanje misterija vjere.
16.
f.236v
Naprotiv, uzbudljive orgijastične melodije služe za kvarenje ljudskog roda, dovodeći do kršenja Hristovih zapovesti i krajnje osude. Kroz neobuzdanu muziku mnogi poroci prodiru u srce.
17.
f.144v
Crkveni hijerarsi slijedili su učenja Platona i Boetija, koji su jasno razlikovali idealnu, uzvišenu "harmoniju neba" i vulgarnu, opscenu muziku.
18.
f.58r
Monstruozni muzičari kojima obiluju polja gotičkih rukopisa, uključujući Mastrihtsku knjigu sati, oličenje su grešnosti zanata histriona, koji su istovremeno bili muzičari, plesači, pjevači, dreseri životinja, pripovjedači itd. Histrioni su proglašeni „sotoninim slugama“.
19.
f.116r
Groteskna bića sviraju prave ili groteskne instrumente. Iracionalni svijet entuzijastičnog sviranja muzičkih hibrida je zastrašujući i smiješan u isto vrijeme. “Nadrealni” zli duhovi, preuzimajući bezbroj obličja, plene i varaju varljivom muzikom.
20.
f.208v
Početkom 11. vijeka. Notker Gubasti je, sledeći Aristotela i Boetija, istakao tri osobine čoveka: razumno biće, smrtno biće, koje zna da se smeje. Notker je smatrao osobu sposobnom i za smijeh i za izazivanje smijeha.
21.
f.241r
Na praznicima su gledaoce i slušaoce, između ostalih, zabavljali muzički ekscentrici koji su parodirali i time izbacivali „ozbiljne“ brojeve.
U rukama zamenika smeha u „svetu iznutra prema spolja“, gde su uobičajeni odnosi okrenuti naglavačke, naizgled najneprikladniji predmeti za sviranje muzike počeli su da „zvuče“ kao instrumenti.
22.
f.92v. Telo zmaja viri ispod odeće muzičara koji svira petla.
Upotreba predmeta u za njih neuobičajenoj ulozi jedna je od tehnika slapstick komedije.
23.
f.145v
Fantastično muziciranje odgovaralo je svjetonazoru trga festivala, kada su se obrisale uobičajene granice između objekata, sve je postalo nestabilno i relativno.
24.
f.105v
U stavovima intelektualaca iz XII-XIII vijeka. nastala je određena harmonija između bestjelesnog svetog duha i nesputane vedrine. Spokojna, prosvijećena “duhovna radost”, zapovijest neprestanog “radovanja u Kristu” karakteristični su za sljedbenike Franje Asiškog. Franjo je vjerovao da stalna tuga ne prija Bogu, već đavolu. U staroprovansalskoj poeziji, radost je jedna od najviših dvorskih vrlina. Njen kult je generisan životno-potvrđujućim pogledom na svet trubadura. „U višetonskoj kulturi ozbiljni tonovi zvuče drugačije: na njih djeluju refleksi tonova smijeha, gube svoju ekskluzivnost i jedinstvenost, dopunjuju se aspektom smijeha.”
25.
f.124v
Potreba za legalizacijom smijeha i šale nije isključila borbu protiv njih. Revnitelji vjere su žonglere žigosali kao “članove đavolske zajednice”. Istovremeno, prepoznali su da, iako je žongliranje tužan zanat, pošto svako treba da živi, to će učiniti, pod uslovom da se poštuje pristojnost.
26.
f.220r
„Muzika jeste velika moć i uticaj na strasti duše i tela; u skladu s tim razlikuju se melodije ili muzički modovi. Uostalom, neki od njih su takvi da svojom redovnošću potiču one koji slušaju da žive poštenim, besprijekornim, poniznim i pobožnim životom.”
[Nikolai Orem. Traktat o konfiguraciji kvaliteta. XIV vijek]
27.
f.249v
„Timpani, lutnje, harfe i citare
Bili su zagrejani, a parovi su se preplitali
U grešnom plesu.
Bila je to utakmica cijelu noć
Jelo i piće do jutra.
Tako su zabavljali mamona u obliku svinje
I jahali su u hramu Sotone.”
[Chaucer. Canterbury Tales]
28.
f.245v
Svjetovne melodije koje "golicaju uho i varaju um, odvode nas od dobrote" [Jovan Zlatoust], smatran je proizvodom grešne tjelesnosti, lukavom tvorevinom đavola. Njihov koruptivni uticaj mora se boriti uz pomoć strogih ograničenja i zabrana. Haotična haotična muzika paklenih elemenata dio je svjetske „liturgije iznutra prema van“, „obožavanja idola“.
29.
f.209r
Kuzma Petrov-Vodkin (1878-1939) svjedoči o upornosti takvih stavova kada se prisjeća katedralnog protojereja Hlinovska, malog grada u Saratovskoj guberniji.
„Nama, maturantima, napravio je ekskurziju u polje umetnosti, posebno u muziku: „Ali kad zasvira, demoni će vam se pod nogama pomerati... A ako počnete da pevate pesme, onda repovi demona će izaći iz vaših grla i penjaće se i penjati.”
30.
f.129r
I na drugom polu. Potekla od Duha Svetoga, uzbudljive muzike visokog ideala, muzika sfera smatrana je oličenjem nezemaljskog sklada svemira koji je stvorio Stvoritelj – otuda osam tonova gregorijanskog korala, i kao slika harmonije u hrišćanskoj crkvi. Razumna i proporcionalna kombinacija različitih zvukova svjedočila je o jedinstvu dobro uređenog Božjeg grada. Harmonična koherentnost suglasja simbolizirala je skladne odnose elemenata, godišnjih doba itd.
Prava melodija oduševljava i oplemenjuje duh, ona je „poziv na uzvišen način života, upućujući one koji su odani vrlini da ne dopuste ništa nemuzikalno, neskladno, neskladno u svom moralu“. [Grigorije Niski, IV vek]
Fusnote/Literatura:
Kudruna / Ed. pripremljeno R.V. M., 1983. str. 12.
Legenda o Tristanu i Izoldi / Ed. pripremljeno A. D. Mihajlov. M., 1976. P. 223; P.197, 217.
Pjesma o Nibelunzima / Trans. Yu. B. Korneeva. L., 1972. P. 212. „Najslađe melodije” ministranata zvučale su u baštama i dvoranama.
Muzička estetika zapadnoevropskog srednjeg vijeka i renesanse / Kom. tekstovi V. P. Šestakova. M., 1966. P. 242
Struve B. A. Proces nastanka viola i violina. M., 1959, str. 48.
CülkeP. Mönche, Bürger, Minnesänger. Leipzig, 1975. S. 131
Darkevich V. P. Narodna kultura Srednji vijek: sekularni praznični život u umjetnosti 9.-16. stoljeća. - M.: Nauka, 1988. P. 217; 218; 223.
Estetika renesanse / Comp. V. P. Shestakov. M., 1981. T. 1. P. 28.
Gurevich A. Ya. Problemi srednjovjekovne narodne kulture. P. 281.
Bahtin M. Estetika verbalnog stvaralaštva. M., 1979. P. 339.
Petrov-Vodkin K. S. Khlynovsk. Euklidski prostor. Samarkand. L., 1970. str. 41.
Averintsev S.S. Poetika ranovizantijske književnosti. M., 1977. S. 24, 25.
Izvori za tekst:
Darkevich Vladislav Petrovich. Svjetovni praznični život srednjeg vijeka IX-XVI vijeka. Drugo izdanje, prošireno; M.: Izdavačka kuća "Indrik", 2006.
Darkevich Vladislav Petrovich. Narodna kultura srednjeg vijeka: svjetovni praznični život u umjetnosti 9.-16. stoljeća. - M.: Nauka, 1988.
V. P. Darkevich. Parodijski muzičari u minijaturama gotičkih rukopisa // “Umjetnički jezik srednjeg vijeka”, M., “Nauka”, 1982.
Boetije. Upute za muziku (odlomci) // "Muzička estetika zapadnoevropskog srednjeg vijeka i renesanse" M.: "Muzika", 1966.
+ linkovi unutar teksta
Ostali unosi sa ilustracijama iz Maastrichtske knjige sati:
P.S. Marginalije - crteži na marginama. Vjerovatno bi bilo tačnije neke ilustracije nazvati minijaturama na dijelu stranice.
Muzika srednjovjekovno doba - razvojni periodmuzičke kulture, koji pokriva vremenski period od približno V do XIV vijeka nove ere .Tokom srednjeg vijeka u Evropi pojavljuje se novi tip muzičke kulture - feudalni , kombinujući profesionalnu umetnost, amatersko muziciranje i folklor Jer crkva dominira u svim oblastima duhovnog života, osnova profesionalne muzičke umetnosti je delatnost muzičara u hramova i manastira . Svjetovnu profesionalnu umjetnost u početku su predstavljali samo pjevači koji su stvarali i izvodili epske priče na dvoru, u plemićkim kućama, među ratnicima itd. ( bardovi, skaldovi i sl.). Vremenom se razvijaju amaterski i poluprofesionalni oblici muziciranja viteštvo: u Francuskoj - umjetnost trubadura i truvera (Adam de la Halle, XIII vijek), u Njemačkoj - minnesingeri ( Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, XII - XIII vijeka ), kao i gradski zanatlije U feudalnim dvorcima a u gradovima se uzgajaju sve vrste rodova,žanrovi i oblici pjesama (ep, zora, rondo, le, virele, balade, kancone, laude itd.).
Novi dolaze u svakodnevni životmuzički instrumenti, uključujući i one koji su došli Istok (viola, lutnja itd.), nastaju ansambli (nestabilnih kompozicija). Folklor cveta među seljacima. Tu su i "narodni profesionalci": pripovedači , putujući sint umjetnici (žongleri, mimici, ministranti, špilmani, bufoni ). Muzika opet obavlja uglavnom primijenjene i duhovno-praktične funkcije. Kreativnost djeluje u jedinstvu saperformanse(obično jedna osoba).
I sadržajem muzike i svojom formom dominira kolektivitet ; individualni princip je podređen opštem principu, ne izdvajajući se iz njega (majstorski muzičar je najbolji predstavnik zajednice ). U svemu vlada stroga tradicionalnosti i kanoničnosti . Konsolidacija, očuvanje i distribucija tradicije i standarda.
Postepeno, iako polako, sadržaj muzike se obogaćuje, njenžanrovi, forme , izražajna sredstva. IN Zapadna Evropa od 6. do 7. veka . pojavljuje se strogo regulisan sistem monofono (monodično) ) crkvena muzika zasnovano dijatonski modovi ( gregorijanski koral), kombinujući recitaciju (psalmodija) i pjevanje (himne ). Na prelazu iz 1. u 2. milenijum, polifonija . Formiraju se novi vokal (horski ) i vokalno-instrumentalni (hor i orgulje) žanrovi: organum, motet, provod, zatim masa. U Francuskoj u 12. veku formira se prva kompozitorsku (kreativnu) školu u Katedrala Notre Dame(Leonin, Perotin). Na prijelazu renesanse (stil ars nova u Francuskoj i Italiji, 14. vijek) u profesionalna muzikamonofonija se istiskuje polifonija , muzika počinje da se postepeno oslobađa od čisto praktičnih funkcija (služba crkve rituali ), pojačava značenje sekularni žanrovi, uključujući pjesme ( Guillaume de Machaut).
Preporod.
Muzika u periodu XV-XVII vijeka.U srednjem veku muzika je bila prerogativ Crkve, pa je većina muzičkih dela bila sveta, zasnovana na crkvene himne(gregorijanski koral), koji su dio vjerovanja od početka kršćanstva. Početkom 17. stoljeća kultni napjevi, uz direktno učešće pape Grgura I, konačno su kanonizovani. Gregorijanski koral izveli su profesionalni pjevači. Nakon razvoja polifonije u crkvenoj muzici, gregorijanski koral je ostao tematska osnova višeglasnih vjerskih djela (mise, moteti i dr.).
Nakon srednjeg vijeka uslijedila je renesansa, koja je za muzičare bila era otkrića, inovacija i istraživanja, doba renesanse svih slojeva kulturnih i naučnih manifestacija života od muzike i slikarstva do astronomije i matematike.
Iako je muzika ostala uglavnom religiozna, slabljenje crkvene kontrole nad društvom otvorilo je veću slobodu kompozitorima i izvođačima da izraze svoje talente.
Sa pronalaskom štamparske mašine postalo je moguće štampati i distribuirati notne zapise i od tog trenutka je počelo ono što nazivamo klasičnom muzikom.
Tokom ovog perioda pojavili su se novi muzički instrumenti. Najpopularniji instrumenti bili su oni na kojima su ljubitelji muzike mogli lako i jednostavno svirati, bez posebnih vještina.
U to vrijeme se pojavila violina, prethodnica violine. Zahvaljujući pragovima (drvene trake preko vrata), bilo je lako svirati, a zvuk je bio tih, nežan i dobro zvučao u malim salama.
Popularni su bili i duvački instrumenti - blok flauta, flauta i rog. Najkompleksnija muzika napisana je za novostvoreno čembalo, virginel (englesko čembalo, koje se odlikuje malom veličinom) i orgulje. Istovremeno, muzičari nisu zaboravili da komponuju jednostavniju muziku koja nije zahtevala visoku izvođačku veštinu. U isto vrijeme došlo je do promjena u muzičkom pisanju: teške drvene štampe zamijenjene su pokretnim metalnim tipovima koje je izumio Italijan Ottaviano Petrucci. Objavljena muzička djela brzo su se rasprodala, a sve više ljudi počelo se baviti muzikom.
Kraj renesanse obeležio je najvažniji događaj u istoriji muzike - rođenje opere. Grupa humanista, muzičara i pjesnika okupila se u Firenci pod pokroviteljstvom svog vođe grofa Giovannija De Bardija (1534. - 1612.). Grupa se zvala "kamerata", a njeni glavni članovi bili su Đulio Kačini, Pietro Stroci, Vinćenco Galilej (otac astronoma Galilea Galileja), Điloramo Mei, Emilio de Kavalijeri i Otavio Rinučini u njegovim mlađim godinama.
Prvi dokumentovani sastanak grupe održan je 1573. godine, a najaktivnije godine rada"Florentine Camerata "bili su 1577 - 1582. Vjerovali su da je muzika "pokvarila" i nastojali su da se vrate obliku i stilu antičke Grčke, vjerujući da se muzička umjetnost može poboljšati i, shodno tome, i društvo poboljšati. Kamerata je kritikovala postojeću muziku zbog pretjerane upotrebe polifonije na račun razumljivosti teksta i gubitka poetske komponente djela i predložio je stvaranje novog muzičkog stila u kojem bi tekst u monodijskom stilu bio praćen instrumentalnom muzikom novog vokalno-muzičkog oblika - recitativa, koji je prvi koristio Emilio de Cavalieri, a koji je kasnije bio direktno povezan s razvojem opere.
Prvi službeno priznatopera , po savremenim standardima, bila je opera "Dafna" (Dafna), prvi put predstavljena 1598. Autori "Dafne" bili su Jakopo Peri i Jakopo Korsi, libreto Otavija Rinučinija. Ova opera nije sačuvana. Prva sačuvana opera je "Euridika" (1600) istih autora - Jacopo Peri i Ottavio Rinuccini. Ova kreativna zajednica također je stvorila mnoga djela, od kojih je većina izgubljena.
Ranobarokna muzika (1600-1654)
Kreiranje italijanskog kompozitora Klaudija Monteverdija (1567-1643) njegovog recitatorskog stila i dosljedan razvoj italijanske opere može se smatrati konvencionalnom točkom prijelaza između baroknog i renesansnog doba. Početak opernih predstava u Rimu, a posebno u Veneciji, već je značio prepoznavanje i širenje novog žanra širom zemlje. Sve je to bio samo dio većeg procesa koji je zahvatio sve umjetnosti, a posebno se jasno očitovao u arhitekturi i slikarstvu.Renesansni kompozitori obraćali su pažnju na razradu svakog dela muzičkog dela, praktično ne obraćajući pažnju na poređenje ovih delova. Zasebno, svaki dio bi mogao zvučati odlično, ali harmoničan rezultat dodavanja više je bio slučajnost nego regularnost. Pojava figuriranog basa ukazala je na značajnu promenu u muzičkom razmišljanju – naime, da je harmonija, koja je „slaganje delova u jednu celinu“, bila podjednako važna kao i sami melodijski delovi (polifonija). Polifonija i harmonija su sve više izgledali kao dvije strane iste ideje o komponovanju eufonične muzike: u komponovanju se harmonskim sekvencama pridavala ista pažnja kao i tritonovima u stvaranju disonance. Harmonično mišljenje je postojalo i kod nekih kompozitora prethodnog doba, na primjer, kod Carla Gesualda, ali je u doba baroka postalo opšteprihvaćeno.
One dijelove djela u kojima se modalitet i tonalitet ne mogu jasno razdvojiti kao mješoviti dur ili mješoviti mol označio je (kasnije je za ove pojmove uveo pojmove „monal-dur“ i „monal-mol“). Tabela pokazuje kako tonski sklad, već u ranom baroknom periodu, praktično zamjenjuje harmoniju prethodnog doba.
Italija postaje centar novog stila. Papstvo, iako zahvaćeno borbom protiv reformacije, ali je ipak posjedovalo ogromna finansijska sredstva dopunjena vojnim pohodima Habsburgovaca, tražilo je prilike za širenje katoličke vjere kroz širenje kulturnog utjecaja. Sa pompom, veličinom i složenošću arhitekture, likovne umetnosti i muzike, izgledalo je da katolicizam raspravlja sa asketskim protestantizmom. Bogate italijanske republike i kneževine takođe su se aktivno takmičile u oblasti likovne umetnosti. Jedan od važnih centara muzičke umjetnosti bila je Venecija, koja je u to vrijeme bila pod svjetovnim i crkvenim patronatom.
Značajna ličnost ranog baroknog perioda, čija je pozicija bila na strani katolicizma, suprotstavljajući se rastućem ideološkom, kulturnom i društvenom uticaju protestantizma, bio je Giovanni Gabrieli. Njegova djela pripadaju stilu “visoke renesanse” (procvat renesanse). Međutim, neke od njegovih inovacija na polju instrumentacije (davanje vlastitih, specifičnih zadataka određenom instrumentu) jasno ukazuju da je on bio jedan od kompozitora koji je uticao na nastanak novog stila.
Jedan od zahteva koje je crkva postavila prema kompoziciji sakralne muzike bio je da tekstovi u delima sa vokalom budu čitljivi. To je zahtijevalo odmak od polifonije ka muzičkim tehnikama gdje su riječi došle do izražaja. Vokal je postao složeniji i živahniji u odnosu na pratnju. Tako se razvila homofonija.
Monteverde Claudio(1567-1643), italijanski kompozitor. Ništa ga nije privlačilo više od razotkrivanja unutrašnjeg, duhovnog svijeta čovjeka u njegovim dramatičnim sudarima i sukobima sa vanjskim svijetom. Monteverdi je pravi začetnik konfliktne dramaturgije tragične prirode. On je pravi pevač ljudskih duša. Uporno je težio prirodnoj ekspresivnosti muzike. “Ljudski govor je gospodarica harmonije, a ne njen sluga.”
"Orfej" (1607.) - Muzika opere fokusira se na otkrivanje unutrašnji svet tragični heroj. Njegova uloga je neobično višestruka, spaja različite emocionalne i ekspresivne tokove i žanrovske linije. On oduševljeno doziva svoje rodne šume i obale ili oplakuje gubitak svoje Euridike u bezumnim narodnim pjesmama.
Muzika zrelog baroka (1654-1707)
Period centralizacije vrhovne vlasti u Evropi se često naziva apsolutizmom. Apsolutizam je dostigao svoj vrhunac pod francuskim kraljem Lujem XIV. Za cijelu Evropu Lujev dvor je bio uzor. Uključujući muziku koja se izvodi na sudu. Povećana dostupnost muzičkih instrumenata (posebno klavijatura) dala je podsticaj razvoju kamerne muzike.Zreli barok se razlikuje od ranog baroka po širokom širenju novog stila i povećanom razdvajanju muzičkih oblika, posebno u operi. Kao iu književnosti, mogućnost emitovanja muzičkih dela dovela je do proširene publike; intenzivirala se razmena između centara muzičke kulture.
Izvanredan predstavnik dvorskih kompozitora dvora Luja XIV Giovanni Battista Lulli (1632-1687). Već u 21. godini dobio je titulu „dvorskog kompozitora instrumentalne muzike“. Kreativni rad Lully je od samog početka bio blisko povezan sa pozorištem. Nakon organizovanja dvorske kamerne muzike i kompozicije „airs de cour“, počeo je da piše baletsku muziku. I sam Luj XIV je plesao u baletima, koji su tada bili omiljena zabava dvorskog plemstva. Lully je bio odličan plesač. Imao je priliku da učestvuje u produkcijama, plešući sa kraljem. Poznat je po saradnji sa Molijerom, za čije drame je pisao muziku. Ali glavna stvar u Lullyjevom radu i dalje je bilo pisanje opera. Iznenađujuće, Lully je stvorio kompletan tip francuske opere; takozvane lirske tragedije u Francuskoj (francuski tragedie lyrique), a nesumnjivu stvaralačku zrelost postigao je već u prvim godinama svog rada u opera. Lully je često koristio kontrast između veličanstvenog zvuka orkestarske dionice i jednostavnih recitativa i arija. Muzički jezik Lully nije mnogo složen, ali svakako nov: jasnoća harmonije, ritmička energija, jasnoća podjele oblika, čistoća teksture govore o pobjedi principa homofonijskog mišljenja. Njegovom uspjehu u velikoj mjeri doprinijela je i sposobnost odabira muzičara za orkestar i rad sa njima (sam je vodio probe). Sastavni element njegovog rada bila je pažnja na harmoniju i solo instrument.
U Engleskoj je zreo barok obilježio briljantni genije Henry Purcell (1659-1695). Umro je mlad, u 36. godini, nakon što je napisao veliki broj djela i za života postao nadaleko poznat. Purcell je bio upoznat sa radom Corellija i drugih italijanskih baroknih kompozitora. Međutim, njegovi pokrovitelji i kupci bili su ljudi drugačije vrste od italijanskog i francuskog sekularnog i crkvenog plemstva, tako da su Purcellovi spisi veoma različiti od italijanske škole. Purcell je radio u širokom spektru žanrova; od jednostavnih religioznih himni do koračnice, od vokalnih dela velikog formata do scenske muzike. Njegov katalog sadrži više od 800 radova. Purcell je postao jedan od prvih kompozitora muzike na klavijaturama, čiji uticaj seže u moderno doba.
Za razliku od navedenih kompozitora, Dietrich Buxtehude (1637-1707) nije bio dvorski kompozitor. Buxtehude je radio kao orguljaš, prvo u Helsingborgu (1657-1658), zatim u Elsinoreu (1660-1668), a zatim, počevši od 1668, u crkvi sv. Marije u Lubecku. Nije zarađivao objavljujući svoja djela, već izvodeći ih, a više je volio komponovanje muzike po crkvenim tekstovima i izvođenje vlastitih orguljaških djela nego pokroviteljstvo plemstva. Nažalost, nisu sva djela ovog kompozitora sačuvana. Buxtehudeova muzika je umnogome izgrađena na razmjerima njegovih planova, bogatstvu i slobodi mašte, sklonosti patetici, dramatici i pomalo oratorskoj intonaciji. Njegov rad imao je snažan uticaj na kompozitore kao što su J. S. Bach i Telemann.
Kasnobarokna muzika (1707-1760)
Precizna granica između zrelog i kasnog baroka predmet je rasprave; leži negdje između 1680. i 1720. godine. U velikoj mjeri složenost njegove definicije je posljedica činjenice da su se u različitim zemljama stilovi mijenjali asinhrono; inovacije koje su već bile prihvaćene kao pravilo na jednom mjestu bile su nova otkrića na drugomForme otkrivene u prethodnom periodu dostigle su zrelost i veliku varijabilnost; koncert, suita, sonata, concerto grosso, oratorij, opera i balet više nisu imali jasno definisana nacionalna obeležja. Općeprihvaćeni obrasci djela su uspostavljeni svuda: ponovljeni dvodijelni oblik (AABB), jednostavan trodijelni oblik (ABC) i rondo.
Antonio Vivaldi (1678-1741) - Italijanski kompozitor, rođen u Veneciji. Godine 1703. zaređen je za katoličkog svećenika. Upravo tim, u to vrijeme još u razvoju instrumentalnih žanrova (barokna sonata i barokni koncert) Vivaldi je dao svoj najznačajniji doprinos. Vivaldi je komponovao više od 500 koncerata. Nekim svojim djelima dao je i programske naslove, poput čuvenih "Godišnja doba".
Domenico Scarlatti (1685-1757) bio je jedan od vodećih kompozitora i izvođača na klavijaturama svog vremena. Ali možda je najpoznatiji dvorski kompozitor George Frideric Handel (1685-1759). Rođen je u Njemačkoj, studirao je tri godine u Italiji, ali je 1711. napustio London, gdje je započeo svoju briljantnu i komercijalno uspješnu karijeru nezavisnog operskog kompozitora, ispunjavajući narudžbe plemstva. Posjedujući neumornu energiju, Hendl je prerađivao materijale drugih kompozitora, a stalno je prerađivao svoj sopstvene kompozicije. Na primjer, poznat je po tome što je toliko puta preradio čuveni oratorij "Mesija" da sada ne postoji verzija koja se može nazvati "autentičnom".
Nakon smrti, priznat je kao vodeći evropski kompozitor, a proučavali su ga muzičari klasičnog doba. Hendl je u svojoj muzici pomiješao bogatu tradiciju improvizacije i kontrapunkta. Umjetnost muzičke dekoracije dostigla je vrlo visok nivo razvoja u njegovim radovima. Putovao je po čitavoj Evropi da bi proučavao muziku drugih kompozitora, pa je stoga imao veoma širok krug poznanstava među kompozitorima drugih stilova.
Johann Sebastian Bach rođen 21. marta 1685. u Ajzenahu, Nemačka. Tokom svog života komponovao je više od 1.000 dela u različitim žanrovima, osim opere. Ali za života nije postigao neki značajniji uspjeh. Mnogo puta, Bach je mijenjao jednu ne baš visoku poziciju za drugom: u Vajmaru je bio dvorski muzičar vajmarskog vojvode Johana Ernsta, zatim je postao čuvar orgulja u crkvi sv. Bonifacija u Arnstadtu, nekoliko godina kasnije prihvatio je mjesto orguljaša u crkvi sv. Blazijusa u Mühlhausenu, gdje je radio samo oko godinu dana, nakon čega se vratio u Weimar, gdje je preuzeo mjesto dvorskog orguljaša i organizatora koncerata. Na ovoj funkciji ostao je devet godina. Godine 1717., Leopold, vojvoda od Anhalt-Köthena, unajmio je Bacha za voditelja benda, i Bach je počeo živjeti i raditi u Köthenu. Godine 1723. Bach se preselio u Leipzig, gdje je ostao do svoje smrti 1750. godine. Posljednjih godina njegovog života i nakon Bachove smrti, njegova slava kao kompozitora počela je da opada: njegov stil se smatrao staromodnim u poređenju sa bujajućim klasicizmom. Bio je poznatiji i zapamćen kao izvođač, učitelj i otac mlađih Bahova, posebno Karla Filipa Emanuela, čija je muzika bila poznatija.
Samo je izvođenje Pasiona po Mateju od Mendelsona, 79 godina nakon smrti J. S. Bacha, oživjelo interesovanje za njegovo djelo. Sada je J. S. Bach jedan od najpopularnijih kompozitora
Klasicizam
Klasicizam - stil i smjer u umjetnosti XVII - početkom XIX vekovima
Ova riječ dolazi od latinskog classicus - uzoran. Klasicizam se zasnivao na vjeri u racionalnost postojanja, u činjenicu da je ljudska priroda harmonična. Svoj ideal klasici su vidjeli u antičkoj umjetnosti, koju su smatrali najvišim oblikom savršenstva.
U osamnaestom veku počinje nova etapa u razvoju društvene svesti - doba prosvetiteljstva. Stari društveni poredak se uništava; ideje poštovanja ljudskog dostojanstva, slobode i sreće dobijaju iznimnu važnost; pojedinac stiče nezavisnost i zrelost, koristi svoju inteligenciju i kritičko mišljenje. Ideale baroknog doba s njegovom pompom, pompom i svečanošću zamjenjuje novi stil života zasnovan na prirodnosti i jednostavnosti. Dolazi vrijeme idealističkih pogleda Jean-Jacquesa Rousseaua, koji pozivaju na povratak prirodi, prirodnoj vrlini i slobodi. Uz prirodu, idealizira se i antika, jer se vjerovalo da su upravo u antici ljudi uspjeli ostvariti sve ljudske težnje. Antička umjetnost naziva se klasičnom, prepoznata je kao uzorna, najistinitija, savršena, skladna i, za razliku od umjetnosti barokne ere, smatra se jednostavnom i razumljivom. Fokus je, uz druge važne aspekte, na obrazovanju, položaju običnih ljudi u društvenom poretku i genijalnosti kao ljudskom vlasništvu.
I u umjetnosti vlada razum. Želeći da naglasi visoku svrhu umjetnosti, njenu društvenu i građansku ulogu, francuski filozof i pedagog Denis Diderot napisao je: „Svako skulpturalno ili slikarsko djelo treba da izražava neko veliko pravilo života, treba da uči.
Pozorište je istovremeno bilo i udžbenik života, ali i sam život. Osim toga, u pozorištu je radnja visoko uređena i odmjerena; podeljena je na činove i scene, koji su, pak, podeljeni na pojedinačne replike likova, stvarajući ideal umetnosti tako drag 18. veku, gde je sve na svom mestu i podređeno logičnim zakonima.
Muzika klasicizma je izuzetno teatralna, kao da kopira pozorišnu umetnost, oponaša je.
Podela klasične sonate i simfonije na velike delove - delove od kojih se u svakoj nalazi mnogo muzičkih "događaja" - slično je podeli drame na radnje i scene.
U muzici klasičnog doba često se podrazumijeva zaplet, određena radnja koja se odvija pred slušaocima na isti način kao što se pozorišna radnja odvija pred publikom.
Slušalac samo treba da uključi svoju maštu i prepozna likove klasične komedije ili tragedije u „muzičkoj odeći“.
Pozorišna umetnost takođe pomaže da se objasne velike promene u izvođenju muzike koje su se desile u 18. veku. Ranije je glavno mesto gde je muzika zvučala bio hram: u njemu se čovek nalazio ispod, u ogromnom prostoru, gde mu se činilo da muzika pomaže da podigne pogled i posveti svoje misli Bogu. Sada, u 18. veku, muzika se čuje u aristokratskom salonu, u plesnoj sali plemićkog imanja ili na gradskom trgu. Čini se da slušalac doba prosvjetiteljstva tretira muziku na osnovu imena i više ne doživljava oduševljenje i stidljivost koje je ona u njemu nadahnjivala kada je zvučala u crkvi.
Muzika više nema moćan, svečani zvuk orgulja, a uloga hora je smanjena. Muzika klasičnog stila zvuči lagano, ima mnogo manje zvukova, kao da „manje teži“ od teške, višeslojne muzike prošlosti. Zvuk orgulja i hora zamijenjen je zvukom simfonijskog orkestra; uzvišene arije ustupile su mjesto laganoj, ritmičkoj i plesnoj muzici.
Zahvaljujući bezgraničnoj vjeri u mogućnosti ljudskog uma i moć znanja, 18. vijek se počeo nazivati Dobom razuma ili Dobom prosvjetiteljstva.
Procvat klasicizma započeo je 80-ih godina osamnaestog vijeka. Godine 1781. J. Haydn je stvorio nekoliko inovativnih djela, uključujući njegov Gudački kvartet op. 33; U toku je premijera opere V.A. Mocartova "Otmica iz seralja"; Objavljene su drama F. Schillera "Razbojnici" i I. Kanta "Kritika čistog razuma".
Najsjajniji predstavnici klasičnog perioda su kompozitori bečke klasične škole Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart i Ludwig van Beethoven. Njihova umjetnost oduševljava se savršenstvom kompozicione tehnike, humanističkom usmjerenošću stvaralaštva i željom, posebno uočljivom u muzici W. A. Mozarta, da muzičkim sredstvima prikažu savršenu ljepotu.
Sam koncept bečke klasične škole nastao je ubrzo nakon smrti L. Beethovena. Klasičnu umjetnost odlikuje delikatan balans između osjećaja i razuma, forme i sadržaja. Muzika renesanse odražavala je duh i dah svog doba; u doba baroka, predmet prikaza u muzici bilo je ljudsko stanje; muzika klasičnog doba veliča postupke i djela čovjeka, emocije i osjećaje koje doživljava, pažljiv i holistički ljudski um.
Ludwig Van Beethoven (1770-1827)
Nemački kompozitor se često smatra najvećim kompozitorom svih vremena.
Njegovo djelo se svrstava u klasicizam i romantizam.
Za razliku od svog prethodnika Mocarta, Betoven je imao poteškoća u komponovanju. Beethovenove bilježnice pokazuju kako postepeno, korak po korak, iz nesigurnih skica nastaje grandiozna kompozicija, obilježena uvjerljivom logikom građenja i rijetkom ljepotom. Logika je - glavni izvor Beethovenova veličina, njegova neuporediva sposobnost da organizira kontrastne elemente u monolitnu cjelinu. Beethoven briše tradicionalne cezure između dijelova forme, izbjegava simetriju, spaja dijelove ciklusa i razvija proširene konstrukcije od tematskih i ritmičkih motiva, koji na prvi pogled ne sadrže ništa zanimljivo. Drugim riječima, Beethoven stvara muzički prostor snagom svog uma, vlastitom voljom. On je anticipirao i stvorio one umetničke pokrete koji su postali odlučujući za muzičku umetnost 19. veka.
Romantizam.
obuhvata otprilike godine 1800-1910
Romantični kompozitori pokušali su da izraze dubinu i bogatstvo unutrašnjeg svijeta čovjeka uz pomoć muzičkih sredstava. Muzika postaje istaknutija i individualnija. Razvijaju se žanrovi pjesama, uključujući balade.
Glavni predstavnici romantizma u muzici su: Austrija - Franz Schubert
; u Njemačkoj - Ernest Theodor Hoffmann,
Carl Maria Weber, Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Ludwig Spohr; V
itd...................
Muzika srednjeg veka
Muzička kultura srednjeg vijeka izuzetno je obiman i svestran historijski fenomen, hronološki lociran između doba antike i renesanse. Teško ga je zamisliti kao jedno razdoblje, budući da je u različitim zemljama razvoj umjetnosti išao svojim posebnim putevima.
Specifičnost srednjeg vijeka, koji je ostavio traga u svim sferama ljudskog života tog vremena, bila je vodeća uloga crkve u politici, etici, umjetnosti itd. Tu sudbinu nije izbjegla ni muzika: ona još nije bila odvojen od religije i imao je uglavnom duhovnu funkciju. Njegov sadržaj, slikovitost i cjelokupna estetska suština oličavali su negiranje vrijednosti zemaljskog života radi nagrade nakon smrti, propovijedanje asketizma i odvajanja od vanjskih dobara. Narodna umjetnost, koji je i dalje nosio otisak paganskih vjerovanja, često je bio napadan od strane “zvanične” umjetnosti Katoličke crkve.
Prvi period - rani srednji vek - obično se računa od epohe koja je usledila neposredno nakon pada Rimskog carstva, odnosno od 6. veka nove ere. e. U to vrijeme na teritoriji Evrope su postojala i migrirala mnoga plemena i narodi, u različitim fazama istorijskog razvoja. Međutim, sačuvani spomenici muzička umjetnost Ovaj period je samo muzika hrišćanske crkve (uglavnom u kasnijim zapisima), nasleđujući, s jedne strane, kulturu Rimskog carstva, s druge, muziku Istoka (Judeja, Sirija, Jermenija, Egipat). Pretpostavlja se da su se izvođačke tradicije kršćanskog pjevanja - antifona (suprotstavljanje dvije horske grupe) i responzorstvo (izmjenjivanje solo pjevanja i "odzivi" hora) razvile na osnovu istočnjačkih modela.
Do 8. stoljeća u evropskim se zemljama postupno formira tradicija liturgijskog pjevanja, čija je osnova bila gregorijansko pjevanje - skup jednoglasnih zbornih pjevanja koje je sistematizirao papa Grgur I. Ovdje se treba detaljnije zadržati na ličnosti samog Grgura, koji je zbog značaja svoje ličnosti u istoriji dobio titulu Velikog.
Rođen je u Rimu 540. godine u porodici plemićkog porekla koja nije imala finansijskih poteškoća. Nakon smrti roditelja, Gregory je primio bogato nasledstvo i uspio je osnovati nekoliko manastira na Siciliji i jedan u Rimu, na brdu Caelian, u svojoj porodičnoj kući. Za mesto stanovanja izabrao je poslednji manastir, nazvan Manastir Svetog Apostola Andreja.
Grigorije je 577. godine rukopoložen za đakona, 585. godine izabran je za rektora samostana koji je osnovao, 590. godine, jednoglasnom odlukom rimskog senata, klera i naroda, izabran je na papski prijesto, koji je zauzimao do svoje smrti. 604 .
Još za života Gregori je uživao veliko poštovanje na Zapadu, a nije bio zaboravljen ni posle smrti. Postoje mnoge priče o čudima koje je učinio. Postao je poznat i kao pisac: biografi ga u tom pogledu izjednačavaju sa velikim filozofima i mudracima. Osim toga, Grgur Veliki je jedna od najznačajnijih ličnosti u razvoju crkvene muzike. Zaslužan je za proširenje sistema Amv-Rosian modusa i stvaranje posebne škole pjevanja pod nazivom cantus gregorianus.
Gregory je prikupljao melodije od raznih hrišćanske crkve, nakon čega je napravio njihovu zbirku pod nazivom „Antifonar“, koja je lancima prikovana za oltar crkve sv. Petra u Rimu kao primjer kršćanskog pjevanja.
Papa je uveo oktavni sistem da zameni grčki sistem tetrakorda, a nazive tonova, koji su ranije bili grčki, označio je latinskim slovima A, B, C, itd., pri čemu je osmi ton ponovo dobio naziv prvog. . Cijela ljestvica Grigorija Velikog sastojala se od 14 tonova: A, B, c, d, e, f, g, a, b, c 1, d 1, e 1, f 1, g 1. Slovo B (b) imalo je dvostruko značenje: B okruglo (B rotundum) i B kvadratno (B quadratum), odnosno B ravno i B bekar, zavisno od potrebe.
No, vratimo se papi Grguru, koji je, između ostalog, postao osnivač škole pjevanja u Rimu, revnosno je pratio obuku, pa čak i sam podučavao, strogo kažnjavajući učenike za nemar i lijenost.
Treba napomenuti da postepeno počinje gregorijanski koral, koji se sastoji od dvije vrste napjeva - psalmodija (odmjereno recitovanje teksta Svetog pisma, uglavnom na jednoj zvučnoj visini, na kojoj postoji jedna nota pjevanja po slogu teksta) i jubilarne himne (slobodno pjevanje na slogove riječi "Aleluja"), izbacili su ambrozijansko pjevanje iz crkve. Od potonjeg se razlikovao po tome što je bio gladak i nezavisan od teksta. To je zauzvrat omogućilo da melodija teče prirodno i glatko, i muzički ritam od sada se osamostalio, što je i bilo najvažniji događaj u istoriji muzike.
Utjecaj horskog pjevanja na parohijane pojačan je akustičnim mogućnostima crkava sa visokim svodovima, reflektirajući zvuk i stvarajući efekt Božanskog prisustva.
U narednim stoljećima, širenjem utjecaja Rimske crkve, gregorijanski koral je uveden (ponekad i nasilno nametnut) u službe gotovo svih evropskih zemalja. Kao rezultat toga, do kraja 11. stoljeća cijela katolička crkva je ujedinjena opšti oblici bogosluženja.
Muzička nauka se u to vreme razvijala u bliskoj vezi sa monaškom kulturom. U 8. – 9. veku formirao se sistem crkvenih modusa srednjeg veka na osnovu gregorijanskog korala. Ovaj sistem se odnosi na monofoniju muzičko skladište, s monodijom, i predstavlja osam dijatonskih ljestvica (dorska, hipodorska, frigijska, hipofrigijska, lidijska, hipolidijska, miksolidijska, hipomiksolidijska), od kojih su svaku srednjovjekovni teoretičari i praktičari doživljavali kao kombinaciju određenih ekspresivne mogućnosti(prvi prag je „spretn“, drugi „ozbiljan“, treći „brzi“ itd.).
U istom periodu počinju da se formiraju notni zapisi, isprva predstavljeni takozvanim neumama - ikonama koje su jasno pokazivale kretanje melodije gore ili dole. Iz neuma se kasnije razvila muzički zapis. Reformu notnog zapisa izvršio je u drugoj četvrtini 11. veka italijanski muzičar Guido D'Arezzo, koji je rođen 990. godine. Malo se zna o njegovom djetinjstvu. Nakon punoljetstva, Guido se zamonašio u benediktinskom samostanu Pomposa u blizini Ravenne.
Guido D'Arezzo
Priroda ga je velikodušno obdarila raznim talentima, što mu je dalo priliku da lako nadmaši svoje drugove u učenju. Potonji su bili ljubomorni na njegov uspjeh i na to koliko se Gvido pokazao kao učitelj pjevanja. Sve je to za sobom povuklo oštro negativan, a dijelom čak i neprijateljski stav onih oko njega prema Gvidu, te je na kraju bio primoran da se preseli u drugi samostan - u Arezzo, po čijem je imenu i dobio nadimak Aretino.
Dakle, Gvido je bio jedan od izuzetnih muzičara svog vremena, a njegove inovacije u oblasti podučavanja svetog pevanja dale su briljantne rezultate. Obratio je pažnju na notaciju i izmislio sistem od četiri reda, na kojem je precizno odredio lokaciju polutonova (ovisni su o njima, padajući između stepenica gregorijanskih modusa). karakterne osobine jedan ili drugi mod, kao i melodiju zasnovanu na ovom modusu).
U nastojanju da što preciznije snimi melodiju, Gvido je smislio različita pravila koja je formalizovao u složen i zamršen sistem sa novim nazivima za tonove: ut, re, mi, fa, sol, la. Uprkos raznim poteškoćama izazvanim upotrebom ovakvog sistema, on je trajao veoma dugo, a njegovi tragovi se nalaze kod teoretičara 18. veka.
Zanimljivo je da je u početku Guido D’Arezzo bio proganjan zbog svojih inovacija. Ali od sistema talentovani muzičar umnogome olakšao snimanje i čitanje melodija, papa ga je sa počastima vratio u samostan Pomposa, gdje je Gvido D’Arezzo živio do svoje smrti, odnosno do 1050. godine.
U XI – XII veku u razvoju umjetničke kulture Srednji vijek doživio je prekretnicu uzrokovanu novim društveno-povijesnim procesima (rast gradova, križarski ratovi, pojava novih društvenih slojeva, uključujući viteštvo, formiranje prvih centara svjetovne kulture, itd.). Novi kulturni fenomeni se šire širom Evrope. Dolazi do savijanja i širenja srednjovjekovni roman, gotički stil u arhitekturi, u muzici dolazi do razvoja polifonog pisanja, formiranja svjetovne muzičke i poetske lirike.
Glavno obeležje razvoja muzičke umetnosti u ovom periodu bilo je uspostavljanje i razvoj polifonije, koja se zasnivala na gregorijanskom koralu: pevači su glavnoj crkvenoj melodiji dodavali drugi glas. U ranim dvoglasnim primjerima, zabilježenim u notnim zapisima 9.–11. stoljeća, glasovi se kreću paralelno u jednom ritmu (u razmacima od kvartara, kvinti ili oktava). Kasnije se pojavljuju obrasci neparalelnog kretanja glasova („Jedan pjevač vodi glavnu melodiju, drugi vješto luta kroz druge zvukove“, piše teoretičar Guido D’Arezzo). Ova vrsta dvoglasja i polifonije naziva se organum po imenu dodanog glasa. Kasnije je dodani glas počeo da se ukrašava melizmama i počeo je da se kreće slobodnije ritmički.
Razvoj novih oblika polifonije naročito se aktivno odvijao u Parizu i Limožu u 12. veku. XIII vijeka. Ovaj period je ušao u istoriju muzičke kulture kao „era Notr Dama“ (po imenu svetski poznatog arhitektonskog spomenika u kome je radila pevačka kapela). Među autorima čija je imena istorija sačuvala su Leonin i Perotin, autori organuma i drugih polifonih dela. Leonin je stvorio „Veliku knjigu organuma“, dizajniranu za godišnji krug crkvenog pojanja. Ime Perotina vezuje se za prelazak na troglasno i četvoroglasno, dalje obogaćivanje melodijskog pisanja. Treba napomenuti da je značaj škole Notre Dame značajan ne samo za Francusku, već i za cijelu evropska umjetnost tog vremena.
Formiranje sekularnih žanrova u ovom periodu pripremano je radom lutajućih narodnih muzičara - žonglera, ministranata i špilmana. Odbačeni, pa čak i proganjani od strane zvanične crkve, lutajući muzičari bili su prvi nosioci svjetovne lirike, ali i čisto instrumentalne tradicije (koristili su razne duvačke i gudalske instrumente, harfu itd.).
U to vrijeme umjetnici su bili glumci, cirkuski izvođači, pjevači i instrumentalisti spojeni u jedno. Putovali su od grada do grada, nastupajući na svečanostima na dvorovima, u dvorcima, na sajmovima itd. Žonglerima, špilmanima i ministrantima pridružili su se i skitnici i golijari - nesretni studenti i odbjegli monasi, zahvaljujući kojima se širila pismenost. Postepeno, specijalizacija se pojavila u ovim krugovima putujući umetnici su počeli da formiraju cehove i naseljavaju se u gradovima.
U istom periodu pojavio se jedinstveni „intelektualni” sloj – viteštvo, među kojima je (u periodima primirja) rasplamsalo i interesovanje za umetnost. U 12. stoljeću u Provansi se pojavila umjetnost trubadura, koja je postala osnova posebnog kreativnog pokreta. Trubaduri su većinom dolazili iz najvišeg plemstva, u vlasništvu muzička pismenost. Stvorili su složena muzička i poetska djela u kojima su opjevali zemaljske radosti, herojstvo krstaških ratova itd.
Trubadur je bio prije svega pjesnik, a melodiju je često posuđivao iz svakodnevnog života i kreativno je reinterpretirao. Ponekad su trubaduri unajmljivali ministrante da pruže instrumentalnu pratnju njihovom pjevanju i unajmljivali žonglere za izvođenje i komponovanje muzike. Među trubadurima, čija su imena dopirala do nas kroz velom vekova, su Juafre Rudel, Bernard de Ventadorn, Bertrand de Born, Rambout de Vaqueiras i drugi.
Poezija trubadura imala je direktan uticaj na formiranje stvaralaštva truvera, koje je bilo demokratskije, jer je većina truvera dolazila od gradskih stanovnika. Neki trouvères stvarali su radove po narudžbi. Najpoznatiji od njih bio je Adam de la Hale, rodom iz Arrasa, francuski pesnik, kompozitor, dramaturg II polovina XIII veka.
Umjetnost trubadura i truvera proširila se širom Evrope. Pod njegovim uticajem, u Nemačkoj vek kasnije (13. vek) razvija se tradicija škole Minesinger, čiji su predstavnici, nadareni muzičari i kompozitori, uglavnom služili na dvorovima.
14. vijek se može smatrati svojevrsnim prijelazom u renesansu. Ovaj period u odnosu na Francuska muzika Uobičajeno je da se "Ars Nova" ("Nova umjetnost") označava prema nazivu naučnog djela koje je oko 1320. godine stvorio pariski teoretičar i kompozitor Philippe de Vitry.
Treba napomenuti da se u ovom trenutku u umjetnosti zapravo pojavljuju fundamentalno novi elementi: na primjer, postoji afirmacija (uključujući i na teorijskoj razini) novih principa ritmičke podjele i glasa, novih modalnih sistema (posebno, alteracija i tonske gravitacije). - tj. "oštrice" i "ravne"), novi žanrovi, pristup novi nivo profesionalna vještina.
Među najveće muzičare 14. veka, pored Filipa de Vitrija, koji je stvarao motete na osnovu sopstvenih tekstova, mora se ubrojati i Guillaume de Machaut, koji je rođen u gradu Machaut, u Šampanji, oko 1300. godine.
Guillaume de Machaut svojevremeno je služio na dvoru Jovanke od Navare, supruge Filipa Lepog, kasnije je postao lični sekretar češkog kralja Jovana od Luksemburga, a na kraju svog života bio je na dvoru Karla V. Francuska. Njegovi savremenici su poštovali njegov izuzetan muzički talenat, zahvaljujući kojem je bio ne samo sjajan izvođač, već i odličan kompozitor, koji je iza sebe ostavio ogroman broj dela: svoje motete, balade, rondoe, kanone i druge pesme (pesme i ples) obrasci su stigli do nas.
Muziku Guillaumea de Machauta odlikuje istančana ekspresivnost, gracioznost i, prema istraživačima, eksponent je duha ere Ars Nova. Glavna zasluga kompozitora je što je napisao prvu misu u istoriji povodom stupanja na tron Karla V.
Iz knjige Pariz [vodič] autor autor nepoznatKupke u Clunyju i Muzej srednjeg vijeka Ruševine i srednjovjekovni zid na raskrsnici bulevara Saint-Germain i Saint-Michel - nekadašnja rezidencija opata najmoćnijeg burgundskog samostana Cluny, podignuta na mjestu Galo-rimska kupatila (javna kupatila) u 2. veku nove ere. e. IN
Iz knjige Paris. Vodič od Eckerlin PeterTragovi srednjeg vijeka Duž uske ulice Rue du Pr?v?t možete se naći na jednom od najmirnijih mjesta u užurbanom Maraisu. Na kraju Rue Figuier nalazi se Hotel de Sens (69), jedna od posljednjih sačuvanih srednjovjekovnih palača. Palata je sagrađena oko 1500. godine za nadbiskupa Sensa, do
Iz knjige Stockholm. Vodič autor Kremer BirgitOstrvo Helgeandsholmen i Muzej srednjeg veka Ako sada krenete na sever od dvorca, onda ćete, prelazeći most Stallbron, naći na Helgeandsholmenu (8), odnosno ostrvu Svetog Duha, na kome se uzdižu moćne građevine kraljevske banke i
Iz knjige Srednjovjekovna Francuska autor Polo de Beaulieu Marie-Anne Iz knjige Sve o Rimu autor Horoševski Andrej Jurijevič Iz knjige Sve o Parizu autor Beločkina Julija Vadimovna Iz knjige Istražujem svijet. Great Journeys autor Markin Vjačeslav Aleksejevič Iz knjige Enciklopedija simbolizma: slikarstvo, grafika i skulptura od Cassou Jean KRim u srednjem vijeku „Dragi Rimljani, vi ste ugledni patriciji, i vi koji ste sudbinski predodređeni da se zovete plebs! Imamo čast da vas obavestimo da je došlo do velikih promena u vašem životu. Vremena Carstva su prošla, antika je prošlost! Ahead
Iz knjige Kada možete aplaudirati? Vodič za ljubitelje klasične muzike od Hope DanielPariz u ranom srednjem vijeku Jedan od najvažnijih mehanizama kulturnog kontinuiteta Rimskog carstva bila je crkva, koja je zadržala istu organizaciju, upravljanje, latinski jezik komunikacije, kao i veze sa Rimom. Klodvig je bio osnivač franačkog kraljevstva.
Iz knjige 200 poznatih trovanja autor Antsyshkin IgorTokom srednjeg veka, milenijum bez otkrića Geografija na arapskom Proboj na zapad iz Kine Italijani u Zlatnoj hordi Putovanje braće Polo Povratak na istok „Romansa o velikom kanu“ Mornari iz fjordova Ledena zemlja i Zelena zemlja Pet vekova pre
Iz knjige Popularna istorija muzike autor Gorbačova Ekaterina GennadijevnaSimbolistička muzika: Simbolistička muzika? “Vagnerov incident” Ako je teško bez dokaza prihvatiti činjenicu postojanja simbolističke muzike, nemoguće je poreći da su neki kompozitori izazivali posebno divljenje kod predstavnika književnog simbolizma. Najveći
Iz knjige Kućni muzej autor Parch SusannaNOVA MUZIKA JE DRUGAČIJA MUZIKA Sumnjao sam da ova trojica znaju moj repertoar ili da im imena kao što su Adès, Turnage, Takemitsu, Kurtag, Lindberg ili Müller-Wieland nešto znače. Ali ipak sam ih naveo, kompozitore 20. i 21. veka koji pišu modernu muziku. On
Iz autorove knjigeOD SREDNJEG VIJEKA DO DANAS “Apotekar: Sipajte ovaj prah u bilo koju tekućinu i popijte sve. Ako imaš više snage od dvadeset ljudi, umrijet ćeš istog trena.” V. Shakespeare. "Romeo i julija". OSNIVANJE POLJSKE I KALIŠ OTROVA Legendarni poljski kralj iz 8. vijeka Leszek ostavio je nakon
Iz autorove knjigeOD SREDNJEG VIJEKA DO DANAS Balezin S. Na velikim afričkim jezerima. – M.: Nauka, 1989. -208 str. Bogdanov A. Poniznost prema Joakimu // Nauka i religija. -1995. – br. 7. Velika sovjetska enciklopedija: T. 40. – M.: Gosnaučizdat, 1955. – 760 str. – M.: Internacional.
Iz autorove knjigeMuzička kultura antike, srednjeg veka i renesansna muzika antike Najranijim istorijskim stadijem u razvoju evropske muzičke kulture smatra se antička muzika, čije tradicije potiču iz starijih kultura Bliskog istoka.
Srednji vijek je najduža kulturna era u istoriji Zapadne Evrope. Obuhvata devet vekova - od 6. do 14. veka. To je vrijeme dominacije Katoličke crkve, koja je od prvih koraka bila pokrovitelj umjetnosti. Crkvena riječ (molitva) u različitim zemljama Evrope iu različitim društvenim slojevima bila je neraskidivo povezana s muzikom: zvučali su psalmi, himne, korali - koncentrisane, odvojene melodije, daleko od svakodnevne vreve.
Takođe, po nalogu crkve, podignuti su veličanstveni hramovi, ukrašeni skulpturama i šarenim vitražima; Zahvaljujući pokroviteljstvu crkve, arhitekti i umjetnici, kipari i pjevači posvetili su se svojoj nepodijeljeno voljenoj umjetnosti, odnosno Katolička crkva ih je finansijski podržavala. Dakle, najviše Značajan dio umjetnost općenito, a muzika posebno, bila je pod jurisdikcijom katoličke vjeroispovijesti.
Crkveno pjevanje u svim zemljama zapadne Evrope zvučalo je na strogom latinskom, a da bi još više učvrstio jedinstvo i zajednicu katoličkog svijeta, papa Grgur I, koji je stupio na prijesto početkom 4. stoljeća, sabrao je sve crkvene pjesme i propisano za izvođenje svakog od njih određenog dana crkveni kalendar. Melodije koje je papa sakupio nazivale su se gregorijanskim napjevom, a tradicija pjevanja koja se temelji na njima naziva se gregorijanskim pjevanjem.
U melodijskom smislu, gregorijanski koral je orijentisan na oktoih, sistem od osam modova. Bio je to modus koji je često ostajao jedini pokazatelj kako treba izvoditi koral. Svi modovi su činili oktavu i bili su modifikacija drevnog sistema trikorda. Ladovi su imali samo numeraciju, pojmove „dorijanski“, „lidijski“ itd. bili isključeni. Svaki prag je predstavljao vezu dva tetrakorda.
Gregorijanski korali su idealno odgovarali njihovoj molitvenoj svrsi: ležerne melodije bile su sastavljene od neprimjetno prelivajućih motiva jedna u drugu, melodijska linija je bila ograničena u tesituri, razmaci između zvukova su bili mali, ritmički obrazac je također bio uglađen, korali su građeni na osnovu dijatonska ljestvica. Gregorijanske napjeve pjevao je jednoglasni muški hor i podučavao se takvom pjevanju prvenstveno u usmenoj tradiciji. Pisani izvori gregorijanizma su primjer nenumeričke notacije (posebni simboli postavljeni iznad latinskog teksta), međutim, ova vrsta notnog zapisa označavala je samo približnu visinu zvuka, opći smjer melodijske linije i nije doticala ritmičku stranu i stoga se smatralo teškim za čitanje. Pjevači koji su izvodili crkvene korale nisu uvijek bili obrazovani i učili su svoj zanat usmeno.
Gregorijanski koral postao je simbol ogromne ere, koja je u njemu odrazila svoje razumijevanje života i svijeta. Značenje i sadržaj korala odražavali su predstavu srednjovjekovnog čovjeka o suštini postojanja. U tom smislu, srednji vijek se često naziva „mladost evropska kultura“Kada su, nakon pada starog Rima 476. godine, plemena varvara, Gala i Germana napala Evropu i počela da obnavljaju svoje živote. Njihovo vjerovanje u kršćanske svece odlikovalo je bezumje, jednostavnost, a melodije gregorijanskih napjeva bile su zasnovane na istom principu prirodnosti. Izvjesna monotonija korala odražava predstavu srednjovjekovnog čovjeka o prostoru, koji je ograničen njegovim vidnim poljem. Također, ideja vremena bila je povezana s idejom ponavljanja i nepromjenjivosti.
Gregorijanski koral, kao dominantni muzički stil, konačno je uspostavljen širom Evrope do 9. veka. Istovremeno, došlo je i do muzičke umetnosti najveće otkriće, što je uticalo na čitavu njegovu kasniju istoriju: naučnik-monah, italijanski muzičar Gvido iz Areca (Aretinski) izmislio je notni zapis koji koristimo do danas. Od sada se gregorijanski koral mogao pjevati iz nota i ušao je u novu fazu svog razvoja.
Od 7. do 9. veka pojmovi „muzika“ i „gregorijanski koral“ postojali su neodvojivo. Proučavajući melodiju korala, srednjovjekovni muzičari i pjevači htjeli su ih ukrasiti, ali mijenjanje crkvenog pjevanja nije bilo dozvoljeno. Rešenje je pronađeno: iznad melodije korala, na jednakoj udaljenosti od svih njenih zvukova, dodat je drugi glas, koji je tačno ponavljao melodijski obrazac korala. Činilo se da je melodija zgusnuta, udvostručena. Ove prve dvoglasne kompozicije nazvane su organums, jer se donji glas u kojem je koral zvučao zvao vox principalis (glavni glas), a gornji, dodani glas se zvao vox organalis (dodatni glas). Zvuk organuma izazvao je asocijacije na akustiku hrama: bio je bučan i dubok. Nadalje, tokom 11.-13. stoljeća dvoglasnost je prerasla u troglasno (triptum) i četveroglasno.
Ritmički oblici organuma su primjer modalnog ritma. Ima ih šest: jamb (l ¡), trohej (trohej) (¡ l), daktil (¡ . l¡), anapest (l¡¡ . ), spondee (¡ . ¡ . ), tritrahijum (l l l).
Osim toga crkvena umjetnost, razvojem evropskih gradova i ekonomija, u srednjem vijeku se rađa nova umjetnost. Jednostavni ljudi(građani, seljaci) često su u svojim naseljima viđali lutajuće glumce i muzičare koji su plesali i izvodili pozorišne predstave na različite teme: o anđelima i Blaženoj Djevici Mariji ili o đavolima i paklenim mukama. Ova nova svjetovna umjetnost nije bila po ukusu asketskih službenika crkve, koji su u neozbiljnim pjesmama i nastupima nalazili đavolje mahinacije.
Procvat srednjovekovnih gradova i feudalnih zamkova, interesovanje za sekularnu umetnost koje je obuhvatilo sve slojeve, dovelo je do pojave prve profesionalne škole svetovne poezije i muzike - škole trubadura, koja je nastala na jugu Francuske u 12. veku. . Slični njemački pjesnici i muzičari zvali su se minnesingers (meistersingers), a sjevernofrancuski su se zvali trouvères. Kao autori poezije, pesnici trubaduri su istovremeno delovali kao kompozitori i pevači.
Muzika trubadurskih pjesama izrasla je iz poezije i oponašala je svojom jednostavnošću, razigranošću i bezbrižnošću. O sadržaju takvih pjesama svi su raspravljali životne teme: ljubav i razdvojenost, početak proljeća i njegove radosti, veseo život lutajućih đaka, podvale Fortune i njen hirovito raspoloženje, itd. Ritam, jasna podjela na muzičke fraze, naglasak, periodičnost - sve je to bilo karakteristično za pesme trubadura.
Gregorijanski napev i trubadurski tekstovi su dva nezavisna pravca u srednjovekovnoj muzici, međutim, uz svu njihovu suprotnost, može se primetiti i zajedničke karakteristike: unutrašnja srodnost s riječju, sklonost ka glatkom, sjajnom prenošenju glasa.
Vrhunac rane polifonije (polifonije) bila je škola Notre Dame. Muzičari koji su joj pripadali radili su u Parizu u katedrali Notr Dam u 12.-13. veku. Uspjeli su stvoriti takve polifone strukture, zahvaljujući kojima je muzička umjetnost postala samostalnija, manje ovisila o izgovoru latinskog teksta. Muzika se više nije doživljavala kao svoj oslonac i ukras sada je bila namenjena posebno za slušanje, iako su se u crkvi i dalje izvodili organumi majstora ove škole. Na čelu škole Notre Dame bili su profesionalni kompozitori: u drugoj polovini 12. veka - Leonin, na prelazu iz 12. u 13. vek - njegov učenik Perotin.
Koncept „kompozitora“ u srednjem veku postojao je u pozadini muzičkih kultura, a sama reč je nastala od „komponovati“ – tj. kombinovati, stvoriti nešto novo od poznatih elemenata. Kompozitorska profesija javlja se tek u 12. veku (u djelima trubadura i majstora škole Notre Dame). Na primjer, pravila kompozicije koja je pronašao Leonin su jedinstvena jer je, počevši od dubokog proučavanja muzičkog materijala stvorenog prije njega, kompozitor naknadno uspio spojiti tradiciju strogog gregorijanskog pjevanja sa slobodnim normama trubadurske umjetnosti.
Već u Perotinovim organumima izmišljen je način produženja muzičke forme. Tako je muzičko tkivo podijeljeno na kratke motive izgrađene na principu sličnosti (svi predstavljaju prilično bliske verzije jedni drugima). Perotin prenosi te motive iz jednog glasa u drugi, stvarajući nešto poput motivskog lanca. Koristeći takve kombinacije i permutacije, Perotin je omogućio organumima da rastu u veličini. Zvuci gregorijanskog pjevanja, smješteni u glas cantus firmus, nalaze se na velikoj udaljenosti jedan od drugog - a to također doprinosi širenju muzičke forme. Tako je nastao novi žanr - MOTET; U pravilu se radi o troglasnoj kompoziciji koja je postala rasprostranjena u 13. stoljeću. Ljepota novog žanra bila je u istovremenom spoju različitih melodijskih linija, iako su one, zapravo, bile varijanta, duplikacija, odraz glavnog napjeva - cantus firmus. Takvi moteti su se zvali "naručeni".
Međutim, u javnosti su bili popularniji moteti, koji su, za razliku od moteta na cantus firmus, preuveličavali principe nesklada: neki od njih su čak komponovani na tekstove na različitim jezicima.
Srednjovjekovni moteti mogli su imati i duhovni i svetovni sadržaj: ljubav, satira itd.
Rana polifonija nije postojala samo kao vokalna umjetnost, već i kao instrumentalna. Za karnevale i praznike komponovana je plesna muzika, a trubadurske pesme su bile praćene i sviranjem na instrumentima. Popularne su bile i jedinstvene instrumentalne fantazije, slične motetima.
14. vijek u zapadnoevropskoj umjetnosti naziva se „jesen” srednjeg vijeka. U Italiju je već stigla nova era - renesansa; Dante, Petrarka, Giotto - veliki majstori rane renesanse - već su stvarali. Ostatak Evrope je sumirao rezultate srednjeg veka i osetio rađanje nove teme u umetnosti – teme individualnosti.
Ulazak srednjovjekovne muzike u novu eru obilježila je pojava traktata Philippea de Vitryja “Ars Nova” – “Nova umjetnost”. U njemu su naučnik i muzičar pokušali da ocrtaju novu sliku muzički lepog. Ime ove rasprave dalo je ime čitavom mjuziklu kultura XIV veka. Od sada, muzika je morala da napusti jednostavne i grube zvuke i teži mekoći i šarmu zvuka: umesto praznih, hladnih harmonija Ars antiqua, propisano je da se koriste pune i melodične harmonije.
Preporučeno je ostaviti monotoni ritam (modalni) u prošlosti i koristiti novootkrivenu menzuralnu (mjernu) notaciju, kada se kratki i dugi zvukovi međusobno odnose kao 1:3 ili 1:2. Postoji mnogo takvih trajanja - maxima, longa, brevis, semibrevis; svaki od njih ima svoj obris: duži zvukovi nisu zasjenjeni, kraći su prikazani crnom bojom.
Ritam je postao fleksibilniji, raznovrsniji i može se koristiti sinkopa. Ograničenje upotrebe modusa koji nisu dijatonski crkveni načini postalo je manje strogo: mogu se koristiti izmjene, pojačanja i smanjenja muzičkih tonova.
Srednji vek je veliko doba ljudske istorije, vreme dominacije feudalnog sistema.
Periodizacija kulture:
Rani srednji vek - V - X vijeka
Zreli srednji vek - XI – XIV vek
Godine 395. Rimsko Carstvo se podijelilo na dva dijela: Zapadno i Istočno. U zapadnom delu, na ruševinama Rima, u 5.-9. veku postojale su varvarske države: Ostrogoti, Vizigoti, Franci itd. U 9. veku, kao posledica propasti carstva Karla Velikog, nastale su tri države. formirana ovdje: Francuska, Njemačka, Italija. Glavni grad istočnog dijela bio je Konstantinopolj, koji je osnovao car Konstantin na mjestu grčke kolonije Vizantije - otuda i naziv države.
§ 1. Zapadnoevropski srednji vijek
Materijalna osnova srednjeg vijeka bili su feudalni odnosi. Srednjovjekovna kultura se formira u uslovima seosko imanje. U budućnosti, društvena osnova kulture postaje urbana sredina - građanstvo. Formiranjem država formiraju se glavne klase: sveštenstvo, plemstvo i narod.
Umjetnost srednjeg vijeka je usko povezana sa crkva . hrišćanska doktrina- osnova filozofije, etike, estetike, cjelokupnog duhovnog života ovoga vremena. Ispunjena religioznom simbolikom, umjetnost je usmjerena od zemaljskog, prolaznog - ka duhovnom, vječnom.
Zajedno sa zvanična crkva kultura (visoka) postojala sekularni kultura (osnovna) – folklor(niži društveni slojevi) i viteški(sudski).
Glavni fokusi profesionalni muzika ranog srednjeg veka - katedrale, škole pevanja pri njima, manastiri - jedini centri obrazovanja tog vremena. Učili su grčki i latinski, aritmetiku i muziku.
Glavni centar crkvene muzike u zapadnoj Evropi tokom srednjeg veka bio je Rim. Krajem 6. - početkom 7. vijeka. formira se glavni varijetet zapadnoevropske crkvene muzike - gregorijanski koral , nazvan po papi Grguru I, koji je izvršio reformu crkvenog pjevanja, skupljajući i usmjeravajući različite crkvene napjeve. gregorijanski koral - monophonic Katoličko pjevanje, koje je spojilo vjekovne pjevačke tradicije raznih bliskoistočnih i evropskih naroda (Siraca, Jevreja, Grka, Rimljana itd.). Bilo je to glatko monofono odvijanje jedne melodije koja je trebala personificirati jednu volju, usmjeravanje pažnje župljana u skladu s načelima katoličanstva. Karakter muzike je strog, bezličan. Koral je izveo hor (otuda i naziv), neke dionice solista. Dominira progresivni pokret zasnovan na dijatonskim modovima. Gregorijanski koral je dozvoljavao mnoge gradacije, u rasponu od veoma sporog horska psalmodija i kraj godišnjice(melizmatičko pjevanje sloga), koje zahtijeva virtuozno vokalno umijeće za izvođenje.
Gregorijanski pojanje udaljava slušaoca od stvarnosti, izaziva poniznost i vodi u kontemplaciju i mističnu odvojenost. Ovaj efekat je takođe olakšan tekstom na latinski jezik, nerazumljiva većini parohijana. Ritam pjevanja određivao je tekst. Nejasan je, neodređen, određen prirodom akcenata recitacije teksta.
Različite vrste gregorijanskog pjevanja okupljene su u glavnoj službi Katoličke crkve - masa, u kojem je uspostavljeno pet stabilnih dijelova:
Kyrie eleison(Gospodaru imaj milosti)
Gloria(slava)
Credo(Vjerujem)
Sanctus(sveto)
Agnus Dei(jagnje Božije).
Vremenom, elementi počinju da prodiru u gregorijanski koral narodna muzika kroz himne, sekvence i trope. Ako je psalmodije izvodio profesionalni hor pjevača i sveštenstva, onda su himne isprva izvodili parohijani. Bili su umetci u službeno bogosluženje (imali su odlike narodne muzike). Ali ubrzo su himnički dijelovi mise počeli zamjenjivati psalmodijske, što je dovelo do pojave polifonu masu.
Prve sekvence su bile podtekst za melodiju godišnjice kako bi jedan zvuk melodije imao zaseban slog. Slijed postaje široko rasprostranjen žanr (najpopularniji « Veni, sancte spiritus» , « Umire irae», « Stabat mater» ). “Dies irae” su koristili Berlioz, List, Čajkovski, Rahmanjinov (vrlo često kao simbol smrti).
Prvi primjeri polifonije potiču iz manastira - organum(kretanje u paralelnim kvintama ili četvrtinama), Gimel, Faubourdon(paralelni šesti akordi), kondukter. Kompozitori: Leonin i Perotin (12-13 vek - Katedrala Notr Dam).
Nosači sekularni narod muzika u srednjem veku bili su mimici, žongleri, ministranti u Francuskoj, stilettos– u zemljama nemačke kulture, hoglars - u Španiji, glupani - u Rusiji. Ovi putujući umjetnici bili su univerzalni majstori: kombinirali su pjevanje, ples, sviranje na raznim instrumentima s magijom, cirkuskom umjetnošću i pozorištem lutaka.
Druga strana sekularne kulture bio viteške (dvorske) kulture (kultura sekularnih feudalaca). Gotovo svi plemeniti ljudi bili su vitezovi - od siromašnih ratnika do kraljeva. Formira se poseban viteški kodeks, prema kojem je vitez, uz hrabrost i hrabrost, morao imati istančane manire, biti obrazovan, velikodušan, velikodušan i vjerno služiti. Za prelijepu damu. Svi aspekti viteškog života ogledaju se u muzičkoj i poetskoj umjetnosti trubaduri(Provansa - južna Francuska) , trouvères(sjeverna Francuska), Minnesingers(Njemačka). Umjetnost trubadura vezuje se prvenstveno za ljubavnu liriku. Većina popularni žanr bilo je ljubavnih tekstova canzone(Minesingeri imaju albume “Jutarnje pjesme”).
Trouvères je, uveliko koristeći iskustvo trubadura, stvorio vlastite originalne žanrove: “ tkanje pesama», « majske pesme" Važno područje muzičkih žanrova trubadura, truvera i minezingera bili su žanrovi pjesme i plesa: rondo, balada, virele(refrenski oblici), kao i herojski ep(francuski ep “Pesma o Rolandu”, nemački – “Pesma o Nibelunzima”). Među Minnesingerima je to bilo uobičajeno pesme krstaša.
Karakteristične odlike umjetnosti trubadura, truvera i minezingera:
Monophony- posljedica je neraskidive povezanosti melodije sa poetskim tekstom, što proizilazi iz same suštine muzičke i poetske umjetnosti. Monofonija je odgovarala i usmjerenosti na individualizirano izražavanje vlastitih iskustava, na ličnu procjenu sadržaja iskaza (često je izraz ličnih iskustava bio uokviren prikazom slika prirode).
Uglavnom vokalne izvedbe. Uloga instrumenata nije bila značajna: svodila se na izvođenje uvoda, interludija i postludija koji uokviruju vokalnu melodiju.
O viteškoj umjetnosti se još ne može govoriti kao o profesionalnoj, ali po prvi put u ovim uslovima sekularni muziciranja, stvoren je snažan muzičko-poetski pravac sa razvijenim kompleksom izražajnih sredstava i relativno savršenim muzičkim pisanjem.
Jedno od važnih dostignuća zreli srednji vek, počevši od X-XI vijeka, postojao je urbani razvoj(građanska kultura) . Glavne karakteristike urbane kulture bile su anticrkvena, slobodoljubiva orijentacija, povezanost sa folklorom, te njegov smijeh i karnevalski karakter. Razvio se gotički arhitektonski stil. Formiraju se novi polifoni žanrovi: od 13.-14. do 16. vijeka. - motet(od francuskog - "riječ". Motet je tipično karakteriziran melodijskom različitošću glasova koji su istovremeno intonirali različite tekstove - često čak i na različitim jezicima), madrigal(od italijanskog - „pjesma dalje maternji jezik“, tj. talijanski. Tekstovi su s ljubavlju lirski, pastoralni) kachcha(od italijanskog – “lov” - vokalni komad zasnovan na tekstu koji prikazuje lov).
Putujući narodni muzičari prelaze iz nomadskog načina života u sjedilački, naseljavaju čitave gradske blokove i formiraju jedinstvene „muzičarske cehove“. Počevši od 12. veka, pridružuju se narodni muzičari vagante i golijade- deklasirani ljudi iz različitih klasa (školci, odbjegli monasi, lutajući sveštenici). Za razliku od nepismenih žonglera - tipičnih predstavnika umjetnosti usmene tradicije - skitnice i golijari su bili pismeni: poznavali su latinski jezik i pravila klasične versifikacije, komponovali su muziku - pjesme (opseg slika je povezan sa školskom naukom i studentskim životom) i čak i složene kompozicije kao što su provodljivosti i moteti .
Postao je značajan centar muzičke kulture univerziteti. Muzika, tačnije muzička akustika, zajedno sa astronomijom, matematikom i fizikom, bila je uključena u kvadrijum, tj. ciklus od četiri discipline koje se izučavaju na univerzitetima.
Tako su u srednjovekovnom gradu postojali centri muzičke kulture različite prirode i društvene orijentacije: udruženja narodnih svirača, dvorska muzika, muzika manastira i katedrala, univerzitetska muzička praksa.
Muzička teorija srednjeg vijeka bio usko povezan sa teologijom. U nekoliko muzičko-teorijskih rasprava koje su došle do nas, na muziku se gledalo kao na „služavku crkve“. Među istaknutim raspravama ranog srednjeg veka izdvaja se 6 knjiga „O muzici” od Avgustina, 5 knjiga Boetija „O osnivanju muzike” itd. Veliko mesto u ovim raspravama dato je apstraktnim skolastičkim pitanjima doktrina kosmičke uloge muzike itd.
Srednjovjekovni sistem modusa razvili su predstavnici crkvene profesionalne muzičke umjetnosti - zato je srednjovjekovnim modusima dodijeljen naziv "crkveni modusi". Jonski i Eolski modusi postali su glavni modusi.
Muzička teorija srednjeg vijeka iznijela je doktrinu o heksakordima. U svakom modusu u praksi je korišteno 6 koraka (na primjer: do, re, mi, fa, sol, la). Si je tada izbjegnut jer zajedno sa F, formirao je prelazak na povećani kvart, koji se smatrao veoma disonantnim i figurativno je nazvan „đavo u muzici“.
Neuzajamno snimanje je bilo široko korišćeno. Guido Aretinsky poboljšao sistem notnog zapisa. Suština njegove reforme bila je sljedeća: prisustvo četiri reda, treći omjer između pojedinih redova, ključni znak (izvorno abecedni) ili bojanje linija. Također je uveo slogovne note za prvih šest stupnjeva modusa: ut, re, mi, fa, sol, la.
Uvedeno menzuralna notacija, gdje je svakoj noti dodijeljen određeni ritmički takt (lat. mensura - mjera, mjera). Naziv trajanja: maxima, longa, brevis, itd.
XIV stoljeće - prelazni period između srednjeg vijeka i renesanse. Umetnost Francuske i Italije 14. veka zvala se " Ars nova(od latinskog – nova umjetnost), a u Italiji je imao sva svojstva rane renesanse. Glavne karakteristike: odbijanje korišćenja isključivo žanrova crkvene muzike i okretanje ka sekularnim vokalno-instrumentalnim kamernim žanrovima (balada, caccia, madrigal), približavanje svakodnevnoj pesmi, upotreba raznih muzičkih instrumenata. Ars nova je suprotnost tzv. ars antiqua (lat. ars antiqua - stara umjetnost), što znači muzička umjetnost prije početka 14. vijeka. Najveći predstavnici ars nova bili su Guillaume de Machaut (14. vek, Francuska) i Francesco Landino (14. vek, Italija).
Dakle, muzička kultura srednjeg veka, uprkos relativnoj ograničenosti sredstava, predstavlja viši nivo u odnosu na muziku antičkog sveta i sadrži preduslove za veličanstven procvat muzičke umetnosti u renesansi.