Sadržaj članka
TATE GALLERY(Galerija Tate) je državni nacionalni muzej u Londonu koji čuva preko šezdeset hiljada umjetničkih djela: slike, skulpture, crteži, gravure. Podijeljen je na dva dijela: Tate Britain ili stara Tate Gallery, koja je zbirka engleskog slikarstva od 16. do 19. stoljeća. i strane umetnosti 19. veka, i Tate Modern - evropska i američka umetnost od 1900. do danas.
Osnova kolekcije galerije Tate je privatna kolekcija slika engleskih umjetnika Sir Henry Tatea (1819–1899). Galerija je otvorena 21. jula 1897. godine.
Tokom Drugog svetskog rata zgrada galerije je teško oštećena usled vazdušnih napada. Zbirka je unaprijed evakuisana. Muzej je u potpunosti otvoren za posjetioce 1949. godine.
Galerija je dovršena nekoliko puta. Godine 1926. u novoj zgradi nalazila se zbirka stranih slika. 1979. – otvaranje prostorija za zbirku savremena umetnost. 1987. - otvaranje Galerije Clore, posebno izgrađene za djela Turnera (1775–1851), koji je svoje slike zavještao Engleskoj pod uslovom da sve budu sačuvane kao jedna izložba. Sir Charles Clore (1904–1979) obezbijedio je sredstva za izgradnju galerije.
Moderna galerija Tate otvorena je u maju 2000. godine. Zgrada je pretvorena iz elektrane podignute 1930-ih u centru grada, preko puta Katedrale Svetog Ivana. Paul. Saving izgled elektrane, arhitekti su u potpunosti promijenili unutrašnjost zgrade i dodali krov od stakla i čelika.
Moderna galerija Tate odmaknula se od tradicionalnog rasporeda radova hronološkim redom. Zbirka se sastoji od četiri velike cjeline: “Mrtva priroda, predmet, stvarni život”, “Pejzaž i okruženje”, “Istorijsko slikarstvo”, “Akt, akcija, tijelo”. Povezuju se autori izložbe raznim pravcima: djela starih majstora sa modernim, slikarstvo i skulptura sa fotografijama i video zapisima. U galeriji se održavaju brojne privremene izložbe savremeni umetnici.
MUZEJSKA ZBIRKA
englesko slikarstvo.
U holovima stare galerije Tate možete dobiti potpunu sliku o tome šta je englesko slikarstvo, koje su glavne faze i pravci umetnički život u zemlji.
Najraniji rad narodne škole je Portret muškarca u crnom šeširu(1545.) John Betts (um. oko 1576.), sljedbenik umjetnika sjeverne renesanse Hansa Holbeina Mlađeg (oko 1498.–1543.).
William Hogarth (1697–1764): Prosjačka opera (1729), Autoportret sa psom (1745), Svadbena lopta(oko 1745.), Portret sluge(1750-e), O rostbif stare Engleske(Kapija od Calaisa) (1748), brojni portreti.
Džošua Rejnolds (1723-1792): Tri gracije ukrašavaju herm himena (1774), Portret admirala Kepela (1780), Portret dr. Samuela Johnsona(1772), dva autoportreta, dečiji portreti.
Thomas Gainsborough (1727–1788): Pogled na Dedham(oko 1760.), Zalazak sunca. Konji nacrtani u kolicima, pijuci vodu iz potoka(oko 1760.), Sir Benjamin Truman (1774), Umjetnikova kćerka Marija (1777), Giovanna Baccelli (1782).
Richard Wilson (1713–1782): Temza u blizini Twickennma (1762).
George Stubbs (1724–1806): Konji u prirodi (1762–1768), Žetva sijena (1785), Žetelice (1785).
U potpunosti je prikazan rad Williama Blakea (1757–1827), koji je ilustrovao svoja djela, kao i Shakespearea, Dantea i Bibliju u akvarelima i gravurama: Bog stvara Adama, Newton, Abelova smrt, Dobri i zli anđeli, Šteta (1795–1804).
Joseph Mallord William Turner (1775–1851): Ribari na moru (1796), Temza Walton Bridge(oko 1807.), Brodolom(oko 1805.), Mrazno jutro. Zora (1813), Prelazak potoka (1815), Sahrana na moru(1842). Platna sa pogledom na Veneciju: Most uzdaha, Duždeva palata i Carina, Venecija: Canaletto na štafelaju(1833) itd. Impresionistički pejzaži umjetnika: Enterijer u Petworthu(c.1837), Dvorac Norham. Izlazak sunca(oko 1840). Blizzard. Parobrod na ulazu u luku daje signal za pomoć nakon ulaska u plitku vodu(1842) – savršen prikaz oluje na moru. Galerija prikazuje stotine skica i jedini Auto portret Turner (1798).
John Constable (1776–1837): Malvern Hall (1809), Flatford Mill (1817), Hamstead Heath(c.1820), Hadley Castle(oko 1828–1829), Otvaranje mosta Waterloo (1832).
Prerafaeliti Dante Gabriel Rossetti (1828–1882): Beata Beatrix(oko 1863.), Proserpina(1874.); John Everett Millais (1829–1896): Ofelija(oko 1850.); William Holman Hunt (1827–1910): Claudis i Isabella (1850).
Zbirka strane umetnosti
počela je da se oblikuje 1917. Ovaj deo hronološki počinje sa slikarstvom francuskih impresionista i postimpresionista i ima veliku kolekciju majstora ovih pokreta.
Klod Mone (1840–1926): Dama sjedi na klupi(sredina 1870-ih), Seine u blizini Port-Villeusea (1894), Topole na Epteu (1890).
Camille Pissarro (1830–1903): Mala sobarica (1882), Auto portret (1903), Piloti Jatt. Le Havre Oblačno jutro (1903).
Alfred Sisley (1839–1899): Most na Sevru(oko 1877.), Put pored rijeke. Proljeće(1880) itd.
Skulpture Augusta Renoira (1841–1919) Venera Osvajač(1914) i Edgar Degas Četrnaestogodišnja plesačica (1880).
Georges Seurat (1859–1891): Le Bec do Hock (1885).
Paul Cézanne (1839–1906): Aleja u Jas de Boufanu(oko 1874.), Portret vrtlara(1906); Paul Gauguin (1848–1903): Priprema za praznik ili Tahitian pastoral (1898), Žetva. Le Pouldu (1890).
Vincent Van Gogh (1853-1890): Stolica sa lulom za duvan (1888), Gauguinova fotelja pri noćnom osvjetljenju (1888).
Henri de Toulouse-Lautrec (1864–1901): Portret umjetnika Emila Bernard(1885), Dva prijatelja(1890-e).
Skulpture majstora s prijelaza 19. u 20. vijek. Auguste Rodin (1840–1917): Poljubac (1901–1904), Muse(1896) i Aristid Majol (1861–1944): Ograničeno kretanje (1906), Tri nimfe (1930–1938).
Henri Matisse (1869–1954): Portret Andre Deraina (1905), Stojeći gol (1907), Puž(1953) – velika aplikacija u boji, kao i serija od četiri bronzana reljefa – Nude with leđa (1909-1930).
Edvard Munch (1863–1944): Bolesna devojka(1907); Oskar Kokoschka (1886-1980): Pogled na Temzu (1959).
Amedeo Modigliani (1884–1920): Mali seljak(1917), skulptura Glava(oko 1913).
Pablo Picasso (1881–1973): Žena u košulji(oko 1905.) – odnosi se na „plavi“ period; Seated nude(1909) - primjer kubizma; Tri plesačice(1925) napisane su u nadrealnom duhu. Izložena skulptura: Mrtva priroda (1914), Veliki kurac (1932).
Zgrada muzeja
Poštovani čitaoče, verovatno ni ne slutite da kada popijete šoljicu čaja ili kafe sa grudom šećera, dodirujete... istoriju nastanka Tejt galerije! Pitate kako? A evo kako! Galerija je dobila ime po Henryju Taitu (1819–1899), njenom osnivaču. Nije uobičajeno da se pitamo (osim „nadležnih”) odakle ovom ili onom oligarhu svoj ogromni kapital i, prije svega, taj tajanstveni „početni kapital“. U Evropi je takvo pitanje moguće, i što je najvažnije, odgovor na njega. Henri Tejt, sin sveštenika, ušao je u posao sa šećerom 1860-ih i osnovao veoma profitabilan posao kockanja i pakovanja. Preduzetnik se obogatio i postao filantrop: ulagao je u bolnice, biblioteke, fakultete i konačno osnovao umjetničku galeriju.
Unutrašnjost muzeja
U sali muzeja
Tejt je slikao uglavnom sa godišnjih izložbi Kraljevske akademije umetnosti. Zanimala su ga djela savremenih umjetnika, s mnogima je industrijalac bio lično upoznat i finansijski ih podržavao. Ne samo da je sakupio veliku zbirku slika engleskih majstora, već je za nju sagradio i zgradu o svom trošku. Može se reći da je Tejt za britansku umetnost bio ono što je Tretjakov bio za rusku umetnost.
Galerija Tate je državni muzej u Londonu. Ovo je najveća svjetska zbirka engleskog slikarstva, koja se sastoji od tri velika odjeljka: engleska umjetnost od 1550. do danas; zbirka djela Williama Turnera; umetnost 20. veka. Opšti umetnički fond muzeja bio je raspoređen na nekoliko „ćerki“ galerija: Tate Britain, Clore Gallery i Tate Modern.
Galerija Tate Britain
Zbirka galerije Tate nije mogla biti ograničena na radove samo onih umjetnika koje je sam poduzetnik preferirao. Vremenom je zbirka dopunjena slikama starih engleskih majstora.
U nacionalnom slikarstvu 16.–17. vijeka dominira svečani portret. Najranije djelo ovog žanra, Čovjek s crnim šeširom (1545.) Johna Bettsa, koje se nalazi u muzeju, nosi otisak utjecaja Hansa Holbeina Mlađeg i istovremeno pruža uvid u englesku renesansnu umjetnost.
Sledeći, 18. vek obuhvata dela velikih majstora - Vilijama Hogarta, Džošue Rejnoldsa, Tomasa Gejnsboroa, Džordža Stabsa.
Umjetnost 19. stoljeća u Galeriji je predstavljena još potpunije. Pored djela Prerafaelita i Williama Turnera, o kojima će biti riječi u nastavku, ovdje se čuvaju i djela Williama Blakea i Johna Constablea. Pažnje su vrijedni i pejzaži drugih autora.
Godine i decenije donijele su promjene u distribuciji slikovnog blaga među britanskim muzejima. Nekoliko impresionističkih slika, koje su se u početku nalazile u galeriji Tate, prebačene su u Nacionalnu galeriju u Londonu. Ipak, muzej ima veoma impresivnu kolekciju slika majstora ovog pokreta, kao i dela gotovo svih koji su stajali na početku moderne umetnosti: Pjera Ogista Renoara, Kamila Pisara, Alfreda Sislija, Edgara Dega, Henrija de Tuluza- Lautrec i drugi.
Tate Modern Gallery
Galerija Clore
U galeriji Clore izložena je najkompletnija kolekcija radova jednog od najtalentovanijih i najpoznatijih britanskih umjetnika, Williama Turnera, koja je zavještana državi. Zaostavština je predata 1856. godine, pet godina nakon njegove smrti: oko 300 slika i 30.000 crteža i skica, kao i sveske Turner i djela koja se smatraju nedovršenim, niz djela drugih autora. Devet slika iz ove kolekcije završilo je u Nacionalnoj galeriji u Londonu i prikazuju naslijeđe velikog engleskog majstora u kontekstu svjetske umjetnosti. Isti komad koji je činio Tejtovo blago trenutno je izložen u namenskoj galeriji Clore, otvorenoj 1987.
Tate Modern
Moderna galerija Tate kao dio galerije Tate najveća je nacionalna zbirka svjetske savremene umjetnosti, uključujući englesku. Nastao je 2000. godine, njegovo otvaranje je bilo tempirano za proslavu nastupa trećeg milenijuma. Monumentalna zgrada bivše elektrane u centru Londona, na suprotnoj obali Temze od Katedrale Svetog Pavla, rekonstruisana je za muzej. Uz održavanje eksterijera, arhitekti su potpuno izmijenili unutrašnjost zgrade i dodali krov od stakla i čelika.
Izložba je smještena u četiri krila zgrade. Tri su namijenjena glavnim umjetničkim pokretima 20. stoljeća: nadrealizmu, minimalizmu, apstraktnoj umjetnosti, a četvrta je blisko povezanom kubizmu i futurizmu. Radovi mnogih bliskih grupisani su oko navedenih glavnih trendova.
Karakteristike galerije značajan posao Pablo Picasso i Henri Matisse. U njemu se nalazi jedna od najboljih kolekcija nadrealizma na svijetu, uključujući slike Salvadora Dalija, Maksa Ernsta, Renea Magrittea i Joan Miro, djela američke apstraktne umjetnosti i pop arta.
Galerija Tate nije samo muzejska zbirka, već i centar kulturnog života. Ovdje možete zadovoljiti sva vaša umjetnička interesovanja. Bogata i dobro organizovana infrastruktura Galerije pruža posetiocu brojne mogućnosti da istražuje umetnost na različitim nivoima znanja i uključenosti u nju. Ovo je i divno mjesto za opuštanje, gdje je lijepo sjesti u kafić nakon šetnje izložbenim halama, poslušati koncert djela kompozitora iz različitih epoha ili odabrati zabavu po svom ukusu i godinama.
Umetnost 17-18 veka
Johann Zoffany. Mrs Woodhull. Oko 1770
Britanska škola. Dame iz porodice Holmondeley. 1600–1610
Ova slika nepoznatog engleskog majstora 17. vijeka je po svojoj ideji izuzetno zanimljiva iu pravom smislu jedinstvena. Makar samo zato što ilustruje jedan apsolutno fantastičan slučaj, o čemu govori donji natpis s lijeve strane: “Dvije dame iz porodice u Holmondeleyju, rođene istog dana, udale se istog dana i rodile istog dana.”
Zamišljajući mentalitet srednjovjekovnog Engleza, možemo biti sigurni da se, iako se ova koincidencija čini nevjerovatnom, dogodila i nije bila plod umjetnikove mašte. Očigledno, u određenoj mjeri jesu umjetničko oličenje slike dama čija imena nisu pouzdana. Ovo je, moglo bi se reći, svečani portret sestara sa svojom djecom. Poput porodilja, prikazane su u krevetu, a njihovi mališani su umotani u grimizno platno. Umjetnik je živio u Cheshireu, nedaleko od kojeg se nalazi imenovano imanje. Heroine su mogle biti stanovnice dvorca Holmodel, koji i danas postoji.
Na prvi pogled se čini da žene nose iste haljine, veoma su slične, baš kao i njihove bebe. Ali tu se pokazala nevjerovatna umjetnost umjetnika. On je unio najsuptilniju raznolikost u doslovno sve podjednako važne detalje ovog dvostrukog (čak, moglo bi se reći, četverostrukog) portreta. Vrijedi uporediti čipke haljina, ogrlica itd. Štaviše, težak zadatak je bio spriječiti gledatelja (s obzirom na očiglednu sličnost statusa sestara) da stekne utisak veće ili manje privlačnosti jedne ili druge. Vjerovatno sada niko neće moći dokazati da je jedno od njih dvoje ljepše.
Estetski, slika je izuzetno zanimljiva: pokazuje zadivljujuću raznolikost unutar određenog jedinstva. Potpuna analogija ovom fenomenu u engleskom slikarstvu je prva objavljena zbirka nacionalne djevičanske muzike – “Parthenia”, objavljena u isto vrijeme, 1611. I tu i tamo umjetnički metod se zasniva na principu varijacije. Lako je zamisliti još jedan primjer ove raznolikosti sadržane u identitetu: dvije dame, sjedeći za dva podjednako slična instrumenta, svirat će komad Gilisa Farnabyja "For Two Virginels", u kojem su oba dijela jednaka...
William Hogarth (1697–1764). Umjetnik i njegov mops. 1745
William Hogarth je veliki engleski umjetnik, graver i teoretičar umjetnosti.
“Službeni” naslov djela nije sasvim tačan, ispravan je “Autoportret umjetnika sa svojim mopsom”. Ova slika unutar slike nastavlja baroknu tradiciju ovakvih autoportreta. U prvom planu su objekti koji identificiraju model kao umjetnika (paleta) i književnika obrazovana osoba(knjige na čijim bodljama piše “Shakespeare”, “Swift”, “Milton”). I to je istina; kasnije, 1753. godine, Hogarthov vlastiti traktat "Analiza ljepote" će biti objavljen, ali njegove ideje se već ogledaju u ovom autoportretu. Pogledajmo pobliže paletu: ona prikazuje zakrivljenu liniju i dato je objašnjenje: "Linija ljepote i gracioznosti." Ova ideja će postati glavna u raspravi: "linija ljepote", prema Hogarthovim učenjima, je linija u obliku slova S, koja je granica dvaju prostora koji su najskladnije spojeni jedan s drugim. Potrebna je velika vještina da se nacrta na najsavršeniji način. Nakon što je to izveo, Hogarth se uporedio sa starogrčkim umjetnikom Apellesom - personifikacijom savršenstva u slikarskoj umjetnosti, koji je povukao tako finu i savršenu liniju da je niko nije mogao ponoviti. Ali ako je Apelles, prema legendi, imao ravnu liniju, onda je Hogarth uzeo zakrivljenu kao standard. U predgovoru raspravi, umjetnik je priznao da "ni jedan egipatski hijeroglif nije okupirao umove tako dugo" kao ovaj red. „Slikori i vajari su dolazili kod mene da saznaju značenje ovih riječi, nisu bili ništa manje zbunjeni njima nego bilo ko drugi dok nisu dobili objašnjenje.“
Drugi važan lik na slici je autorov omiljeni pas, mops Tramp. Ako pažljivo pogledate oboje prikazane, onda, kao što se često događa, možete pronaći neke sličnosti u njihovom izgledu. U ovom slučaju, pas služi kao oličenje neprijateljskog karaktera vlasnika.
William Hogarth (1697–1764). Šest glava Hogarthovih slugu. 1750–1755
William Hogarth imao je negativan stav prema stereotipnim sekularnim ceremonijalnim portretima koje su njegovi suvremenici stvarali u izobilju. Obično je pisao rodbini i bliskim ljudima. Grupni portret slugu jedan je od takvih radova. Izvanredan je ne samo sa estetske tačke gledišta kao delo velikog majstora, već i sa društvene tačke gledišta – prenosi ljudsko dostojanstvo ljudi koji zauzimaju niske nivoe u društvenoj hijerarhiji, ali istovremeno poseduju nesumnjivo duhovnog plemstva.
Ovaj neobični grupni portret prvobitno je visio u Hogarthovom studiju. Umjetnikovi pokrovitelji i kupci mogli su to vidjeti. Rad je poslužio kao dokaz nenadmašne autorove vještine u prenošenju individualnih karakteristika modela. Nije naručena, slikar ju je stvorio za svoje zadovoljstvo, a možda i za svoje sluge.
Slika se sastoji od nekoliko nepovezanih glava. Jedinstvo kompozicije umjetnik je postigao uz pomoć njihovog simetričnog rasporeda i ujednačenog osvjetljenja iz izvora koji se nalazi izvan slike, u gornjem lijevom uglu. Hogarthova ideja da slika portrete slugu izvan njihovog svakodnevnog posla pokazala se jedinstvenom. Jasno je vidljiv odnos samog majstora prema njima - potpuno raspoloženje. Podstiče gledaoca da zamisli umetnikov miran, uredan, umeren život u njegovom uređenom domu.
Proučavanjem djela utvrđeno je da je njegova prvobitna veličina bila veća i da je autor namjeravao postaviti sedam glava. Ali posljednja nije bila razrađena tako pažljivo kao ostale, a tada je umjetniku došla ideja da odsiječe rub kako bi šest završenih glava izgledalo potpunije u kompoziciji.
George Stubbs (1724–1806). Kobile i ždrebe na pozadini pejzaža s rijekom. Oko 1763–1768
George Stubbs je poznat prije svega po tome što je bio jedan od prvih istaknutih engleskih slikara koji je svoj rad posvetio konjima. 1760-ih, Stubbs je proveo dvije godine radeći anatomske studije ovih životinja. Njegove brojne skice objavljene su 1766. kao posebna knjiga pod nazivom “Anatomija konja”. Umjetnik je neuobičajeno dugo radio na svakom svom platnu, što je bila posljedica njegove izuzetne pedantnosti i potpune zaokupljenosti svojim radom. Tako veliki naučni interes mogao bi, u određenom smislu, čak postati prepreka implementaciji čistog umetnički zadaci, ali to se nije dogodilo u slučaju Stubbsa. Sve njegove slike konja neobično su živahne, lijepe i energične.
Slika pruža gledaocu pravo zadovoljstvo svojom kompozicijom, dizajnom i šarolikom paletom. Daleki i široki horizont, velika prostranstva zemlje i vode, visoko mjesto gdje pasu konji, odsustvo bilo kakvih prepreka za njih - sve to stvara raspoloženje i osjećaj mira i volje, tako poželjnog u komunikaciji sa ovim životinjama i tako retkost u odnosima ljudi.
Joshua Reynolds (1723–1792). Pukovnik Acland i Lord Sydney. Strijelci. 1769
Engleski slikar Joshua Reynolds bio je prvi predsjednik Kraljevske akademije umjetnosti.
Slika je portret dvoje engleskih aristokrata - pukovnika Aclanda (desno) i lorda Sidneya, irskog političara i diplomate. Ovdje su još mladi, kasnije će pukovnik učestvovati u ratu Sjedinjenih Američkih Država za nezavisnost (na strani britanske krune), bit će ranjen u noge (? 777), preživjeti zarobljeništvo i vratiti se u svoje domovini, gdje će biti izabran za narodnog poslanika. Ali do sada se nije pokazao kao heroj, a Reynolds ga prikazuje kao običnog aristokratu, oduševljenog lovom, zajedno sa lordom Sydneyem, koji se uvijek smatrao razbibrigom visokog društva. Već su uspjeli: trofeji leže pred njihovim nogama.
Reynolds je predstavio scenu sa izuzetnom živopisnošću. Divno je preneseno uzbuđenje lovaca i njihova napetost. Inače, ovo potonje u velikoj mjeri izražavaju elastično zategnute tetive lukova strijelaca. Dok je slika nastala, luk je već bio oružje prošlih vremena, lov se vršio puškama. Reynolds je idealizirao trenutak i smjestio mjesto u romantično zamišljenu renesansu. To je nagoviješteno i činjenicom da se u liku Aclanda očito nagoveštava još jedan lovac, odnosno lovkinja - Diana - lik na renesansnoj slici Tiziana "Akteonova smrt" (1562. Nacionalna galerija, London).
Joshua Reynolds (1723–1792). Lady Bamfield. 1776–1777
Ovaj portret je naručio majstor Charles Warwick Bamfield povodom njegovog braka sa Catherine Moore, Lady Bamfield. Slika šarmantne mlade žene je duhovita adaptacija klasične statue Venere Medici (iz kolekcije Medici), koja se oduvijek smatrala oličenjem ženska lepota. Reynoldsov okret estetskim idealima antike bio je sasvim organski: jedno vrijeme, 1749. godine, otišao je u Evropu, živio u Italiji, posjetio Firencu, gdje je u galeriji Uffizi vidio mramornu kopiju izgubljene antičke skulpture boginje. Talenat velikog slikara portreta vrlo se u potpunosti pokazao u ovom umijećem zrelom djelu. Zadivljujuću sliku modela daje, kao i obično Reynolds, u pozadini prirode.
Važno je napomenuti da je u isto vrijeme kada je nastajao ovaj portret, drugi umjetnik, Johann Zoffany, naslikao danas poznatu sliku „Tribina galerije Uffizi“, koja prikazuje umjetničko blago Galerije i ove statue. Djelo je bilo poznato u Engleskoj jer se čuvalo u Vindzoru, u kraljevskom zamku.
Henry Robert Morland (1716–1797). Sobarica pegla odjeću. 1765–1782
Tokom svog života, Henry Morland je slikao idealizovane slike sluga, sobarica i bardova. Sve ove slike, ai ova, izvedene su u stilu, da tako kažem, „imaginarne(e) slike(e)“ - vrlo slatkog, dirljivog žanra slikarstva iz doba sentimentalizma. Sve je u ovakvim radovima šarmantno, ugodno, sigurno, mirno, grije dušu. Potražnja za ovakvim radom u određenim krugovima društva uvijek je postojala i, očigledno, biće. Brojni majstori, među njima i Morland, učinili su ovaj stil zastavom svog rada. Kao i svaki umjetnički pokret, ima svoje svjetiljke. Priznato remek-djelo- Drezden “Chocolate Girl” J. E. Lyotard. Takvo slikarstvo ima analogije u muzici (Carl Philipp Emmanuel Bach - jedan od najstarijih sinova J. S. Bacha), književnosti (rani J. V. Goethe), arhitekturi (urbane "porodične" kuće širom Evrope). Potražnja za takvim slikama bila je tolika da su istu radnju slikari replicirali mnogo puta. Čini se da ova slika mlade sobarice zauzete peglanjem postoji u pet verzija, naslikanih u vremenskom periodu naznačenom u datumu nastanka djela.
John Singleton Copley, američki i engleski umjetnik, predstavnik klasicizma, portreta i istorijskog slikarstva, rođen je u Bostonu. Njegov očuh je bio majstor četke i kasnije je pomagao svom posinku. Godine 1774., uoči Američkog revolucionarnog rata, Copley je napustio Ameriku i nastanio se u Londonu. Ovdje se okrenuo istorijskom žanru. Majstor je bio član Kraljevske akademije umjetnosti.
Slika je poznata i pod svojim drugim naslovom - "Jersey Assault". Za razumevanje bojno slikarstvo potrebno je poznavati politički i vojni odnos snaga, ko se borio i s kim. Oluja Džersija bila je pokušaj Francuske da napadne ostrvo i eliminiše pretnju koju je predstavljalo američkom brodarstvu tokom Revolucionarnog rata. Britanci su Jersey koristili kao vojnu bazu, a Francuska, vječni neprijatelj Engleske, ušla je u rat kao saveznik Sjedinjenih Država i željela je da preuzme kontrolu nad njim.
Francuzi su se iskrcali u Jersey 5. januara 1781. Guverner je predao ostrvo nakon pada glavnog grada St. uspješan kontranapad. U stvarnosti, major je ubijen neposredno prije bitke, ali Copley ga prikazuje kako umire pod britanskom zastavom u trenutku pobjede. Pearsonov crni sluga puca, osvećujući smrt svog gospodara.
Francis Pearson je postao nacionalni heroj u Velikoj Britaniji i slika je privukla mnoštvo kada je prvi put bila izložena. Reproduciran je na novčanici od deset Jersey funti.
Henri Fusli (1741–1825). Pastirov san iz izgubljenog raja. 1793
Henry Fusli je švicarski i engleski umjetnik, grafičar, istoričar i teoretičar umjetnosti. Služio je kao pastor, zatim studirao slikarstvo u Berlinu, od 1764. radio je u Engleskoj i bio prijatelj sa Williamom Blakeom. Majstorovo djelo jedan je od najranijih primjera romantizma u Engleskoj.
Pesme Džona Miltona "Izgubljeni raj" i "Vraćeni raj" privukle su Fuslijevu pažnju tokom njegove mladosti u Švajcarskoj. Mnogi romantičari su im se obraćali u želji da ilustruju pojedine epizode. Ova slika prikazuje stihove iz prve knjige pjesme, koji govore o bajkovitim vilenjacima:
Mali vilenjaci koji u ponoć
Na obalama potoka iu šumama
Plešu na rubovima; kasni pešak
On ih vidi u stvarnosti, ili možda u delirijumu,
Kad mjesec zavlada njime, prema zemlji
Smanjujući bledi let, oni se brčkaju,
Vrtenje (...)
Umjesto da prikaže vilenjake kako plešu, kao što se obično radilo, autor ih zamišlja kako se drže za ruke i kruže iznad usnulog pastira, koji to vidi u svojim fantazijama. Füsli mobilizira svu svoju maštu da stvori natprirodna stvorenja koja naseljavaju sliku. Zanimljive su za pogledati.
Rad je napisan za veliku galeriju slika Miltonove pjesme koju je umjetnik stvorio.
Filip Džejms de Lauterburg (1740–1812). Vizija bijelog konja. 1798
Philip James de Lauterburg (poznat kao Philippe-Jacques, također Philip Jacob the Younger) je engleski umjetnik francuskog porijekla. Studirao je u Strazburu, roditelji su ga pripremali da postane luteranski sveštenik, ali je mladić insistirao da bude umetnik, zbog čega je otišao u Pariz i tamo se ubrzo proslavio. Godine 1771. majstor se preselio u London i prihvatio poziv glumca Davida Garika da radi kao scenograf za najstarije londonsko pozorište, Drury Lane. Na ovom polju imao je izuzetna dostignuća.
Poslednje decenije 18. veka (epoha Velikog francuska revolucija, kasniji ratovi i iščekivanje novog milenijuma koji se približava relativno brzo) dali su poticaj drugoj interpretaciji apokaliptične teme. Umjetnici su počeli razvijati scene smrti svijeta, Last Judgment, kraj čovečanstva. Lauterburgova slika prikazuje prva dva od četiri konjanika Apokalipse - "Pobjednik" ("Pogledao sam, i gle, bijeli konj, i jahač na njemu je imao luk, i kruna mu je data; i on je izašao pobjednik i da pobijedi.” - Otkr., 6:2) i “Rat” (“I iziđe drugi konj, crven; i dade se onome koji sjedi na njemu da uzme mir sa zemlje, i da neka se međusobno ubijaju, i dat mu je veliki mač.” - Otkr. 6:4). U tumačenju ove radnje, autor se jasno oslanjao na čuvenu Durerovu gravuru „Četiri konjanika apokalipse” iz njegove serije „Apokalipsa”.
William Blake(1757–1827). Nabukodonosor. 1795–1805
Engleski umjetnik, pjesnik, mistik, vizionar William Blake studirao je u Londonu na Kraljevskoj akademiji umjetnosti. Na njegovo formiranje uticali su trendovi nacionalnog romantizma. On dolazi iz veoma religiozne porodice rano djetinjstvo gajio poštovanje prema Bibliji, čije su ga slike posjedovale cijeloga života, i stvorio veliki broj ilustracija za nju koje su bile vrlo originalne u ideji, kompoziciji i tehnici. Blakeov svijet je naseljen fantastičnim likovima, predstavljenim u slikama i pojavama koje su izuzetne u kontekstu umjetnosti na prijelazu iz 18. u 19. vijek. Blake nema paralele u svojoj eri. U stvari, samo neke od kreacija nadrealista mogu se uporediti s nemirom njegove mašte. Galerija Tate čuva 175 umjetnikovih djela.
Blejkovu sliku možete razumeti ako znate priču o Nabukodonosoru u biblijskoj Knjizi Danila (4:26–30): „Na kraju dvanaest meseci, hodajući kroz kraljevske palate u Babilonu, kralj je rekao: „Nije li ovo veličanstveni Vavilon, koji sam sagradio kao kuću?" kraljevstvo snagom svoje moći i na slavu moje veličine! "Dok je ovaj govor bio u ustima kralja, glas je došao s neba: "Kažu da ti, kralju Nabukodonosore: kraljevstvo je otišlo od tebe!” I oni će vas odvojiti od ljudi, i vaš će stan biti sa zvijerima poljskim; Oni će te hraniti travom kao vola, i sedam puta će te proći, dok ne znaš da Svevišnji vlada kraljevstvom ljudskim i daje ga kome hoće!“ Odmah se ispuni ova riječ nad Nabukodonozorom, i on se izopćen od ljudi, jeo je travu, kao vol, a tijelo mu je napojilo rosom nebeskom, tako da mu je kosa izrasla kao u lava, a kandže kao u ptice.”
Nakon sedam godina, podigao je oči u nebo, hvalio Svemogućeg i odmah se vratio u svoje nekadašnje ljudsko stanje.
umjetnost 19. stoljeća
Albert Moore. Bloom. 1881
John Constable (1776–1837). Scena na plovnoj rijeci. 1816–1817
Ova slika engleskog pejzažnog slikara Johna Constablea poznata je pod svojim drugim naslovom - "Fletford Mill". Mlin se nalazio u samom centru područja u kojem se uzgajao kukuruz u velikim količinama, što je, inače, za vrijeme rata sa Francuskom, kada se Engleska, zbog blokade od strane Napoleona, mogla oslanjati samo na vlastite prehrambene resurse, bilo je profitabilan posao. Umjetnikov otac je bio uspješan, a ovaj hranitelj porodice, koji stoji na obali rijeke Stour, u malom selu East Berghoult, gdje je slikar rođen, pojavljuje se više puta na njegovim slikama. U mladosti, Constable je mnogo putovao po okolini, praveći skice i skice. Prema rečima samog autora, ove skice su ga „učinile umetnikom, na čemu mu je veoma zahvalan“.
Veliki balvan u donjem lijevom uglu slike je, naravno, jedan od oslonaca mlina, što objašnjava animaciju stanovnika na obali. Barža se odvaja od konja jer sada mora krenuti.
U jednom od svojih pisama Constable priznaje da svoju bezbrižnu adolescenciju, prije svega, povezuje s rijekom Stour, jer je zahvaljujući njoj postao majstor. U ovom pejzažu ova dječja asocijacija je izražena umjetničkim sredstvima. Na slici vlada rijedak mir, gotovo arkadijski spokoj postojanja, svima dostupan.
Joseph Mallord William Turner (1775–1851). Loch Buttermere, s pogledom na Cromacwater u Cumberlandu. Tuš. 1798
Joseph Mallord William Turner - vrhunski majstor romantični pejzaž, u suštini, u duhu svog slikarstva, on je impresionista. Godine 1871. Claude Monet i Camille Pissarro, koji su vidjeli njegova djela u Londonu, nisu mogli vjerovati da je britanski umjetnik, nekoliko decenija prije pariskih impresionista, uspio predvidjeti njihova stilska traganja. Galerija Tate ima najveću kolekciju Turnerovih djela, sa 4.187 crteža, skica i skica.
Inspiracija za sliku bila je pjesma "Proljeće" škotskog pjesnika Jamesa Thomsona:
Nagnuto prema zapadu, pojavljuje se sunce
Tako briljantno - i brzo blista
Udara pravo u planine - i iz žute izmaglice
Polijeće, juri u beskonačnost
Vazdušni luk, cvetajuće boje.
Englesko slikarstvo i književnost 18. stoljeća daju mnogo razloga za upoređivanje slika koje se u njima veličaju. Britanski filozofi su stvorili novi, originalni koncept "uzvišenog": ono je heterogeno. U pejzažima se mogu razlikovati dvije vrste: prva se konvencionalno naziva "zastrašujuće uzvišena", povezana s olujama i katastrofama, druga - "prirodno uzvišena" - upućena je mirnijim stanjima prirode. Ovdje je Turner promijenio neke detalje i, u suštini, promijenio poetsku sliku, kod Thomsona je to primjer prvog, dok je kod slikara vrlo dramatično. Autor je voleo da prikazuje prirodu opsednutu elementima. na njegovom pripremni crtež, snimljen tokom putovanja na sjever Engleske godinu dana ranije, glasi: “Crni”. Turner će i dalje svojim slikama opskrbljivati scenske režije, čija je svrha da kod gledatelja izazove strahopoštovanje i strah od veličine i sila prirode.
Joseph Mallord William Turner (1775–1851). Mećava Hanibal i njegova vojska prelaze Alpe. 1812
Slika datira s početka Turnerove karijere, jedno je od najsmelijih i najznačajnijih radova mladog slikara. Radnja je zasnovana na priči starorimskog istoričara Tita Livija o bici Kartaginjanina Hanibala sa lokalnim plemenima tokom prelaska preko Alpa u Italiju 218. godine pre nove ere. e. Turner je kao mjesto radnje odabrao dolinu Aoste koju je posjetio tokom svog putovanja 1802. Bitka, prikazana sa određene visoke tačke, odvija se cijelim prostorom platna, ona, pogođena nevjerovatnom olujom, teče u daljini se na horizontu vidi jedan od legendarnih slonova Hanibalove vojske. Slikar je majstor prikazivanja radnji u velikom obimu. Neizvjesnost uzrokovana zamagljenim obrisom stvara neobično uzvišenu sliku.
Prvo prikazivanje slike na Kraljevskoj akademiji umjetnosti u Londonu propraćeno je objavljivanjem Tarnerove pjesme "Prevara nade". Sadrži ove redove:
<…>izgleda vođa
Sa nadom u zalasku sunca koji blijedi,
Gdje je rub talijanskih vjetrova
Izrežite na rubu godine.
Šta ih čeka, krvlju natopljene stijene
A klizišta, iza kamene pustinje?
Zamislio je: bogate ravnice Kampanije.
Vjetar je zavijao: Kapua iskušenja su otrov!
“Odgovor” vjetra odnosi se na Livijev opis kasnijeg pada Hanibalove vojske zbog činjenice da je obilan život na talijanskoj visoravni potkopao moral i fizička snaga ratnici
Slika daje još jednu aluziju - na Napoleona Bonapartea: dvije godine prije stvaranja platna, Turner je vidio djelo Jacques-Louis David"Napoleon na prolazu Saint Bernard", u kojem je prvi konzul predstavljen kao moderni Hanibal. Tako se Turnerov rad odnosi na Napoleonovu invaziju na Tirolske Alpe, napisan je na vrhuncu rata sa Francuskom. Zajedno sa poetskim upozorenjem, prikazana snježna mećava može se shvatiti kao simbol i predznak sloma ambicija i Kartagine i napoleonske Francuske.
Joseph Mallord William Turner (1775–1851). Bay Bay sa Apolonom i Sibilom. 1823
Joseph Mallord William Turner (1775–1851). Bay Bay sa Apolonom i Sibilom. 1823 (fragment)
Turner je ovu sliku pokazao na Kraljevskoj akademiji umjetnosti u Londonu iste godine kada ju je završio. U međuvremenu, rad na njemu je, po svemu sudeći, obavljen ranije, a platno je postalo svojevrsni rezultat autorovog prvog putovanja u Italiju u jesen 1819. Zatim je posjetio Veneciju, Napulj, Firencu i Rim, gdje je pod pod pokroviteljstvom Canove, izabran je za počasnog člana Akademije Svetog Luke.
Turner je bio opčinjen pogledima na Italiju. O tome svjedoči ne samo sama slika, već i latinski moto ispisan na njoj iz Horacijeve ode „Kaliope”: „Seu liquidae placuere Baiae” („ili Baia me primorje privlači”).
Iako je, prema nazivu djela i izjavama istoričara umjetnosti, ovdje prikazan upravo Bay of Bay, sasvim je očito da slika predstavlja romantično idealizirani pejzaž i podsjeća na slične pejzaže C. Lorraina. Poznata je smiješna priča: Turnerov mlađi savremenik, umjetnik George Jones, razgovarao je o slici sa putnikom koji je nedavno posjetio obale Bay Baya. Naveo je da je “pola scene bila jednostavno izmišljena”. Tada je ogorčeni kolega ispisao na okviru: “Splendide mendax” (od latinskog – “sjajna laž”). Turner se zabavljao i dugo vremena Nisam obrisao ovaj natpis.
Na ovom platnu, Bay Bay je postao mjesto za priču o Apolonu i kumskoj Sibili. Radnja seže u Ovidijeve Metamorfoze. Priča o tome kako se Apolon zaljubio u Sibilu iz Kuma, u sjevernoj Italiji. Bog ju je zaveo, obećavši da će joj njegov zagrljaj produžiti život za onoliko godina koliko ima zrna prašine sadržanih u šaci prašine. I iako ga je odbila, Apolon je održao svoju riječ i obdario je dugovječnošću, ali joj nije dao vječnu mladost. Tako je bila osuđena da vekovima postoji u obliku oronule starice. Sibila, mlada žena, prikazana je kako sjedi ispred Apolona. Njene šake pune su prašine. Bog sjedi ispred nje na kamenu, jedna njegova ruka je na liri. Ova fabula je dosta kasna, prvi put se pojavila u 17. veku.
Joseph Mallord William Turner (1775–1851). Oluja na moru. Oko 1840
Iako je Turner svakako bio gradski stanovnik, uvijek ga je privlačilo more. Od ranih 1830-ih, stalno je posjećivao Margate, primorski gradić u Kentu. Ovdje je umjetnik napravio mnoge skice pogleda na more u različitim trenucima: tišina, valovi, oluje, danju, zalasku sunca...
Na autorovim slikama zadivljuju i oduševljavaju i sama ideja i vještina njene implementacije. Što se ideje tiče, gledalac u njegovim pejzažima, posebno morskim pejzažima, uvijek „čuje“ neki romantični motiv, koji kao da izbija iz samih dubina i najsitnijih kutaka ljudske duše. Čini se da Turnerov pejzaž bukvalno nešto govori, inspiriše... Zarobi gledaoca, čini ga saučesnikom, slušajući zov prirode.
Slikarova strast prema pejzažima koji prikazuju olujno vrijeme objašnjava se njegovim interesovanjem za temu uzvišenog. On uvijek iznova podsjeća na snagu prirode, prikazujući more kao lijep i istovremeno zastrašujući element. Za Turnera, okean je bio pozadina u kojoj se odvijala radnja i drama. To je posebno jasno kada se ljudski faktor zapravo unese u sliku, na primjer, u obliku brodoloma. Ali čak i na ovom platnu, gdje se prenose samo elementi, osjeća se mogućnost takve katastrofe.
Koristeći gotovo jednobojni raspon tamnih tonova, majstor prikazuje gustu zavjesu olujnih oblaka. Čini se da ovdje koristi istu metodu koju je koristio prilikom izrade sličnih crteža na papiru: crta vrhove olujnih valova i vrhovima prstiju uklanja malu količinu boje kako bi jasnije prenio krivulje valova.
Kraj prvog dijela
- (Tate Gallery) u Londonu, umetnička galerija u Velikoj Britaniji, osnovana 1897. Bogata zbirka zapadnoevropskog slikarstva i skulpture druge polovine 19. i 20. veka. * * * GALERIJA TATE Galerija Tate u Londonu, umjetnost...... enciklopedijski rječnik
Galerija Tate u Londonu. Osnovan 1897. Uključuje galeriju britanskih slika i grafika od 16. do 20. stoljeća. (radovi P. Lely, W. Hogarth, J. Reynolds, T. Gainsborough, J. Constable, W. Turner, W. Sickert, M. Smith, B. Nicholson, G. ... ... Umjetnička enciklopedija
Ovaj izraz ima druga značenja, pogledajte Tate (značenja) ... Wikipedia
Cm … Rečnik sinonima
U Londonu, Nacionalna umjetnička galerija Velike Britanije. Osnovan 1897. Bogata zbirka Britanaca vizualna umjetnost 16-20 vek, zapadnoevropsko slikarstvo i skulptura kasnog 19-20 veka... Moderna enciklopedija
Galerija TATE u Londonu je umjetnička galerija Velike Britanije, osnovana 1897. godine. Bogata zbirka zapadnoevropskog slikarstva i skulpture. 19 20 vekova... Veliki enciklopedijski rječnik
Imenica, broj sinonima: 1 galerija (40) Rječnik sinonima ASIS. V.N. Trishin. 2013… Rečnik sinonima
Tate galerija- u Londonu, Nacionalna galerija umetnosti Velike Britanije. Osnovan 1897. Bogate zbirke britanske likovne umjetnosti od 16. do 20. stoljeća, zapadnoevropskog slikarstva i skulpture od kasnog 19. do 20. stoljeća. ... Ilustrovani enciklopedijski rječnik
7. maj 2014. u 21:28
Za manje od pet dana u glavnom gradu Velike Britanije uspio sam obići, između ostalog, devet muzeja. O jednoj od njih - galeriji Tate Modern - želim govoriti u ovom postu. Pa, da ne bi uplašili ljude punopravnom umjetnošću, priča će biti razvodnjena razmišljanjima o promjeni arhitektonskog izgleda grada, noćnim fotografijama, blagom odstupanju prema Pink Floydu i njihovom omiljenom omotu CD-a, kao i razgovorom o ekonomiji i teška razmišljanja o tome šta vrijedi ulagati u teško zarađene milione.
Tate Modern se nalazi u bivšoj elektrani Bankside na južnoj obali Temze
Arhitekta zgrade je Sir Giles Gilbert Scott, koji je dizajnirao i Liverpulsku katedralu (više o tome kasnije), Waterloo most, dizajn čuvene crvene telefonske govornice i, što je najvažnije, Battersea Power Station, elektranu na ugalj koja je postala poznat nakon što je izgrađen.na omotu legendarnog albuma Pink Floyd Animals
Nekada sam bio prijateljski nastrojen prema Floydima - jednom od omiljenih bendova moje mladosti - ali u posljednje vrijeme Waters je stvarno zajebao sa svojim pozivima svim muzičarima da bojkotuju Izrael, i osjećam da ću uskoro morati bojkotirati njihov bend kao odgovor. Međutim, možda će umrijeti ranije i spasiti me od potrebe da vidim njegovu odvratnu šalicu na vijestima. Međutim, malo sam se omeo.
Battersea Power Station pojavila se u mnogim drugim kulturnim djelima - na primjer, u kultnom filmu Beatlesa Help! Engleska serija"Doktor Ko" ( Doctor Who), epizoda Sherlocka "Skandal u Belgraviji", britanska verzija filma iz 1984., pa čak i Batman film "The Dark Knight". Prvo "javno" pojavljivanje elektrane u filmu dogodilo se davne 1936. godine u filmu Alfreda Hitchcocka "Sabotaža". Kako se ispostavilo, Hitchcock se našao ispred ostalih)
Da se vratimo na naš posao, jedini uslov koji je arhitekta postavio za elektranu Bankside bio je da njen dimnjak bude niži od tornja Katedrale Svetog Pavla, koja se nalazi preko puta.
O katedrali neću - nekako nije comme il faut, ali pokazaću vam nekoliko fotografija.
Svi vjerovatno znaju da je posljednjih godina iz katedrale sv. Paula, smještenog na jednoj obali, do galerije Tate Modern na drugoj obali vodio je Milenijumski most. Kada je tačno most sagrađen, nadam se da nema potrebe objašnjavati)
Inače, prilikom moje poslednje posete Londonu (2003) ovaj most mi je izazvao užasnu paniku (plašim se visine, mostova, vode, ljudi i uopšte svega - tipičan Jevrejin uopšte), ali u ovoj poseti sve ispalo nekako bolje bezbedno. Prošetao sam impozantno mostom, pa čak i skinuo nekoliko ramova sa njega, što ću vam svakako pokazati.
Ovo je trenutni pogled na moderni London sa Milenijumskog mosta. U centru se vidi Tower Bridge, za koji se nadam da ne treba posebno predstavljati. Na desnoj strani je The Shard ili "Shard". Najviša zgrada u Londonu (306 metara), a donedavno i najviša zgrada u Evropi (sada Merkurov toranj u Moskvi drži dlan). Kao i svi neboderi u Londonu, izgleda užasno i uopšte van dodira, posebno s obzirom na činjenicu da se hiljadugodišnji Toranj nalazi vrlo blizu. Izgradnja Sharda izazvala je žestoke kontroverze, ali je novac pobijedio, a sada oni koji odu u drevnu Bijelu kulu mogu bez napuštanja kase promatrati haos modernog Grada.
Lijevo je još nekoliko strašnih nebodera. U centru je Leadenhall Street 122, popularno nazvana “The Cheese Grater” (Britanci su u redu sa humorom – za razliku od njihovog osjećaja za pejzaž). 225 metara, četvrti po visini u Londonu. Ružan kao moj život. Otvoren je upravo u danima mog boravka u gradu. Na lijevoj strani se gradi još jedan čudak, popularno poznat kao Woki-Toki (Walkie Talkie). 160 metara, peti najviši neboder u Londonu. Užasno, a o čuvenom krastavcu neću ni da vam pričam (na ovim fotografijama se, hvala svim svecima, ne vidi).
Uopšte nisam želeo da ovo iznosim ovde – biće poseban post o modernom London Sitiju – ali izgleda da se, kao u slučaju Njujorka, niko nije ozbiljno bavio planiranjem ovih megagradova. Jednom smo razgovarali o ovom pitanju sa mojim rođak, kada sam bio u Americi, i rekao je da niko nije razmišljao o tome kako će jedna zgrada izgledati pored druge u Njujorku (za razliku od, na primer, San Dijega). Svi stilovi su samo pili redom, a sada grad izgleda apsolutno kaotično - . Isti osjećaj se stvara u Londonu. Ili hiljadu godina stara kula, ili gotička crkva, a pored nje je stakleni neboder ili cigla. Ponekad vidite čitave ulice u istom stilu, ali to je vrlo rijetko. Međutim, to ne umanjuje šarm britanske prijestolnice - London preuzima još jedan.
Pa ipak ćemo se vratiti visokoj umjetnosti i prijeći most od Sv. Pavel
U galeriju Tate Modern. Sve navedeno je bio samo uvod – više puta su mi u prošlosti govorili da umjetnost ljudima dosadi i da ne treba biti previše elitistički i visokoobučen, pa sam odlučio da se malo pokažem i raspravim o gorućim temama. Ali sad izvucite jastuke, jer ulazimo u muzej!
Inače, zgrada ugljenokopa je godinama bila pod prijetnjom rušenja, sve dok nije pretvorena u naj poznati muzej savremene umetnosti u svetu. Ovih dana se dešavaju velike promjene, a staroj zgradi se dodaje novo, ultra moderno krilo.
Ovdje se malo bolje vidi projekat - bijela zgrada odmah iza cijevi. Izgleda dobro, ali u kompleksu će biti kao sa svim novim Londonom - apsolutno van kontakta. Kontrast starog i novog i potpuna zbrka stilova ne funkcionira u ovom gradu, IMHO.
E, sad se sve vrti oko samog muzeja. Tate Modern ovih dana je domaćin izuzetno popularne Matisseove izložbe (uprkos cijeni). Međutim, u Kopenhagenu sam vidio dovoljno Matisa, pa ću vam reći o stalnoj zbirci muzeja. Štaviše, ima jednu od najviše skupe slike svijet - Akt, zeleno lišće i poprsje, kistovi Picassa.
Walter Picasso naslikao je sliku Marie-Thérèse 1932. godine - u jednom danu. U 2010. nedavno je prodan za 106(!) miliona dolara (trgovanje umjetnošću posljednjih godina izgleda isplativije od nafte). Ovo je ujedno i najviša cijena primljena na aukciji. Vjeruje se da ova slika simbolizira vrhunac umjetnikove kreativne energije.
Još jedan portret Marie-Thérèse Walter, "Gola žena u crvenoj stolici." Ovdje je žena predstavljena kao zbir senzualnih krugova. Čak su i rukohvati stolice posebno podignuti kako bi se naglasili okrugli oblici. Lice se može posmatrati ili kao metamorfoza koja se dešava sa likom, ili kao dvostruka cifra- desna strana se može protumačiti kao lice ljubavnika koji ljubi ženu u usne.
Picasso je općenito dobro zastupljen u galeriji Tate (međutim, Španac je bio plodan umjetnik i dobro je zastupljen u desetinama muzeja širom svijeta, uključujući i Izrael. Iz nekog razloga, on je najgore zastupljen u Picassovom muzeju u Barceloni) . Jedan od njegovih najvecih poznate slike- Gernika (usput, još je nisam vidio) - postala je simbol užasa Drugog svjetskog rata. Zatim, mnogo mjeseci, Picasso je slikao nastavke slika zasnovanih na figurama u Guernici. Mural, koji prikazuje nacističko bombardovanje španskog grada, takođe uključuje uplakanu ženu koja drži mrtvo dete. Ova slika nastavka je posljednja u nizu, najdetaljnija i dobro razrađena. Model je bila Dora Maar, još jedna ljubavnica Picassa.
Još jedan “portret” Dore Maar, naslikan 5. maja 1944. godine. Kompleksna konfiguracija odražava atmosferu poslednjih meseci okupacije Pariza od strane nacista. Napetost i stega su glavne senzacije koje je Picasso pokušao izraziti na ovoj slici. Štaviše, dva umetnikova najbliža jevrejska prijatelja - pesnici Robert Desnos i Maks Džejkob - su deportovani. Desnos je kasnije umro od tifusa u koncentracionom logoru Terezin, a Jacob, koji je takođe bio homoseksualac, umro je u logoru Drancy. Ipak, u filmu postoji tračak nade - u martu je Dora Mar, zajedno sa Sartreom i Simon de Bovoar, učestvovala u predstavi koju je postavio Pikaso. Albert Camus. Na ovu temu smatram da je Picasso obrađen, i na kraju - samo njegova slika koja mi se sviđa - "Tri plesačice".
Ova slika je Picassovo sjećanje ljubavni trougao, koji se završio samoubistvom njegovog prijatelja Carlosa Casagemasa. Na platnu koje pršti energijom, ljubav, seks i smrt povezani su u ekstatičnom plesu. Plesačica s lijeve strane je uglavnom u stanju dionizijskog ludila. Njeno lice simbolizira masku iz Nove Gvineje, što ukazuje na Picassovu vezu sa afričkom umetnošću i njen uticaj - posebno u svemu što se odnosi na seksualnost i samoizražavanje - na umetnika.
Pa, hajde sad da pričamo o svemu po redu. Debata o savremenoj umjetnosti je, uglavnom, vječna. Bilo je i diskusija u mojim objavama - posebno kada su u pitanju Warhol ili Basquiat. Mondrian, čija je slika prikazana iznad, također izaziva zabunu kod mnogih. Neki kvadrati, koji, u suštini, ne zahtevaju nikakvu posebnu veštinu za crtanje (inače, jedna od njegovih najpoznatijih slika nalazi se u našem muzeju umetnosti u Tel Avivu). Ipak, Holanđanin je jedan od najpoznatijih i najtraženijih umjetnika našeg vremena. Pa koja je ideja?
U eri između dva svjetska rata umjetnici su razvili nove oblike apstraktne umjetnosti zasnovane na estetskom idealizmu i želji za idealnijim društvom. Mondrian i drugi umjetnici koji su živjeli u eri beskrajnih ratova i revolucija bili su primorani da se odmaknu od svoje posvećenosti individualizmu i okrenu se harmoniji geometrijskih oblika. Upravo su takvi kvadrati i linije postali mnogim umjetnicima savršen oblik novi svijet. Naum Gabo (Nehemija Berkovič Pevzner) - jedan od vođa konstrutivizma, koji je iskusio sve čari ruske revolucije - izjavio je da „dekonstrukcija materije koja se dogodila u naše vreme ne lišava nas optimizma, budući da se krećemo u nova era zvanom rekonstrukcija."
Promjene su se dogodile i u inženjerstvu, u arhitekturi, a posebno u skulpturi (ovo se ovih dana može vidjeti svuda - od Tumarkina na Rabin trgu do Henry Moorea). Što se tiče same umjetnosti, suzdržanost i preciznost oblika ustupila je mjesto bujici boja. Bijela je počela prevladavati na slikama, kao simbol čistoće i nevinosti (ujedno i glavna boja cjelokupne moderne arhitekture, čiji je otac bio La Corbusier).
Što se tiče dvije gore navedene slike - Prema savremeni trendovi, Mondrian je odlučio da svoju paletu svede na primarne boje. Unatoč prividnom haosu, umjetnik je težio "dinamičkoj ravnoteži". Sve linije, iako ne dijele prostor na jasne i jednake dijelove, imaju jasnu svrhu i svrhu.
"Drvo" navodno nije sasvim standardna Mondrianova slika. Međutim, i ovdje umjetnik nešto živo pretvara u jasnu, monotonu formu. Grane i deblo svedeni su na mrežu vertikala i horizontala, u pokušaju da se ukaže na red u prirodi. „Želim da dođem do suštine stvari, a dok se to ne dogodi, nameravam da sve – čak i najživlje elemente pretvorim u apstrakciju“, rekao je Mondrijan.
Forme unutar forme ili odraz slike u slici. Moj pokušaj smislenog udarca.
Ova svjetlosna instalacija nastala je pod direktnim utjecajem Mondriana. Umjetnik je bio oduševljen jasnim geometrijskim oblicima Holanđanina, ali je odlučio da unese ranije utjecaje drugih majstora - u ovom slučaju ekspresionizam i kolorit.
Kako se ispostavilo, Diego Rivera je izvukao i razne apsurde. Meksički umjetnik, koji se prvenstveno bavio izradom velikih realističkih fresaka na komunističke teme i druženjima s brojnim ženama, bio je pod utjecajem kubizma i Juna Gris dok je živio u Parizu između 1913. i 1917. Posebno se ističe prisustvo na slici korica Nietzscheove knjige "The Gay Science", u kojoj on najavljuje smrt Boga. Značenje se tumači dvojako – netko tvrdi da Rivera time proglašava ili smrt starog režima u doba rata i revolucije, ili smrt stare umjetnosti u korist novih trendova i trendova.
Sada ni jedan muzej ne može bez njega - Francis Bacon. Gotovo sve Baconove slike su pokušaj istraživanja čovjeka i njegove duše. Na ovoj slici lice je iskrivljeno, tako da ne možemo utvrditi identitet osobe. Za razliku od Mondrijana, na Baconovim slikama vlada potpuni haos - na ovom portretu, osim deformacije lica, možemo uočiti i deformaciju prostora. Obrisi kutije ili kutije ( logo kompanije Bacon) u kojem se nalazi figura simbolizira ljudsku suštinu u modernom svijetu, koji se ponovo vratio u haos kojim vladaju izolacija i klaustrofobija.
Leon Kossof - "Čovek koji sedi unutra invalidska kolica"U posljednje vrijeme mi se sve više sviđa ovaj Jevrejin iz Rusije koji je pobjegao u Veliku Britaniju. Kossoff pripada Londonskoj školi - poslijeratnom pokretu engleskih slikara koji su radili ne samo u stilu apstraktne umjetnosti, već su se okrenuli i tradicionalna, figurativna umjetnost.
Lee Krasner je supruga poznatog američkog umjetnika Jacksona Pollocka. Budući da je većinu vremena provodila sa svojim ludo talentovanim, ali potpuno bezvrijednim mužem, njene slike su mnogo manje poznate. Slika se zove "Gotički Lagdscape" - očigledno zato što se vertikalne linije koje dominiraju središtem platna mogu videti kao drveće. Slika je naslikana nakon smrti njenog supruga 1956. godine, a mnogi smatraju da okrutni, oštri i ekspresivni potezi odražavaju umjetničinu tugu. A evo i samog Pollocka.
Pollock je razvio sistem slikanja bez dodirivanja platna (što je naljutilo sve feministkinje ovog svijeta - radije ću prešutjeti razlog). Upravo ga je ovaj metod, kako je rekao, učinio slobodnim i intuitivnijim u odnosu na sopstveno „ja“. U slučaju ove slike, Pollock je jednostavno izlio crnu boju na platno, a zatim ga podigao, dopuštajući boji da teče i poprimi apstraktni oblik. Zatim je dodao žutu i ljubičastu.
Mark Rothko. Iskreno, teško mi je s ovim umjetnikom). Slika je naslikana pod uticajem Mikelanđela (??). Umjetnik je smatrao da se gledalac treba potpuno stopiti u sliku, pa će tek tada doći do neke svijesti ili razumijevanja, ali da li mi vanjski poticaji nisu omogućili ovo duhovno jedinstvo, ili sam u ovom slučaju previše kritičan, ne znam. ne znam.
Malo nadrealizma, i moj omiljeni De Chirico. Inače, slika me podsjeća na "Crvenu kulu" u Gugenhajm muzeju. Zove se "Pesnikova neizvesnost". Sam De Chirico je svoje slike opisao kao "metafizičke" - sposobnost kombinovanja u jednoj kompoziciji scena iz svakodnevnog života i fantazija o antički svijet, stvarajući tako veoma složenu “fantastičnu stvarnost”. Nadrealisti su voljeli ovu vrstu misterioznih slika sa iskrivljenom perspektivom. „Ovi kvadrati su veoma slični postojećih kvadrata, a opet nikada nismo vidjeli ništa slično. Nalazimo se u neshvatljivom svijetu”, rekao je pjesnik Paul Eluard. A da niste nimalo zbunjeni, evo još jednog Chiricoa.
Ovdje naslov objašnjava više - “Melanholija rastanka”) Prozor i mapa sa tačkastom rutom nagovještavaju putovanje i pokušaj bijega iz zatvorenog, klaustrofobičnog studija. Chirico, Italijan koji živi u Grčkoj, osjećao se odvojeno od svog okruženja i uporedio se sa Argonautima iz poznatog grčkog mita. Njihovo putovanje mu se činilo kao večna samoća, prelazeći beskrajne okeane
A ovu sliku je pod Chiricovim uticajem naslikao Englez Tristram Hillier, koji je, poput Nan i Wadswortha, obožavao tajanstvene figure Grka-Italijana. Ogromno sidro je nevjerovatno i tjera vas na razmišljanje o značaju ovog čudnog spomenika. Pa, pošto govorimo o nadrealistima, ne možemo pobjeći od glavnog.
"Metamorfoze Narcisa." Neću ni pokušavati da objašnjavam Dalijeve slike. Još dva da konsolidujemo temu i idemo dalje.
Jesenji kanibalizam. Izvučeno odmah nakon starta građanski rat u Španiji 1936. Prikazuje par u svojevrsnom kanibalističkom činu. Sjede na vrhu stola koji se stapa sa tonovima tipičnog španskog pejzaža. Sukob se ogleda u obliku jabuke - referenca na legendu o Vilijamu Telu u kojoj je otac bio primoran da ubije vlastitog sina.
Na ovoj slici možete vidjeti svu dualnost Dalijevih simbola: rijeka se može vidjeti i kao riba - dvojnost osmišljena da sumnja u racionalnost onoga što se dešava. Slika ima i ličnu i društvenu pozadinu: Dalijevi roditelji su posjetili ovu rijeku nakon smrti njihovog prvog djeteta, također po imenu Salvador, a vjerovalo se da je umjetnika proganjala slika njegovog mrtvog brata, kojeg nikada nije vidio. Osim toga, isključeni telefon simbolizira odnos između britanskog premijera Chamberlaina i Hitlera nakon aneksije Sudeta 1938.
Još jedna slika o uticaju nacizma. Max Ernst - Cijeli grad. Grad se nejasno nazire pod blistavim mjesecom, izražavajući pesimizam u pogledu nacističkog preuzimanja Njemačke. Koristeći novu tehniku - Scrapping, Ernst prikazuje uništeni pejzaž, prepun grad bez ljudi i bez optimizma.
Možda mislite da je Basquiat, ali ne. Samo mi se svidjela slika, koja dobro odražava utjecaj afričkih mitova na zapadnjačku umjetnost.
I to je jednostavno cool photo, koju je snimio jermenski fotograf Sargsyan tokom rata u Siriji. Svidio mi se ogroman natpis "TSUM" usred Alepa)) Ispod njega je još jedna ruska trgovina - šteta što se ne vidi na ovoj fotografiji)
A ovo je Matisse iz stalne postavke. Lep tihi miran portret. Prikazana je Greta Moll - ona i njen suprug Osakr bili su među prvih deset učenika umjetnička akademija Matisse. Dajem to ovdje kao kontrast)
Moj voljeni Emil Nolde. Ovo seascape Umjetnik ju je naslikao tokom svog boravka na ostrvu Sylt u Njemačkoj. Ekspresivni potezi kista i jarke boje kakbea nagovještavaju približavanje oluje. Nolde je u svojim memoarima napisao: „Želio sam još jednom vidjeti more u svom njegovom divljem sjaju. Olujni oblaci, grmljavina koja se slijeva u more – imam šest takvih pejzaža, rad na kojima se odvijao u stanju potpunog zanosa. ” Pisao sam dosta o Noldu tokom mog putovanja u Skandinaviju -. Na ovom linku o najboljem muzeju na svijetu postoji, inače, i o Chiricu, i o Mondrianu, i o mnogim drugim. Predlažem.
Moj voljeni Paul Klee. Niz isprepletenih trokutnih jedara stvara jednu liniju čamaca u elegantnom, valovitom kretanju. Ritmička kompozicija podsjeća na dijagram koji je nacrtao Klee na jednom od svojih predavanja u Bauhausu, u kojem je govorio o “aktivnoj liniji ograničenoj u kretanju stalnim tačkama”. Takođe sam više puta pisao o njegovom Anđelu istorije, koji se takođe čuva u našem Izraelskom muzeju.
Leonora Carrington. Slika se na hebrejskom zove Elohim - Bog. Umjetnica miješa tradicionalne irske mitove, koje joj je dadilja pričala u djetinjstvu, i svijet koji je izmislila njena majka. Ali prije svega, na njenim slikama se često mogu vidjeti mitološka bića. I na kraju - nekoliko plakata iz naših voljenih sovjetskih vremena)
Inače, ove godine će Tate Modern biti domaćin retrospektive slika Kazimira Maleviča
Dakle, rusko-sovjetska tema u muzeju je savršeno predstavljena
GPS koordinate: 51° 29" 27" N, 0° 07" 38" W
Adresa: Millbank, London SW1P 4RG
National Muzej umjetnosti, koji sadrži najznačajniju svjetsku kolekciju engleske umjetnosti od 16. do 20. stoljeća. Glavno tijelo se zove Tate Britain i nalazi se na sjevernoj obali Temze južno od, u blizini Vauxhall mosta. U sklopu muzeja nalazi se i još jedna galerija savremene umjetnosti. Tate Modern, koji se nalazi na južnoj obali Temze nasuprot.
Galeriju je osnovao engleski šećerni magnat Henri Tejt na osnovu sopstvene kolekcije engleskih umetnika, a otvorena je 21. jula 1897. godine u zgradi koju je dizajnirao Sidni Smit. Takođe je uključivao muzejske slike iz Južnog Kensingtona, Vernonovu kolekciju i nekoliko slika Džordža Frederika Votsa, koje je obezbedio sam umetnik.
Vremenom je zgrada više puta završavana i otvarane su nove prostorije za novonabavljene radove. Godine 1917. počinje formiranje izložbe savremenih stranih autora. 1988. godine otvorena je podružnica u Liverpoolu. A 2000. godine, u zgradi nekadašnje elektrane na obali Temze, otvorena je galerija Tate Modern, u kojoj su bila smeštena dela 20. veka. Nakon toga, stara galerija je preimenovana u Tate Britain.
IN Galerija Tate Britain predstavljeni su radovi autora engleske škole za čitav period njenog postojanja, počevši od Džona Betsa („Portret čoveka u crnoj kapi“ – 1545) i Hansa Holbajna Mlađeg. Autori kao što su William Hogarth, Joshua Reynolds, Thomas Gainsborough, William Blake, John Constable su dobro zastupljeni, kao i najkompletnija zbirka Josepha Mallorda Williama Turnera u zasebnoj galeriji Clore.
Najznačajnija zbirka romantičnih slika viktorijansko doba, posebno prerafaelitsko bratstvo: John Everett Millais (Ofelija - 1850), Dante Gabriel Rossetti (Navještenje - 1850, Beata Beatrix - 1864), William Holman Hunt (Klaudio i Izabela) - 1850). Od stranih autora predstavili: Claude Monet, Vincent Van Gogh, Camille Pissarro, Paul Cezanne i drugi, kao i skulpture Auguste Renoir, Aristide Maillol.
U vezi galerija savremene umjetnosti Tate Modern, zatim sadrži jednu od najboljih kolekcija nadrealizma na svijetu: Salvador Dali, Max Ernst, Rene Magritte, Joan Miro. Značajna zbirka američkog apstraktnog ekspresionizma: Paul Jackson Pollock, Mark Rothko (Rothko soba sa devet Seagram murala). Savremeno englesko slikarstvo predstavljeno je radovima Stenlija Spensera, Bena Nikolsona, Pola Neša, Frensisa Bejkona, Endija Vorhola i dr. Široko su zastupljeni i ruski umetnici: Naum Gabo, Vasilij Kandinski, Kazimir Malevič.