Norman po rođenju, Nicolas Poussin (1594-1665) rođen je u Les Andelysu, gradić na obalama Sene. Mladi Poussin je dobio dobro obrazovanje i mogućnost proučavanja početnih faza umjetnosti umjetnika. Više o tajnama zanatstva naučio je nakon preseljenja u Pariz, gdje je učio kod majstora.
Slikar portreta Ferdinand Van Elle postao je prvi mentor mladog slikara, a kasnije je Poussin učio kod majstora koji je slikao crkve Quentina Varennea i dvorskog umjetnika Georgesa Lallemanda, koji se pridržavao relativno novog stila manirizma u to vrijeme. Kopiranje slika priznatih majstora slikarstva pomoglo mu je i da se „popravi“ u Luvru.
Prvi period stvaralaštva u Italiji
Godine 1624. ime Poussin je već bilo poznato među poznavaocima slikarstva, a i sam je bio sve više fasciniran radom talijanskih majstora. Odlučivši da je sve što je mogao naučio od svojih francuskih mentora, Poussin se preselio u Rim. Pored italijanskog slikarstva, Pusen je veoma cenio i poeziju, ponajviše zahvaljujući poznanstvu sa Giambattistom Marinom, predstavnikom galantne poezije. Sprijateljili su se u Parizu, a Nikola je ilustrovao pesmu svog prijatelja „Adonis“. Od ranog pariškog perioda umetnikovog stvaralaštva do danas su sačuvane samo ilustracije.
Poussin je studirao matematiku i anatomiju, skulpture iz antike služile su mu kao modeli za skice, a naučni radovi Durera i da Vincija pomogli su mu da shvati kako su proporcije ljudsko tijelo treba prenijeti na vizualna umjetnost. Stekao je teorijska znanja iz geometrije, optike i zakona perspektive.
Carracci, Tizian, Raphael i Michelangelo - djela ovih majstora duboko su impresionirala francuski slikar. Prve godine njegovog života u Rimu bile su vrijeme traženja vlastitog stila, a njegov rad su tada karakterizirali oštri uglovi, tamni tonovi i obilje senki. Kasnije se njegov umjetnički stil promijenio, shema boja je postala toplija, a elementi slika podređeni su jednom centru. Tema stvaralaštva tog vremena bile su herojske priče i radnje antičke mitologije.
Po narudžbi jednog od Poussinovih rimskih pokrovitelja, Cassiano del Pozzo, umjetnik je stvorio seriju slika pod nazivom "Sedam sakramenata", a "Razbijanje Jerusalema" i "Silovanje Sabinjanki" donijele su mu širu slavu. Mitološkim temama svojih slika dodao je moderne trendove, pojednostavljujući kompoziciju i pomerajući radnju u prvi plan slike. Poussin je nastojao da postigne prirodnost u pozicijama likova i da njihovim gestovima i izrazima lica da jasno značenje. Harmonija i jedinstvo sa prirodom, karakteristično za antičke mitove, inspirisalo je umetnika to se može videti na slikama „Venera i satire“, „Diana i Endimion“, „Obrazovanje Jupitera“.
Ovidijeve "Metamorfoze" poslužile su kao osnova za "Kraljevstvo Flore" postala je svojevrsna himna ponovnom rođenju i proljetnoj obnovi prirode. Ranije stečeno teorijsko znanje omogućilo mu je da precizno prati prihvaćene zakone kompozicije, a tople, jasne boje učinile su slike istinski živima (“Tankred i Erminija”, “Venera i pastiri”). Dodatnu tačnost slikama je dala prethodna priprema: izrađivao je modele voštanih figura, a prije početka rada na slici eksperimentirao je s igrom svjetlosti i položajem ovih figura.
Pariške intrige i povratak u Rim
Najuspješnije godine u Pusinovoj karijeri bile su godine koje je proveo radeći na uređenju galerije Louvre na poziv kardinala Richelieua (druga polovina 30-ih). Dobivši titulu prvog kraljevskog slikara, radio je i na galerijskim i na mnogim drugim narudžbama. Takav uspjeh nije povećao njegovu popularnost među kolegama slikarima, a posebno su bili nezadovoljni oni koji su se prijavili za rad u Luvru.
Intrige loše volje natjerale su umjetnika da napusti Pariz i 1642. godine ponovo se preseli u Rim. Tokom ovog perioda stvaralaštva (do 50-ih godina), Biblija i Jevanđelje postali su izvor tema za Poussinove slike. Ako u ranih radova vladao je prirodni sklad, sada su junaci slika biblijski i mitološki likovi koji su izvojevali pobjedu nad svojim strastima i posjedovali snagu volje (Koriolan, Diogen). Ikonična slika tog perioda je “ Arkadijski pastiri“, kompozicijski govoreći o neminovnosti smrti i mirnom prihvatanju ove svijesti. Ova slika je postala primjer klasicizma, umjetnikov stil je dobio suzdržaniji karakter, ne tako emocionalno lirski kao u djelima prvog rimskog razdoblja. Kontrast nekoliko boja postao je dominantan u shemi boja.
Umjetnik nije imao vremena da dovrši svoje posljednje djelo, "Apolon i Dafna", ali je u njegovim slikama formiran francuski klasicizam.
Ne može svako uhvatiti pticu sreće po njenom šarenom repu. I, nažalost, nije svima predodređeno da veličaju svoje ime tako naširoko kao oni talentovana osoba, koji je u svom arsenalu imao samo par kistova, paletu i platno. Nicolas Poussin– izvanredan francuski umetnik i jedan od osnivača koji su stajali na početku klasicizma.
1594. godine u Normandiji, u blizini grada Le Andely, rođen je dječak koji je od djetinjstva pokazivao zadivljujući uspjeh u crtanju. Nakon punoljetstva, Nikola odlazi u francusku prijestolnicu da se posveti upornom slikarstvu. U Parizu ima talenata mladi čovjek vidio ga je slikar portreta Ferdinand Van Elle, koji je postao Pusinov prvi učitelj. Nakon nekog vremena, na mjesto učitelja dolazi slikar Georges Lallemant. Ovo poznanstvo je Nicholasu donijelo dvostruku korist: pored mogućnosti da usavrši svoje vještine pod strogim vodstvom eminentnog mentora, Poussin je dobio pristup Luvru, gdje je kopirao slike Italijanski umjetnici Renesansa.
Do tada karijera mladi umetnik uzimao je zamah, a u glavi mu se vrtjelo od spoznaje na koje visine bi se mogao popeti ako nastavi vredno raditi. Stoga, kako bi poboljšao svoje vještine, Poussin je otišao u Rim - svojevrsnu Meku za sve umjetnike tih godina. Ovdje je umjetnik aktivno "grizao granit nauke", proučavajući radove , i . Fokusiranje na velike prethodnike i komunikaciju sa njima savremeni umetnici, Poussin se aktivno uključio u antiku i naučio je izmjeriti proporcije kamenih skulptura sa fantastičnom preciznošću.
Izvor svoje inspiracije umjetnik je vidio u poeziji, pozorištu, filozofskim raspravama i biblijskim temama. Upravo ta kulturna baza mu je pomogla da na svojim slikama prikriveno demonstrira sliku svog savremenog doba. Junak Nikolinih dela je idealizovana ličnost.
U Rimu je Nicolas Poussin proslavio svoje ime, autoritativnom majstoru je povjereno slikanje katedrala, a narudžbine su bile za platna s klasičnim ili povijesnim temama. Jedna od njih bila je slika “Smrt Germanika”, koja je nastala prema djelu istoričara Tacita. Naslikana je 1627. godine, a umjetnik je prikazao posljednje minute života rimskog zapovjednika.
Jedinstvenost platna leži u činjenici da je kombinirao apsolutno sve karakteristike klasicizma, čija se ljepota za Poussin ogledala u proporcionalnosti svakog dijela, jasnoći kompozicije i slijedu radnji.
Nakon “Smrti Germanika” i do 1629. godine, umjetnik je stvorio još nekoliko slika, među kojima posebno mjesto zauzima slika “Silazak s krsta”.
Na slici, koja se sada nalazi u Ermitažu, Poussin je veliku pažnju posvetio tužnom licu Marije, prenoseći tugu cijelog naroda za preminulim Spasiteljem. Zloslutna crvena pozadina i tamno nebo simboli su skorog časa polaganja računa za ono što je učinjeno. Ali snježnobijela odjeća Isusa Krista je još snažnija u kontrastu s grimiznom pozadinom slike. Spasiteljeve noge su žalosno stisnule nedužne anđele.
U narednih nekoliko godina majstor je dao prednost mitološke priče. Za kratko vrijeme naslikana je slika „Tankred i Erminija“ koja je nastala prema pjesmi „Oslobođeni Jerusalim“ Torkvata Tasa i platnu „Kraljevstvo Flore“, napisanom pod uticajem Ovidija.
Ubrzo nakon završetka radova, na poziv kardinala Richelieua, Nicolas Poussin se vratio u Pariz da ukrasi galeriju Louvre. Godinu dana kasnije, Luj XIII se zainteresovao za umetnikov talenat. Ubrzo je Poussin postao prvi slikar na dvoru. Umjetnik je dobio željenu slavu, a narudžbe su pljuštale na njega kao iz roga izobilja. No, Pusinov slatki okus trijumfa pokvarili su zavidni tračevi umjetničke elite, koja je 1642. prisilila Nikolu da napusti Pariz i vrati se u Rim.
Od tog vremena do kraja svojih dana, Poussin je živio u Italiji. Ovaj period postao je najplodonosniji za umjetnika i bogat briljantnim djelima, među kojima posebno mjesto zauzima ciklus „Godišnja doba“.
Radnja je zasnovana na događajima opisanim u Starom zavjetu, koje je umjetnik alegorijski uporedio s godišnjim dobima, poistovjećujući svako s periodom rođenja, sazrijevanja, starenja i smrti. U jednom djelu, Poussin je prikazao planinski krajolik zemlje Kanaana, poznate po svojoj plodnosti, i Abrahama i Lota kako beru grožđe, kao simbol božanske velikodušnosti. A umjetnik je prikazao kraj grešnog života u posljednjoj slici ciklusa, čiji izgled može zadiviti i najupornije gledatelje.
IN poslednjih godina Poussin je aktivno slikao pejzaže i brzo je radio kako bi završio početak slike. Umjetnik nije imao vremena da dovrši samo sliku "Apolon i Dafna".
Nicolas Poussin stavio je svoje ime u ravan sa slavnim majstorima iz čijeg je iskustva nekada učio.
Masters istorijsko slikarstvo Ljahova Kristina Aleksandrovna
Nicolas Poussin (1594–1665)
Nicolas Poussin
Unatoč činjenici da je Poussin bio vrlo popularan u Italiji i redovno primao narudžbe, u njegovoj domovini, Francuskoj, dvorski umjetnici su negativno govorili o njegovom radu. I sam Poussin, primoran da živi na francuskom dvoru, žudio je za sunčanom Italijom i pisao je elokventna pisma svojoj ženi, u kojima je sebi predbacivao što je stavio omču oko vrata i želio se osloboditi moći "ovih životinja" i vrati se u svoju radionicu i napravi pravu umjetnost.
Francuski umjetnik Nicolas Poussin rođen je u Normandiji, u blizini grada Les Andelys. Otac mu je bio vojnik, porodica je živela slabo. O Nikolinom djetinjstvu i mladosti sačuvano je dosta podataka. Vjeruje se da je njegov prvi učitelj bio Quentin Varenne, putujući umjetnik koji je došao u područje gdje je Poussin živio.
Varen nije dugo živeo na istom mestu - ubrzo je otišao u Pariz. Nikola je, zainteresovavši se za crtanje, potajno otišao native home i krenuo za svojim učiteljem. U Parizu nije postigao uspjeh i ubrzo ga je napustio. Samo nekoliko godina kasnije umjetnik se vratio i neko vrijeme živio u glavnom gradu.
Poussin nije bio zainteresiran samo za slikarstvo: studirao je matematiku i anatomiju, čitao djela antičkih pisaca, a divio se i djelima renesansnih majstora. Pošto Nikola nije imao priliku da putuje u Italiju, upoznao se sa delima Rafaela, Ticijana i drugih umetnika kroz gravure.
Dok je živeo u Parizu, Poussin je studirao slikarstvo u radionicama J. Lallemanda i F. Elleta. Mladić se pokazao kao talentovan učenik i brzo je naučio sve svoje lekcije. Ubrzo je Nikola počeo da slika svoje slike, što ga je okarakterisalo kao afirmisanog majstora. Poussinova popularnost se povećavala svake godine, a krajem 1710-ih (Nicholas još nije imao dvadeset pet godina) već je dovršavao narudžbe za Luksemburšku palatu u Parizu. Ubrzo je umjetnik dobio narudžbu za izradu velike oltarne slike Uspenja Majke Božje.
Otprilike u to vreme, Pusen je upoznao italijanskog pesnika, kavalira Marina, čije su pesme u to vreme bile veoma popularne. Na Marinov zahtev, umetnik je završio ilustracije za Ovidijevu pesmu „Metamorfoze“, a zatim i za sopstvenu pesmu „Adonis“.
Zahvaljujući uspješnim narudžbama, Poussin je ubrzo uspio uštedjeti novac da ispuni svoj san - putovanje u Italiju. Godine 1624. napustio je Pariz, gdje je već postao poznat, i otišao u Rim.
Dolaskom u glavni grad Italije, Poussin je imao priliku da se upozna sa radovima poznati umetnici koje je već poznavao iz gravura. Međutim, nije samo šetao po katedralama i galerijama, diveći se i skicirajući ono što je vidio. Vrijeme provedeno u Rimu iskoristio je da dopuni svoje obrazovanje. Poussin je pažljivo pregledao i izmjerio statue, pažljivo pročitao djela Albertija, Leonarda da Vincija, Dürera (sačuvane su umjetnikove ilustracije za jedan od popisa da Vinčijevih djela).
IN slobodno vrijeme Poussin je bio zainteresovan za nauku i mnogo je čitao. Zahvaljujući svom sveobuhvatnom obrazovanju, stekao je reputaciju erudita i umjetnika-filozofa. Njegov prijatelj i mušterija Cassiano del Pozzo imao je snažan utjecaj na formiranje Poussinove ličnosti.
N. Poussin. „Rinaldo i Armida“, 1625–1627, Puškinov muzej, Moskva
Poussin je često uzimao teme za svoje slike iz književnosti. Na primjer, motiv za stvaranje platna „Rinaldo i Armida“ (1625–1627, Puškinov muzej, Moskva) bila je pjesma Torkvata Tasa „Oslobođeni Jerusalim“.
U prvom planu je usnuli Rinaldo, vođa krstaša. Zla čarobnica Armida se sagnula nad njim s namjerom da ga ubije. Međutim, Rinaldo je toliko zgodan da Armida ne može ispuniti svoj plan.
Ovo djelo je napisano u tradiciji baroknog stila, popularnog u to vrijeme: uvedeni su dodatni likovi, na primjer, na desnoj strani platna majstor je prikazao boga rijeke koji je uspavljivao Rinalda zvukom vode, a lijevo - kupidi koji se igraju oklopom.
U 1626-1627, umjetnik je stvorio istorijsku sliku "Smrt Germanika" (Institut za umjetnost, Minneapolis). Poussin je savršeno prenio sliku hrabrog zapovjednika, nade Rimljana, otrovanog po naredbi zavidnog cara Tiberija, koji nikome nije vjerovao.
Germanik leži u krevetu oko kojeg se gomilaju vojnici. Osjeća se njihova zbunjenost zbog onoga što se dogodilo, a ujedno i njihova odlučnost i želja da kazne odgovorne za smrt komandanta.
Radovi su donijeli Poussin uspjeh, a ubrzo je dobio počasni orden za izradu oltarne slike za katedralu Svetog Petra. Godine 1628. umjetnik je završio sliku „Mučeništvo sv. Erazmo“ (Vatikanska Pinakoteka, Rim), a ubrzo nakon toga – „Silazak sa krsta“ (oko 1630. Ermitaž, Sankt Peterburg). Obje ove slike najbliže su baroknoj tradiciji.
Zatim se majstor vratio Tasovom radu i naslikao sliku „Tankred i Erminija“ (1630-e, Ermitaž, Sankt Peterburg). Gledaocu je predstavljen ranjeni Tancred koji leži na zemlji. Njegov prijatelj Vafrin pokušava da ga podrži, Erminia žuri do njih.
Upravo je sjahala sa konja i brzim pokretom ruke mačem odsjekla pramen kose kako bi previla ranu voljene osobe.
Tridesetih godina, Poussin je naslikao i druga djela, od kojih je najpoznatije djelo “Arkadijski pastiri” (između 1632. i 1635., zbirka vojvode od Devonshirea, Chasworth; verzija 1650., Louvre, Pariz). Istovremeno, umjetnik je ispunio nalog kardinala Richelieua i stvorio niz vakhanalija za ukrašavanje svoje palače. Od ovih slika sačuvana je samo jedna - „Trijumf Neptuna i Amfitrite“ (Muzej umjetnosti, Filadelfija).
Umjetnikova popularnost je brzo rasla, a ubrzo je već bio poznat u Francuskoj. Gospodar je dobio poziv da se vrati u domovinu, ali je put odlagao koliko je mogao. Konačno je dobio pismo od kralja Luja XIII, koji mu je naredio da odmah posluša naređenje.
U jesen 1640. godine, Poussin je stigao u Francusku i bio imenovan, prema kraljevskom dekretu, za vođu svih umetničko delo održava u kraljevskim palatama. U Parizu su ga dočekali prilično hladno - dvorskim umjetnicima nisu se svidjele njegove slike, bili su ljubomorni na njegov uspjeh i počeli su da pletu intrige protiv Nikole. Sam Poussin je zauzvrat pokušao pronaći priliku da se vrati u Italiju. U jednom od svojih pisama je rekao: „...ako ostanem u ovoj zemlji, moraću da se pretvorim u prljavog momka, kao i drugi koji su ovde.“
Dvije godine kasnije, Poussin navodi da je navodno dobio pismo iz kojeg je saznao da mu je žena teško bolesna. Pod tim izgovorom vraća se u Italiju i ostaje u ovoj zemlji do kraja života, gdje je uvijek bio tako srdačno primljen.
Među slikama naslikanim u Francuskoj najuspješnije su „Vrijeme čuva istinu od zavisti i razdora“ (1642, Muzej, Lille) i „Čudo sv. Franje Ksavijera" (1642, Luvr, Pariz).
Poussinove sljedeće kompozicije već su bile izvedene u stilu klasicizma. Jedan od mnogih zanimljivih radova smatra „Darežljivost Scipiona“ (1643, Puškinov muzej, Moskva). Zasnovan je na legendi o rimskom vojskovođi, osvajaču Kartage, Scipionu Afričkom, koji je po pravu pobjede dobio zarobljenu djevojku Lukreciju kao svoje vlasništvo. Međutim, on se obavezuje Plemeniti čin, koji pogađa ne samo njegovu pratnju, već i poražene Kartaginjane - Rimljanin, iako voli lijepu zarobljenicu, vraća je mladoženji.
Majstor je figure postavio na platno u jednom redu, kao na antičkom reljefu. Zahvaljujući tome, možete vidjeti pozu, gest i izraz lica svakog učesnika ovog događaja - Scipiona koji sjedi na tronu, mladoženja koji se s poštovanjem klanja pred njim, Lukretia koja stoji između njih, itd.
Na kraju života, Pusen se zainteresovao za nove žanrove - pejzaž i portret („Pejzaž s Polifemom“, 1649, Ermitaž, Sankt Peterburg; „Pejzaž sa Herkulom“, 1649, Puškinov muzej, Moskva; „Autoportret“ , 1650, Luvr, Pariz).
Umjetnik je bio toliko opčinjen pejzažom da je njegove elemente unio u još jednu istorijsku sliku - “Pogreb Fociona”, 1648, Louvre, Pariz). Heroja Fociona nepravedno su pogubili njegovi sugrađani. Njegove posmrtne ostatke bilo je zabranjeno sahraniti u njegovoj domovini.
N. Poussin. „Scipionova velikodušnost“, 1643, Puškinov muzej, Moskva
Na slici, Poussin je prikazao sluge kako nose Focionovo tijelo iz grada na nosilima.
U ovom djelu po prvi put se pojavljuje junakovo suprotstavljanje prirodi oko sebe - uprkos njegovoj smrti, život se nastavlja, volovska zaprega se polako kreće putem, konjanik galopira, pastir pase svoje stado.
Poslednji umetnikov rad bio je serijal pejzaža pod opštim nazivom „Godišnja doba“. Najzanimljivije slike su “Proljeće” i “Zima”. Na prvom, Poussin je prikazao Adama i Evu u raju u cvatu, na drugom, Potop.
Slika “Zima” bila je njegovo posljednje djelo. U jesen je umro Nicolas Poussin. Njegov rad je imao značajan uticaj na italijanske i francuske umetnike druge polovine 17. i 18. veka.
U 17. veku Španija je, za razliku od evropskih zemalja poput Holandije i Engleske, bila zaostala i reakcionarna država. autor Ljahova Kristina Aleksandrovna
Jacopo Tintoretto (1518–1594) Jacopo Tintoretto je rođen i odrastao u jednom od skromnih kvartova Venecije na Fondamenta dei Mori. Tamo je osnovao porodicu i proživeo ceo život. Nezainteresovan i ravnodušan prema bogatstvu i luksuzu, umjetnik često slika
Iz knjige Remek-djela Evropski umetnici autor Morozova Olga VladislavovnaNicolas Poussin (1594–1665) Uprkos činjenici da je Poussin bio veoma popularan u Italiji i redovno dobijao narudžbine, u njegovoj domovini, Francuskoj, dvorski umjetnici su negativno govorili o njegovom radu. I sam Poussin, primoran da živi na francuskom dvoru, žudio je za suncem
Iz autorove knjigeWillem Claes Heda (1593/1594–1680/1682) Mrtva priroda s rakom 1650–1659. Nacionalna galerija, London Holandsko slikarstvo U 17. vijeku slika mrtve prirode postaje široko rasprostranjena. Žanr je karakterizirao niz "podžanrova". Svaki se majstor obično držao svoje teme
Na malo drugačijem planu odvijao se razvoj slikarstva klasicizma, čiji je osnivač i glavni predstavnik bio najveći francuski umjetnik 17. stoljeća. Nicolas Poussin.
Umjetnička teorija klasicističkog slikarstva, čija su osnova bili zaključci talijanskih teoretičara i tvrdnje Poussina, koji su se u drugoj polovini 17. stoljeća pretvorili u dosljednu doktrinu, ideološki ima mnogo zajedničkog s teorijom klasicističke književnosti i drama. Također naglašava društveni princip, trijumf razuma nad osjećajem i važnost antičke umjetnosti kao neospornog primjera. Prema Poussin-u, umjetničko djelo treba da podsjeća osobu “na kontemplaciju vrline i mudrosti, uz pomoć kojih će moći ostati čvrst i nepokolebljiv pred udarcima sudbine”.
U skladu sa ovim zadacima razvijen je sistem likovnih sredstava, korišćenih u likovnoj umetnosti klasicizma, i strogo regulisanje žanrova. Vodeći žanr smatralo se takozvano istorijsko slikarstvo, koje je uključivalo kompozicije na istorijske, mitološke i biblijske teme. Stepen ispod su bili portret i pejzaž. Svakodnevni žanr i mrtva priroda su praktično izostajale iz klasičnog slikarstva.
Ali Poussin je manje od Francuski dramski pisci, privučen formulisanjem problema ljudske društvene egzistencije, temom građanske dužnosti. Više ga je privlačila ljepota ljudskih osjećaja, razmišljanja o ljudskim sudbinama, njegov odnos prema svijetu oko sebe, tema poetsko stvaralaštvo. Posebno treba istaći važnost teme prirode za Poussinov filozofski i umjetnički koncept. Priroda, koju je Poussin doživljavao kao najviše oličenje racionalnosti i ljepote, životna je sredina njegovih junaka, arena njihovog djelovanja, važna, često dominantna komponenta u figurativnom sadržaju slike.
Za Poussin je antička umjetnost najmanje bila zbir kanonskih tehnika. Poussin je uhvatio glavnu stvar u antičkoj umjetnosti - njen duh, njenu životnu osnovu, organsko jedinstvo visoke umjetničke generalizacije i osjećaja punoće bića, figurativnog sjaja i velikog društvenog sadržaja.
Pusinovo delo pada na prvu polovinu veka, obeleženo usponom društvenih i umetnički život u Francuskoj i aktivna društvena borba. Otuda opšta progresivna usmerenost njegove umetnosti, bogatstvo njenog sadržaja. Drugačija situacija se razvija u poslednjim decenijama 17. veka, u periodu najvećeg jačanja apsolutističkog ugnjetavanja i suzbijanja progresivnih pojava društvene misli, kada se centralizacija širi na umetnike udružene u Kraljevsku akademiju i primorava da svojom umetnošću služe veličanju. monarhije. U tim uvjetima njihova umjetnost gubi svoj duboki društveni sadržaj, a do izražaja dolaze slabe, ograničene crte klasicističke metode.
I umjetnici klasicizma i "slikari stvarnog svijeta" bili su bliski naprednim idejama tog doba - visoka ideja dostojanstva čovjeka, želja za etičkom procjenom njegovih postupaka i jasna percepcija svijet, očišćen od svega nasumično. Zbog toga su oba smjera u slikarstvu, unatoč razlikama među njima, bila u bliskom kontaktu jedan s drugim.
Poussin je rođen 1594. u blizini grada Andely u Normandiji u siromašnoj vojničkoj porodici. Vrlo malo se zna o Poussinovoj mladosti i njegovom ranom radu. Možda mu je prvi učitelj bio lutajući umjetnik Quentin Varen, koji je ovih godina posjetio Andelija, susret s kojim je bio presudan u određivanju mladog umjetničkog poziva. Prateći Varennea, Poussin tajno napušta roditelje rodnom gradu i odlazi u Pariz. Međutim, ovo putovanje mu ne donosi sreću. Samo godinu dana kasnije po drugi put se vraća u glavni grad i tamo provodi nekoliko godina. Već u mladosti, Poussin otkriva veliku odlučnost i neumornu žeđ za znanjem. Proučava matematiku, anatomiju, antičku književnost i upoznaje se sa djelima Raphaela i Giulija Romanea iz gravura.
U Parizu se Poussin susreće sa modernim italijanskim pesnikom Kavalirom Marinom i ilustruje njegovu pesmu „Adonis“. Ove ilustracije koje su preživjele do danas jedina su pouzdana Poussinova djela iz njegovog ranog pariškog perioda. Godine 1624. umjetnik je otišao u Italiju i nastanio se u Rimu. Iako je Poussin bio predodređen da gotovo cijeli život živi u Italiji, on je strastveno volio svoju domovinu i bio je usko povezan s tradicijama francuske kulture. Bio je stran karijerizmu i nije bio sklon lakom uspjehu. Njegov život u Rimu bio je posvećen upornom i sistematičnom radu. Poussin je skicirao i izmjerio antičke statue, nastavio studije nauke i književnosti i proučavao traktate Albertija, Leonarda da Vincija i Durera. Ilustrovao je jedan od primjeraka Leonardove rasprave; Trenutno se ovaj najvredniji rukopis nalazi u Ermitažu.
Pusinova kreativna potraga 1620-ih. bile veoma teške. Gospodar je hodao dug put da kreirate svoje umjetnička metoda. Antička umjetnost i umjetnici renesanse bili su mu najveći uzori. Među bolonjskim majstorima svog vremena cijenio je najstrožeg od njih, Domenichina. Iako je imao negativan stav prema Caravaggiu, Poussin ipak nije ostao ravnodušan prema njegovoj umjetnosti.
Tokom 1620-ih godina. Poussin je, nakon što je već krenuo na put klasicizma, često oštro izlazio izvan njegovog okvira. Njegove slike kao što su “Masakr nevinih” (Chantilly), “Mučeništvo sv. Erazmo“ (1628., Vatikanska Pinakoteka), obilježeni su crtama bliskosti karavagizmu i baroku, poznatom redukcijom slika i pretjeranim dramatičnim tumačenjem situacije. Neuobičajeno za Poussina u svom pojačanom izrazu u prenošenju osjećaja srceparajuće tuge je Ermitažni “Silazak s krsta” (oko 1630.). Dramatičnost situacije ovdje je pojačana emocionalnom interpretacijom krajolika: radnja se odvija na pozadini olujnog neba s odsjajima crvene, zlokobne zore. Drugačiji pristup karakterizira njegova djela, izvedena u duhu klasicizma.
Kult razuma jedna je od glavnih osobina klasicizma, pa stoga nijednog od velikih majstora 17. stoljeća. racionalni princip ne igra tako značajnu ulogu kao kod Poussina. Sam majstor je rekao da percepcija umjetničkog djela zahtijeva koncentrisano razmišljanje i naporan rad misli. Racionalizam se ogleda ne samo u Pusinovom namjernom pridržavanju etičkog i umjetničkog ideala, već iu vizualnom sistemu koji je stvorio. Izgradio je teoriju takozvanih modusa, koju je pokušao slijediti u svom radu. Pod modusom, Poussin je podrazumijevao svojevrsni figurativni ključ, zbir tehnika figurativno-emocionalne karakterizacije i kompozicionih i slikovnih rješenja koja su najviše odgovarala izrazu određene teme. Poussin je ovim modovima dao imena na osnovu grčkih naziva za različite modove muzičke strukture. Tako, na primjer, temu moralnog postignuća umjetnik utjelovljuje u strogim, strogim oblicima, koje je Poussin ujedinio u konceptu „dorijskog modusa“, teme dramske prirode - u odgovarajućim oblicima „frigijskog modusa“ , radosne i idilične teme - u oblicima “jonskog” i “lidijskog” modusa. Snaga Poussinovih djela su dostignuća postignuta kao rezultat toga umjetničke tehnike jasno izražena ideja, jasna logika, visok stepen kompletnosti plana. Ali u isto vrijeme, podređivanje umjetnosti određenim stabilnim normama, unošenje u nju racionalističkih aspekata predstavljalo je i veliku opasnost, jer je to moglo dovesti do prevlasti nepokolebljive dogme, umrtvljenja živih bića. kreativni proces. To je upravo ono do čega su došli svi akademici, slijedeći samo vanjske metode Pussina. Kasnije se s ovom opasnošću suočio i sam Poussin.
Poussin. Germanikova smrt. 1626-1627 Minneapolis, Institut za umjetnost.
Jedan od karakterističnih primjera idejnog i umjetničkog programa klasicizma može biti Poussinova kompozicija „Smrt Germanika“ (1626/27; Mineapolis, Institut umjetnosti). Ovdje je indikativan sam izbor heroja - hrabrog i plemenitog zapovjednika, uporišta najboljih nada Rimljana, otrovanog po naredbi sumnjivog i zavidnog cara Tiberija. Slika prikazuje Germanika na samrtnoj postelji, okružen porodicom i odanim vojnicima, obuzet općim osjećajem uzbuđenja i tuge.
Veoma plodno za Pusinovo delo bila je njegova fascinacija Tizianovom umetnošću u drugoj polovini 1620-ih. Pozivanje na Ticijanovu tradiciju doprinijelo je otkrivanju najživljih strana Poussinovog talenta. Uloga Tizianovog kolorizma također je bila velika u razvoju Poussinovog umjetničkog talenta.
Poussin. Kraljevina Flora. Fragment. UREDU. 1635 Dresden, Galerija slika.
Na njegovoj moskovskoj slici „Rinaldo i Armida“ (1625-1627), čija je radnja preuzeta iz Tasove pesme „Oslobođeni Jerusalim“, epizoda iz legende o srednjovekovnom viteštvu tumači se pre kao motiv iz antičke mitologije. Čarobnica Armida, nakon što je pronašla usnulog viteza križara Rinalda, vodi ga k sebi magične bašte, a konji Armide, koji vuku svoja kola kroz oblake i jedva sputani od lijepih djevojaka, slični su konjima boga sunca Heliosa (ovaj motiv kasnije se često nalazi na Poussinovim slikama). Moralna visina osobe određena je za Poussin usklađenošću njegovih osjećaja i postupaka s razumnim zakonima prirode. Stoga je Poussin ideal osoba koja živi samac sretan život sa prirodom. Umjetnik je ovoj temi posvetio slike 1620-1630-ih, kao što su „Apolon i Dafna” (Minhen, Pinakoteka), „Bakanalija” u Luvru i Nacionalnoj galeriji u Londonu i „Kraljevstvo flore” (Drezden, Galerija). On vaskrsava svijet drevnih mitova, gdje su mračni satiri, vitke nimfe i veseli kupidi prikazani u jedinstvu sa lijepom i radosnom prirodom. Nikada kasnije u Poussinovu stvaralaštvu se ne pojavljuju tako spokojne scene, tako šarmantne ženske slike.
Konstrukcija slika, gdje su plastično opipljive figure uključene u cjelokupni ritam kompozicije, ima jasnoću i cjelovitost. Posebno je izražajno uvijek jasno definisano kretanje figura, ovo, po Poussinovim riječima, „govor tijela“. Šema boja, često zasićena i bogata, također je podložna promišljenom ritmičkom odnosu šarenih mrlja.
1620-ih godina. stvorena je jedna od Poussinovih najzanimljivijih slika - Drezdenska "uspavana Venera". Motiv ove slike - lik božice uronjene u san okružene prekrasnim pejzažom - seže u primjere venecijanske renesanse. Međutim, u ovom slučaju umjetnik je od renesansnih majstora dobio ne idealnost slika, već njihovu drugu bitnu kvalitetu - ogromnu vitalnost. Na Poussinovoj slici, upravo tip boginje, mlada djevojka ružičastog lica od sna, sa vitkom, gracioznom figurom, puna je takve prirodnosti i neke posebne intimnosti osjećaja da se ova slika čini zgrabljenom pravo iz života. Za razliku od spokojnog mira usnule boginje, još se jače osjeća gromoglasna napetost vrelog dana. Na slici u Drezdenu, Pusinova veza s Tizianovim kolorizmom je opipljivija nego bilo gdje drugdje. U poređenju sa ukupnim smeđkastim, bogatim tamnozlatnim tonom slike, posebno se lijepo ističu nijanse nagog tijela boginje.
Poussin. Tancred i Erminia. 1630-ih Lenjingrad, Ermitaž.
Slika Ermitaža „Tankred i Erminija“ (1630-e) posvećena je dramatičnoj temi ljubavi Amazonke Erminije prema vitezu krstašu Tankredu. Njegova radnja je također preuzeta iz Tassoove pjesme. U pustinjskom području, na kamenitom tlu, Tancred, ranjen u dvoboju, ispružen je. Podržava ga brižnom nježnošću pravi prijatelj Waffrin. Erminija, tek što je sjahala s konja, juri ka svom ljubavniku i brzim zamahom blistavog mača odsiječe pramen svoje plave kose da mu previje rane. Njeno lice, njen pogled prikovan za Tankreda, brzi pokreti njene vitke figure inspirisani su velikim unutrašnji osećaj. Emocionalno ushićenje junakinjine slike naglašeno je shemom boja njene odjeće, gdje kontrasti sivo-čeličnih i tamnoplavih tonova zvuče pojačanom snagom, a opće dramatično raspoloženje slike nalazi svoj odjek u pejzažu ispunjenom vatreni sjaj večernje zore. Tankredov oklop i Erminijin mač odražavaju sve ovo bogatstvo boja u svojim odrazima.
Kasnije se ispostavlja da je emocionalni trenutak u Poussinovu djelu više povezan s organizacionim principom uma. U radovima iz sredine 1630-ih. umjetnik postiže harmoničan balans između razuma i osjećaja. Slika herojskog, savršen muškarac kao oličenje moralne veličine i duhovne snage.
Primjer duboko filozofskog razvoja teme u Poussinovu djelu daju dvije verzije kompozicije "Arkadijski pastiri" (između 1632. i 1635., Chasworth, zbirka vojvode od Devonshirea, vidi ilustraciju i 1650, Louvre). Mit o Arkadiji, zemlji spokojne sreće, često je bio oličen u umjetnosti. Ali Poussin je u ovoj idiličnoj radnji izrazio duboku ideju o prolaznosti života i neminovnosti smrti. Zamišljao je pastire kako neočekivano vide grobnicu sa natpisom „I bio sam u Arkadiji...“. U trenutku kada je osoba ispunjena osjećajem sreće bez oblaka, čini se da čuje glas smrti – podsjetnik na krhkost života, na neizbježni kraj.
Poussin. Arkadijski pastiri. Između 1632. i 1635. godine Chasworth, zbirka vojvode od Devonshirea.
U prvoj, emotivnijoj i dramatičnijoj londonskoj verziji, jasnije je izražena zbunjenost pastira, kao da su se iznenada pojavili pred licem smrti koja je upala u njihov svijetli svijet. U drugoj, mnogo kasnijoj verziji Louvrea, lica junaka nisu ni zamagljena, oni ostaju mirni, doživljavajući smrt kao prirodni obrazac. Ova ideja je s posebnom dubinom utjelovljena u liku lijepe mlade žene, čijem je izgledu umjetnik dao crte stoičke mudrosti.
Poussin. Pesnikova inspiracija. Između 1635. i 1638. godine Pariz, Luvr.
Slika u Luvru "Inspiracija pesnika" primer je kako Poussin utjelovljuje apstraktnu ideju u dubokoj, posednutoj velika snaga uticaj slika. U suštini, čini se da radnja ovog djela graniči s alegorijom: vidimo mladog pjesnika okrunjenog vijencem u prisustvu Apolona i Muze - ali najmanje od svega na ovoj slici je alegorijska suhoća i namišljenost. Ideja slike - rođenje ljepote u umjetnosti, njen trijumf - ne doživljava se kao apstraktna ideja, već kao konkretna, figurativna ideja. Za razliku od onih uobičajenih u 17. veku. alegorijske kompozicije, čije su slike objedinjene izvana i retorički, sliku Louvrea karakterizira unutrašnje ujedinjenje slika zajedničkom strukturom osjećaja, idejom uzvišene ljepote kreativnosti. Slika prekrasne muze na Poussinovoj slici podsjeća na najpoetičnije ženske slike u umjetnosti klasične Grčke.
Kompozicijska struktura slike je na svoj način uzorna za klasicizam. Odlikuje se velikom jednostavnošću: lik Apolona postavljen je u središte, s obje njegove strane simetrično su smješteni likovi muze i pjesnika. Ali u ovoj odluci nema ni najmanje suvoće ili izvještačenosti; manji, suptilni pomaci, zaokreti, pokreti figura, drvo gurnuto u stranu, leteći kupid - sve ove tehnike, ne lišavajući kompoziciju jasnoće i ravnoteže, unose u nju onaj osjećaj života koji razlikuje ovo djelo od konvencionalno shematskog kreacije akademika koji su imitirali Poussina.
U procesu razvijanja umjetničkog i kompozicionog koncepta Poussinovih slika, njegovi prekrasni crteži bili su od velike važnosti. Ove sepia skice, izvedene sa izuzetnom širinom i smelošću, zasnovane na suprotstavljanju tačaka svetlosti i senke, igraju pripremnu ulogu u pretvaranju ideje dela u zaokruženu slikovnu celinu. Žive i dinamične, one kao da odražavaju svo bogatstvo umjetnikove stvaralačke mašte u potrazi za kompozicionim ritmom i emocionalnim ključem koji odgovara idejnom konceptu.
Poussin. Bacchanalia. Crtanje. Italijanska olovka, bistre. 1630-1640s Pariz, Luvr.
U narednim godinama, harmonično jedinstvo najboljih djela 1630-ih. se postepeno gubi. U Pousinovom slikarstvu rastu karakteristike apstrakcije i racionalnosti. Kriza kreativnosti naglo se pojačava tokom njegovog putovanja u Francusku.
Poussinova slava stiže do francuskog dvora. Nakon što je dobio poziv da se vrati u Francusku, Poussin odgađa putovanje na sve moguće načine. Samo hladno zapovjedno lično pismo kralja Luja XIII prisiljava ga na poslušnost. U jesen 1640. Poussin odlazi u Pariz. Putovanje u Francusku umetniku donosi mnogo gorkog razočarenja. Njegova umjetnost nailazi na žestok otpor predstavnika dekorativnog baroknog pokreta, predvođenih Simonom Vouetom, koji je radio na dvoru. Mreža prljavih intriga i denuncijacija “ovih životinja” (kako ih je umjetnik nazivao u svojim pismima) zapliće Poussin, čovjeka besprijekorne reputacije. Čitava atmosfera dvorskog života izaziva ga gađenje. Umjetnik, po njegovim riječima, treba da se izvuče iz omče koju je stavio oko vrata kako bi se ponovo bavio pravom umjetnošću u tišini svog ateljea, jer „ako ostanem u ovoj zemlji“, piše, „ja moraće da se pretvorim u prljavog momka, kao i drugi koji su ovde." Kraljevski dvor ne uspijeva privući velikog umjetnika. U jesen 1642, Poussin se, pod izgovorom bolesti svoje žene, vratio u Italiju, ovoga puta zauvijek.
Poussinovo djelo iz 1640-ih. obeležena obeležjima duboke krize. Ovu krizu objašnjavaju ne toliko naznačene činjenice iz umjetnikove biografije, već prvenstveno unutarnja proturječnost samog klasicizma. Živa stvarnost tog vremena bila je daleko od zadovoljavanja ideala racionalnosti i građanske vrline. Pozitivni etički program klasicizma počeo je gubiti tlo pod nogama.
Dok je radio u Parizu, Poussin nije mogao u potpunosti da napusti zadatke koji su mu dodijeljeni kao dvorskom umjetniku. Radovi pariskog perioda su hladne, službene prirode, jasno izražavaju crte barokne umjetnosti usmjerene na postizanje vanjskog efekta („Vrijeme čuva istinu od zavisti i razdora“, 1642, Lille, Muzej; „Čudo sv. Franje Ksavijera”, 1642, Luvr). Upravo su ovakav rad kasnije kao primjer doživljavali umjetnici akademskog kampa, na čelu s Charlesom Lebrunom.
Ali čak ni u onim djelima u kojima se majstor strogo držao klasicističke umjetničke doktrine, više nije postigao prethodnu dubinu i vitalnost slika. Racionalizam, normativnost, prevlast apstraktne ideje nad osećanjem i težnja za idealnošću karakteristična za ovaj sistem dobijaju u njemu jednostrano preuveličan izraz. Primjer je “Scipionova velikodušnost” u Muzeju likovnih umjetnosti. A. S. Puškin (1643). Prikazujući rimskog zapovjednika Scipiona Afrikanusa, koji se odrekao prava na zarobljenu kartaginjansku princezu i vratio je njenom mladoženju, umjetnik veliča vrlinu mudrog vojskovođe. Ali u ovom slučaju, tema trijumfa moralne dužnosti dobila je hladno, retoričko utjelovljenje, slike su izgubile vitalnost i duhovnost, geste su bile konvencionalne, dubina misli zamijenjena je umjetnošću. Likovi izgledaju smrznuto, kolorit je šarolik, s prevladavanjem hladnih lokalnih boja, stil slikanja odlikuje se neugodnom uglađenošću. Slične karakteristike karakterišu i one nastale 1644-1648. slike iz drugog ciklusa „Sedam sakramenata“.
Kriza klasične metode je utjecala prvenstveno kompozicije zapleta Poussin. Već od kasnih 1640-ih. Najveća umjetnikova dostignuća očituju se u drugim žanrovima - portretima i pejzažima.
Poussin. Auto portret. Fragment. 1650 Pariz, Luvr
Do 1650. jedan od naj značajna dela Poussin - njegov čuveni autoportret u Luvru. Za Poussin, umjetnik je prije svega mislilac. U eri kada je portret naglašavao osobine vanjske reprezentativnosti, kada je značaj slike određivala socijalna distanca koja odvaja model od običnih smrtnika, Poussin vidi vrijednost osobe u snazi njenog intelekta, u stvaralačkoj moći. A na autoportretu umjetnik zadržava strogu jasnoću kompozicijske strukture i jasnoću linearnih i volumetrijskih rješenja. Svojom dubinom ideološkog sadržaja i izuzetnom zaokruženošću, Pusinov “Autoportret” značajno nadmašuje djela francuskih portretista i pripada najbolji portreti evropska umjetnost 17. vijek.
Pusinova fascinacija pejzažom povezana je sa promenom. njegov pogled na svet. Nema sumnje da je Poussin izgubio onu integralnu ideju o čovjeku, koja je bila karakteristična za njegova djela 1620-1630-ih. Pokušaji utjelovljenja ove ideje u radnjama iz 1640-ih. dovelo do neuspeha. Sistem slike Poussin iz kasnih 1640-ih. izgrađen je na različitim principima. U djelima ovog vremena umjetnikov fokus je na slici prirode. Za Poussin, priroda je personifikacija najviše harmonije postojanja. Čovjek je u njemu izgubio svoju dominantnu poziciju. On se doživljava samo kao jedna od mnogih kreacija prirode, čijim je zakonima primoran da se povinuje.
Poussinovi slikoviti pejzaži nemaju isti osjećaj spontanosti koji je svojstven njegovim crtežima. Na njegovim slikama jače dolazi do izražaja idealno, generalizirajuće načelo, a priroda se u njima javlja kao nosilac savršene ljepote i veličine. Zasićeni velikim ideološkim i emotivnim sadržajem, Poussinovi pejzaži spadaju u najveće domete popularnog slikarstva 17. veka. takozvani herojski pejzaž.
Najveći francuski umjetnik 17. vijeka, Nicolas Poussin, rekao je da percepcija umjetničkog djela zahtijeva koncentrisano razmišljanje i naporan rad misli. “Moja priroda,” primijetio je, “privlači me da tražim i volim stvari koje su savršeno organizirane, izbjegavajući nered, koji mi je odvratan koliko i tama svjetlosti.” Ove riječi odražavale su estetske principe klasicizma, koje je Poussin ne samo slijedio, već je bio i njihov kreator u slikarstvu. klasicizam - umjetnički smjer i stil u književnosti i plastične umjetnosti Francuska 17. stoljeća - oslanjala se na antičko i renesansno nasljeđe i odražavala ideje javne dužnosti, razuma, uzvišenog herojstva i besprijekornog morala. Pokazalo se da je kreativna praksa mnogo šira od normativnih odredbi doktrine. Ispunjeni dubokom promišljanjem, Poussinovi radovi nas osvajaju prije svega životnom punoćom svojih slika. Privlačila ga je ljepota ljudskih osjećaja, razmišljanja o ljudskim sudbinama, tema poetskog stvaralaštva. Tema prirode kao najvišeg oličenja razumnog i prirodnog sklada bila je od posebne važnosti za Poussinov filozofski i umjetnički koncept.
Nicolas Poussin je rođen u blizini normandijskog grada Andelyja. Kao mladić, nakon nekoliko godina lutanja i kratkog rada u Parizu, nastanio se u Rimu, gdje je živio cijeli život. Jednom je, na insistiranje Luja XIII, morao da se vrati u Francusku na dve godine, ali njegovi stavovi i dela tamo nisu naišli ni na podršku ni na razumevanje, a sama atmosfera dvorskog života izazivala je gađenje.
Pusinova potraga je krenula teškim putem. Već na jednoj od svojih ranih slika, “Smrt Germanika” (1626-1628, Mineapolis, Institut za umjetnost), okreće se tehnikama klasicizma i anticipira mnoge svoje kasni radovi u oblasti istorijskog slikarstva. Germanik, hrabri i hrabri komandant, nada Rimljana, otrovan je po naredbi sumnjivog i zavidnog cara Tiberija. Slika prikazuje Germanika na samrtnoj postelji, okružen porodicom i odanim vojnicima. Ali nije lična tuga, već građanski patos – služenje otadžbini i dužnost – predstavlja figurativno značenje ove slike. Umirući Germanik polaže zakletvu na lojalnost i osvetu od rimskih legionara, strogih, snažnih i dostojanstvenih ljudi. Sve karaktera uređeno kao reljef.
Krenuvši na put klasicizma, Poussin je ponekad prelazio njegove granice. Njegove slike iz 1620-ih “Masakr nevinih” (Chantilly, Musée Condé) i “Mučeništvo svetog Erazma” (1628-1629, Vatikan, Pinakoteka) bliske su karavagizmu i baroku sa prenaglašenom dramatičnom interpretacijom situacije i slike lišene idealnosti. Intenzitet izraza lica i brzina pokreta odlikuju se ekspresivnim “Silazak s krsta” u Ermitažu (oko 1630.) i “Oplakavanjem” u minhenskoj Pinakoteci (oko 1627.). Pritom je konstrukcija obje slike, u kojoj su plastično opipljive figure uključene u cjelokupni ritam kompozicije, besprijekorna. Šema boja podliježe dobro osmišljenom omjeru šarenih mrlja. Minhenskim platnom dominiraju različite nijanse sive, sa izuzetnim kontrastima plavih i jarko crvenih tonova.
Poussin je rijetko prikazivao Hristovu patnju. Većina njegovih djela povezana je s biblijskim, mitološkim i književnim temama. Antička tema njegovih ranih djela, na koja je utjecala Tizianova strast za bojama, afirmiše svijetlu životnu radost. Likovi tamnoputih satira, ljupkih nimfi, veselih kupida puni su onog mekog i glatkog pokreta koji je majstor nazvao "govorom tijela". Slika “Kraljevstvo flore” (1631, Drezden, Umjetnička galerija), inspirisan Ovidijevim Metamorfozama, prikazuje junake antičkih mitova koji su nakon svoje smrti oživjeli različito cvijeće koje je krasilo mirisno kraljevstvo boginje Flore. Ajaxova smrt, bacanje na mač, propast smrtno ranjenih Adonisa i Hijacinta, patnja ljubavnika Smile i Krokona ne zasjenjuju vladajuće likujuće raspoloženje. Krv koja teče iz Hijacintine glave pretvara se u padajuće latice divnog plavo cvijeće, iz Ajaxove krvi raste crveni karanfil, Narcis se divi svom odrazu u vazi s vodom koju drži nimfa Eho. Poput živopisnog živog vijenca, likovi na slici okružuju rasplesanu boginju. Poussinovo platno utjelovljuje ideju besmrtnosti prirode, dajući životu vječnu obnovu. Ovaj život junacima donosi boginja koja se smeje Flora, obasipajući ih belim cvećem, i blistavom svetlošću boga Helija, čineći njegov vatreni trk u zlatnim oblacima.
Dramski početak, koji je uključen u Poussinova djela, daje njegovim slikama uzvišen karakter. Emitažno platno (1630.) posvećeno je ljubavi antiohijske princeze, Amazonke Erminije, prema vitezu krstašu Tankredu. Njegova radnja je preuzeta iz Tasove pesme Oslobođeni Jerusalim. Tankreda, ranjenog u dvoboju, podržava njegov vjerni prijatelj Vafrin. Erminija, tek što je sjahala s konja, juri ka svom ljubavniku i zamahom blistavog mača odsiječe pramen svoje plave kose da mu previje rane. Erminijina ljubav se poredi herojsko djelo. Slika je zasnovana na umetnikovom omiljenom kontrastu plave, crvene i narandžasto-žute. Pejzaž je ispunjen vatrenim sjajem večernje zore. Ovdje je sve proporcionalno, na prvi pogled lako čitljivo i sve je značajno. Dominira jezik strogih, čistih, uravnoteženih formi, a linearni i koloristički ritam je savršen.
Tema života i smrti provlači se kroz cijelo Poussinovo djelo. U Florinskom kraljevstvu dobila je karakter poetske alegorije u Germanikovoj smrti bila je povezana s etičkim, herojskim pitanjima. Na slikama 1640-ih i kasnije, ova tema je bila zasićena filozofska dubina. Mit o Arkadiji, zemlji spokojne sreće, često je bio oličen u umjetnosti. Ali Poussin je u ovoj idiličnoj radnji izrazio ideju o prolaznosti života i neizbježnosti smrti. Umjetnik je prikazao pastire koji su neočekivano otkrili grobnicu s natpisom "I bio sam u Arkadiji..." - podsjetnik na krhkost života, na nadolazeći kraj. U ranoj verziji (1628-1629, Chatsworth, sastanak vojvoda od Devonshirea), emotivnijoj, punoj pokreta i drame, snažno je izražena zbunjenost mladih pastira, koji kao da su suočeni sa smrću koja napada njihov svijetli svijet. .
Radnja slike u Louvreu “Trijumf pjesnika” (Pariz, Louvre) kao da graniči s alegorijom - krunisanjem mladog pjesnika lovorovim vijencem u prisustvu boga Apolona i Kaliope, muze epske poezije. Ideja slike - rođenje ljepote u umjetnosti, njen trijumf - percipira se vedro i figurativno, bez imalo namišljenosti. Slike su ujedinjene zajedničkim sistemom osećanja. Muza koja stoji pored Apolona je živa personifikacija ljepote. Kompozicijska struktura slike je svojom vanjskom jednostavnošću na svoj način primjerna za klasicizam. Suptilni pomaci, okreti, pokreti figura, drvo gurnuto u stranu, leteći kupid - sve ove tehnike, ne lišavajući kompoziciju jasnoće i ravnoteže, unose u nju osjećaj života. Slika je zasićena žuto-zlatnim, plavim i crvenim bojama, što joj daje posebnu svečanost.
Slika prirode kao personifikacije najvišeg sklada postojanja provlači se kroz cjelokupno Poussinovo djelo. Šetajući Rimom, proučavao je pejzaže rimske Kampanije sa svojom karakterističnom radoznalošću. Njegovi živi utisci prenošeni su u divnim pejzažnim crtežima iz života, punim svježe percepcije i suptilnog lirizma. Poussinovim slikovitim pejzažima nedostaje taj osjećaj spontanosti u njima je jače izražen idealni princip. Poussinovi pejzaži prožeti su osjećajem veličine i veličine svijeta. Gomilaste stijene, bujno drveće, kristalno čista jezera, prohladni izvori koji teku među kamenjem i sjenovitim grmljem spojeni su u plastično cjelinu, integralnu kompoziciju zasnovanu na izmjeni prostornih planova, od kojih je svaki smješten paralelno s ravninom platna. Uzdržana shema boja obično se temelji na kombinaciji hladnih plavih i plavičastih tonova neba, vode i toplih smećkastih tonova tla i stijena.
“Pejzaž s Polifemom” (1649, Sankt Peterburg, Državni muzej Ermitaž) se doživljava kao svečana himna priroda. Kiklop Polifem, kao da izrasta iz sivih stijena, na svojoj luli svira pjesmu ljubavi morskoj nimfi Galatei. Zvuke melodije čuju toplo južno more, moćne planine, sjenoviti gajevi i božanstva koja ih naseljavaju, nimfe i satiri, orač za plugom i pastir među stadom. Utisak bezgraničnosti prostora pojačava činjenica da Polifem, prikazan leđima okrenut gledaocu, gleda u daljinu. Sve je zasjenjeno predivnim tamnoplavim nebom sa svijetlim bijelim oblacima.
Moćna veličina prirode osvaja u "Pejzažu sa Herkulom i Kakom" (1649, Moskva, Državni muzej lepih umetnosti A.S. Puškina), koji prikazuje pobedu Herkula nad divovskim Kakom. Iako je junak izvršio podvig, ništa ne narušava jasan i strog mir raširen u slici.
Prikazujući Jovana Evanđelistu na ostrvu Patmos, Poussin odbija tradicionalno tumačenje ove slike. On stvara pejzaž rijetke ljepote i raspoloženja - živu personifikaciju prelijepe Helade. U Pusinovoj interpretaciji, lik Jovana ne liči na hrišćanskog pustinjaka, već na istinskog mislioca.
Čuveni pejzažni ciklus Četiri godišnja doba umetnik je naslikao u poslednjim godinama svog života (1660-1664, Pariz, Luvr). Svaki pejzaž ima simboličko značenje. "Proljeće" (ovaj pejzaž prikazuje Adama i Evu u raju) je procvat svijeta, djetinjstvo čovječanstva. “Ljeto” koje predstavlja scenu žetve, vrijeme intenzivnog rada, personificira ideju zrelosti i punoće bića. Zima oslikava poplavu, smrt života. Voda koja šiklja na zemlju neumoljivo upija sva živa bića. Nema spasa nigde. Bljeskovi munja prosijeku noćnu tamu, a priroda, zahvaćena očajem, izgleda umrtvljena i nepomična. Tragična "zima" - zadnji komad umjetnik.
Stranac karijerizmu i spoljni uspeh, Poussin je živio dostojan, plemenit život. Umjetnikova umjetnost i njegov imidž neraskidivo srasli s njom u kasnom “Autoportretu” koji je stvorio (1650, Pariz, Louvre) ostali su u sjećanju generacija. Vrijeme je posrebrilo tamnu kosu ostarjelog majstora, ali ga nije lišilo čvrstine njegovog držanja, dalo isklesanu i hrabru strogost krupnim crtama njegovog lica, prodornu budnost njegovom pogledu i ojačalo osjećaj za mudrost. samokontrola i smireno dostojanstvo. Prenos individualne sličnosti ne sprečava stvaranje duboko generalizovane slike. Za Poussin, umjetnik je, prije svega, mislilac, on vidi vrijednost osobe u snazi svog intelekta, u njegovoj stvaralačkoj moći; Značaj Poussinovog posjeda za njegovo vrijeme i kasnija razdoblja je ogroman. Njegovi pravi naslednici nisu bili francuski akademici druge polovine 17. veka, koji su iskrivili tradiciju velikog majstora, već predstavnici revolucionarnog neoklasicizma 18. veka, koji su umeli da izraze nove ideje svoje epohe u oblicima ove umetnosti.
Tatiana Kaptereva