Публикации раздела Музеи

Судьбы красавиц со знаменитых портретов

М ы знаем их в лицо и любуемся красотой в расцвете молодости. Но как жили эти женщины дальше, после того, как картина была закончена? Иногда их судьба оказывается удивительной. Вспоминаем с Софьей Багдасаровой .

Сарра Фермор

И.Я. Вишняков. Портрет Сарры Элеоноры Фермор. Около 1749–1750. Русский музей

Картина Вишнякова - один из самых прелестных образцов русского рококо и один из самых знаменитых портретов эпохи императрицы Елизаветы Петровны. Особенно эффектен контраст между ребяческой прелестью 10-летней девочки и тем, что она все пытается делать «как взрослая»: принимает правильную позу, держит веер согласно этикету, старательно сохраняет осанку в корсете придворного платья .

Сарра - дочь генерала Виллима Фермора, обрусевшего шотландца на русской службе. Это он взял нам Кёнигсберг и всю Восточную Пруссию, а на гражданской службе после пожара отстроил классицистическую Тверь в том виде, который восхищает нас сейчас. Мать Сарры тоже была из шотландского рода - из Брюсов, причем приходилась племянницей знаменитому Якову Брюсу, «колдуну с Сухаревой башни».

Сарра была выдана замуж по тем временам поздно, в 20 лет, за своего ровесника Якоба Понтуса Стенбока - представителя графской шведской семьи (из нее даже вышла одна шведская королева). Стенбоки к тому времени перебрались в российскую Эстляндию. Супруги жили, скажем прямо, неплохо: достаточно сказать, что это в их дворце в Таллине сейчас размещаются помещения эстонского премьер-министра и зал заседаний правительства. Сарра, по некоторым указаниям, стала матерью девяти детей и скончалась уже при императоре Александре I - то ли в 1805 году, то ли вообще в 1824-м.

Мария Лопухина

В.Л. Боровиковский. Портрет М.И. Лопухиной. 1797. Третьяковская галерея

Боровиковский написал множество портретов русских дворянок, но этот - самый чарующий. В нем все приемы мастера применены так искусно, что мы и не замечаем, каким именно способом нас околдовывают, как создается очарование этой барышни, которой почти сто лет спустя Яков Полонский посвящал стихи («...но красоту ее Боровиковский спас»).

Лопухиной на портрете 18 лет. Ее непринужденность и чуть надменный взгляд кажутся то ли обычной позой для подобного портрета эпохи сентиментализма, то ли признаками меланхолического и поэтического нрава. Но каким на самом деле был ее характер, мы не знаем. При этом Мария, оказывается, была родной сестрой Федора Толстого (Американца), известного своим вызывающим поведением. Удивительно, но если взглянуть на портрет ее брата в молодости (Государственный музей Л.Н. Толстого), то мы увидим ту же вальяжность и расслабленность.

Портрет был заказан ее мужем, Степаном Лопухиным, вскоре после свадьбы. Лопухин был старше Марии на 10 лет и происходил из богатого и знатного рода. Через шесть лет после написания картины девушка умерла - от чахотки. Через 10 лет умер и ее муж. Поскольку они были бездетными, картину унаследовала единственная выжившая дочь Федора Толстого, у которой в 1880-х годах ее и купил Третьяков.

Джованнина Пачини

К.П. Брюллов. Всадница. 1832. Третьяковская галерея

«Всадница» Брюллова - блистательный парадный портрет, в котором роскошно все - и яркость красок, и пышность драпировок, и красота моделей. Русскому академизму есть чем гордиться.

На нем написаны две девочки, носившие фамилию Пачини: старшая Джованнина сидит на лошади, младшая Амацилия смотрит на нее с крыльца. Но имели ли они право на эту фамилию, до сих пор не ясно. Картину Карлу Брюллову - своему многолетнему возлюбленному - заказала их приемная мать, графиня Юлия Самойлова, одна из красивейших женщин России и наследница колоссального состояния Скавронских, Литта и Потемкина. Бросив первого мужа, Самойлова уехала жить в Италию, где в ее салоне бывали и Россини, и Беллини. Своих детей у графини не было, хотя она еще дважды выходила замуж, один раз - за молодого и красивого итальянского певца Пери.

По официальной версии, Джованнина и Амацилия были родными сестрами - дочерьми автора оперы «Последний день Помпеи», композитора Джованни Пачини, друга (и, по слухам, возлюбленного) графини. Она забрала их в свой дом после его смерти. Однако, судя по документам, у Пачини была только одна дочь -младшая из девочек. Кто была старшая? Есть версия, что ее вне брака родила сестра того самого тенора Пери, второго мужа Самойловой. А может, у графини с девочкой была и более тесная родственная связь... Недаром «Всадницу» сначала считали портретом самой графини. Повзрослев, Джованнина вышла замуж за австрийского офицера, капитана гусарского полка Людвига Ашбаха, и уехала с ним в Прагу. Самойлова гарантировала ей большое приданое. Однако, поскольку к старости графиня разорилась (ей пришлось выплачивать третьему мужу, французскому аристократу, огромные алименты), обе «дочери» взыскивали со старухи «матери» обещанные деньги через адвоката. Самойлова скончалась в бедности в Париже, дальнейшая же судьба ее воспитанниц неизвестна.

Елизавета Мартынова

К.А. Сомов. Дама в голубом. 1897–1900. Третьяковская галерея

«Дама в голубом» Сомова - один из символов живописи Серебряного века, по выражению искусствоведа Игоря Грабаря - «Джоконда современности». Как и в картинах Борисова-Мусатова, здесь не только наслаждение красотой, но и любование уходящим очарованием помещичьей России.

Елизавета Мартынова, которая позировала Сомову на портрете, была, видимо, одной из немногочисленных женских симпатий художника. Художник познакомился с ней, дочерью врача, во время учебы в Императорской Академии художеств - она была в числе учеников набора 1890 года, когда женщинам впервые разрешили поступать в это учебное заведение. Удивительно, но произведений самой Мартыновой, кажется, не сохранилось. Однако ее портреты писали не только Сомов, но и Филипп Малявин и Осип Браз. Вместе с ней училась Анна Остроумова-Лебедева, которая в своих мемуарах мимоходом отметила, что, хотя Мартынову писали всегда высокой статной красавицей, на самом деле она была маленького роста. Характер у художницы был эмоциональный, гордый и легкоранимый.

Сомов писал ее несколько раз: в 1893 году акварелью в профиль, через два года - карандашом, а в 1897 году он создал ее небольшой портрет маслом на фоне весеннего пейзажа (Астраханская художественная галерея). Эту же картину он создавал с перерывами три года: из них художник два провел в Париже, а Мартынова для лечения болезни легких на долгое время поселилась в Тироле. Лечение не помогло: примерно через четыре года после окончания полотна она скончалась от чахотки в возрасте около 36 лет. Семьи у нее, видимо, не было

Галина Адеркас

Б.М. Кустодиев. Купчиха за чаем. 1918. Русский музей

Хотя «Купчиха за чаем» Кустодиева написана в послереволюционном 1918 году, для нас она - настоящая иллюстрация той яркой и сытой России, где ярмарки, карусели и «хруст французской булки». Впрочем, Кустодиев после революции своим любимым сюжетам не изменял: для человека, до конца жизни прикованного к инвалидному креслу, это стало формой эскапизма.

Для купчихи в этом портрете-картине позировала Галина Адеркас - натуральная баронесса из рода, ведущего свою историю аж от одного ливонского рыцаря XIII века. Одна из баронесс фон Адеркас даже была воспитательницей Анны Леопольдовны.

В Астрахани Галя Адеркас была соседкой Кустодиевых по дому, с шестого этажа; в студию девушку привела жена художника, приметив колоритную модель. В этот период Адеркас была совсем молода, студентка-первокурсница медицинского факультета. И честно говоря, на набросках ее фигура выглядит гораздо тоньше и не такой внушительной. Изучала она, как говорят, хирургию, но увлечения музыкой увели ее в другую сферу. Обладательница интересного меццо-сопрано, в советские годы Адеркас пела в составе русского хора в Управлении музыкального радиовещания Всесоюзного радиокомитета, участвовала в озвучивании фильмов, но большого успеха не добилась. Вышла замуж она, судя по всему, за некоего Богуславского и, возможно, стала выступать в цирке. В Рукописном отделе Пушкинского Дома даже хранятся рукописные воспоминания за авторством Г.В. Адеркас, озаглавленные «Цирк - это мой мир...». Как сложилась ее судьба в 30-е и 40-е годы - неизвестно.

Как часто мы любуемся произведениями искусства, не задумываясь о том, кто на них изображен. В памяти остаются только имена монарших особ, а личность девушки, чей туманный силуэт виднеется в углу картины, остается неизвестной. О женщинах, позировавших художникам для знаменитых полотен, расскажет сегодня Diletant . media .

Голландская Мона Лиза

Знаменитая «голландская Мона Лиза», «Девушка с жемчужной сережкой» Яна Вермеера была написана около 1665. Долгое время картину называли просто «Девушка в тюрбане», свое современное название она получила лишь к XXвеку. Изображение тюрбанов на картинах стало популярным с XVвека, и Вермеер нередко использует в портретах эту деталь туалета. Вся картина написана в особом жанре «трони», которым обозначали изображение головы человека.

«Голландскую Мону Лизу» долго время называли «Девушка в тюрбане»

В соответствии с названием, взгляд зрителя привлекает большая жемчужная сережка

Согласно самой распространенной версии, считается, что для портрета Вермееру позировала его юная дочь Мария, хотя, некоторые исследователи все-таки предполагают, что это могла быть дочь покровителя художника мецената Рюйвена. Мария была одной из 15 детей Вермеера — его брак был по-настоящему счастливым. Художник любил свою жену, и часто она сама позировала ему для картин.

Мистический портрет юной Лопухиной

Потрет Марии Ивановны Лопухиной, одной из представительниц графского рода Толстых, — одна из самых известных работ русского художника Боровиковского. Он был написан в 1797 году и хранится сейчас в Третьяковской галерее.

Потрет М. И. Лопухиной — одна из самых знаменитых работ Боровиковского

Именно изображенной на портрете девушке посвятил свои стихи поэт Яков Полонский: «Она давно прошла, и нет уже тех глаз, и той улыбки нет, что молча выражали страданье — тень любви, и мысли — тень печали, но красоту её Боровиковский спас». Художник использует традиционный для портретной живописи прием — окружение персонажа предметами, помогающими его охарактеризовать. Это и черты русского пейзажа, и нежная шаль, и поникшие бутоны роз.

Потрет Лопухиной считается самым поэтичным в творчестве Боровиковского

Интересно, что портретом Марии Лопухиной долгое время пугали молодых девушек. Дело в том, что вскоре после написания картины молодая женщина в возрасте 21 года скончалась от чахотки. Многие считали, что портрет словно забрал ее жизни, и если девушки взглянут на картину, то также вскорости умрут.

Девушка с зонтиком с картин Моне

Знаменитая картина Клода Моне «Поле маков у Аржантёя» была написана в 1873 году. Это полотно появилось на выставке импрессионистов в 1874, когда они впервые заявили о себе как об отдельной группе. Две фигурки на переднем плане — это жена Моне Камила и их сын Жан.

Картина Клода Моне «Поле маков у Аржантёя» была написана в 1873 году

Рисовал Моне, по своему обычаю, на пленэре, стараясь пережать атмосферу воздушности и движение. Интересный факт, на который мало кто обращает внимания: в левом углу картины изображена еще одна похожая пара, женщина с ребенком. Между двумя парами вьется едва заметная тропинка.

На картине изображены две пары, одна из которых — жена и сын Моне

История любви Моне и Камилы была трагична: отец Моне не раз грозился лишить сына содержания, если он не расстанется со своей возлюбленной. Они подолгу жили в разлуке, но Моне не мог долго продержаться без своей семьи. Тем не менее, художник нередко просил свою жену позировать ему для картин. Мы можем увидеть Камилу и на полотне «Дама в зеленом», и среди «Женщин в саду». Также существует несколько отдельных портретов Камилы и их сына. А когда Камила скончалась, он нарисовал ее посмертный портрет, который отличается от остальных работ художника.

Моне нарисовал посмертный портрет жены под впечатлением от ее кончины

Под впечатлением от кончины любимой жены Моне нарисовал ее посмертный портрет

Актриса, очаровавшая Ренуара

Огюст Ренуар, один из известнейших художников-импрессионистов любил и умел изображать женскую красоту. Актриса Жанна Самари была его любимой моделью. Ренуар написал с нее 4 портрета, но самым известным стал «Портрет актрисы Жанны Самари». Он был написан в 1877 году и сейчас хранится в музее имени Пушкина в Москве.

Основные оттенки, используемые на портрете — розовый и зеленый

Жанна была из театральной семьи, и недолго выбирала свое поприще. Она дебютировала в театре в роле Дорины в «Тартюфе» Мольера, и слава ее стремительно росла. До своего замужества девушка часто заходила в мастерскую Ренуара и позировала ему. Правда, сеансы она посещала нерегулярно, и это злило художника. Но он был полностью очарован грацией актрисы, так что раз за разом приглашал ее стать его моделью. Но ее слава и счастье длились недолго: она скончалась в 33 года от тифа.

Танцовщица с гибкостью змеи

Знаменитый автор «Девочки с персиками» Валентин Серов, встретив в 1910 году в Париже Иду Рубинштейн, попросил ее стать моделью для нового полотна. До этого она позировала для многих художников — Кееса ван Донгена, Антонио де ла Гандара, Андре де Сегонзака, Леона Бакста, позже — для Ромейн Брукс.

Портрет Иды Рубенштейн почти сразу был выкуплен у Серова

Но именно потрет русского художника стал самым известным. Картина почти сразу же была выкуплена у автора и помещена в коллекцию Русского музея.

Дочь Серова Ольга писала, что на деле Ида была совсем не так худа, и художник намеренно ее стилизировал

Ида Рубинштейн была знаменитой русской танцовщицей и актрисой. С 1909 по 1911 выступала в составе труппы Сергея Дягилева. Рубинштейн была высокого роста, но ее грация поражала зрителей, и о ней говорили как о танцовщице «с гибкостью змеи и пластичностью женщины». Роли Клеопарты и Зобеиды стали ее звездными. После ухода от Дягилева она создала собственную труппу, в которой и выступала долгое время. А в 1921 она даже снялась в итальянском фильме «Корабль».

Красота женского тела была и остается желанным объектом для изображения художниками всех времен и народов.

Больше всего живописной обнаженки подарила нам, конечно же, эпоха Возрождения, когда бурно воспевалось великолепие нагих тел по античным канонам. Однако и мастера более позднего времени ничуть не уступают в умелом представлении женского образа. Сменились техники, места, на фоне которых изображали дев, да и сами музы со временем начали приобретать другие черты. Но изображение женской натуры по-прежнему является особенной темой, будоражащей сознание всех поклонников природной красоты.

Сандро Ботичелли

«Рождение Венеры» 1482-1486

Питер Пауль Рубенс

Рубенс был великолепным портретистом, писал пейзажи и картины на религиозные темы, основал стиль барокко, но широкая общественность лучше всего знает Рубенса по изображениям обнаженных женщин и мужчин мягко говоря не астенического телосложения.

«Союз земли и воды», 1618

«Три грации», 1639

Франсиско Гойя

«Маха обнаженная», примерно 1800

Не все знают, что Маха - это вовсе не имя, а название для испанских простонародных горожанок 18-19 века.

Маха, образ которой сложился в Андалузии, со временем стала восприниматься как квинтэссенция испанки. Из-за романтизма, живописности, сильного национального акцента и бурной страсти.

Эжен Делакруа

«Свобода, ведущая народ», 1830

Делакруа создал картину по мотивам июльской революции 1830 года, положившей конец режиму Реставрации монархии Бурбонов. В письме брату 12 октября 1830 года Делакруа пишет: «Если я не сражался за Родину, то я хотя бы буду для неё писать».

Обнаженная грудь на картине не просто так. Она символизирует самоотверженность французских людей того времени, которые с «голой грудью» шли на врага.

Жюль Жозеф Лефевр

Лефевр был французским салонным художником, специализировавшимся на изображении прекрасных девушек. Именно благодаря изображению женской красоты он занял весьма видное место как изящный, хотя и несколько манерный рисовальщик.

«Мария Магдалина в гроте», 1836

У картины «Мария Магдалина в гроте» своя особенная история. После выставки 1876 г. ее купил Александр Дюма-сын. После его смерти она была отправлена в Петербург на выставку в 1896 г. Николай II приобрел ее для Зимнего дворца и сейчас «Марию Магдалину» можно увидеть среди сокровищ Эрмитажа.

Эдуар Мане

На Парижском салоне 1865 года картина стала причиной одного из самых больших скандалов в истории искусства. Современники не смогли увидеть объёмности изображённой фигуры и считали композицию картины грубой и плоской. Мане обвинили в аморальности и вульгарности. Картина собирала сотни людей, пришедших на выставку лишь для того, чтобы обругать картину и плюнуть на неё. В итоге картину перевесили в самый дальний зал Салона на такую высоту, что её было почти не видно. Какие люди были нервные в те времена.

Пьер-Огюст Ренуар

Ренуар известен в первую очередь как мастер светского портрета, не лишённого сентиментальности; он первым из импрессионистов снискал успех у состоятельных парижан. Обнаженная натура была одним из любимых жанров Ренуара.

«Обнаженная в солнечном свете», 1876

Впервые показанная на Второй выставке импрессионистов в 1876 году, где получила очень резкие отзывы критиков: «Внушите господину Ренуару, что женское тело - это не нагромождение разлагающейся плоти с зелеными и фиолетовыми пятнами, которые свидетельствуют о том, что труп уже гниет полным ходом!»

«Большие купальщицы», 1887

А эта картина ознаменовала переход Ренуара от чистого импрессионизма в сторону классицизма и энгризма. «Большие купальщицы» выполнена более четкими линиями, более холодными цветами, и при написании этой картины Ренуар впервые использовал эскизы и наброски.

Владислав Подковинский

«Женский оргазм», 1894

Из названия понятно, что в своей работе изобразил польский художник Владислав Подковинский... Выставка картины началась с грандиозного скандала и продолжалась в течение 36 дней. Не выдержав давления, на 37 день Подковинский пришел с ножом и изрезал все полотно. Художник умер от туберкулеза в 29 лет. После его смерти картину было решено восстановить.

Адольф-Вильям Бугро

Джон Кольер

Диапазон тем картин английского живописца Кольера весьма широк. Однако наибольшую популярность он приобрел из-за использования в истинно романтической традиции образов красивых женщин из легенд, мифов, литературы и истории в качестве основной темы для своих картин.

«Леди Годива» была написана по сюжету легенды. Изображенная на картине обнаженная красавица (леди Годива) умоляла своего могущественного и властного мужа (графа Леофрика) снизить в его владениях налоги для бедных. На что тот предложил почти проигрышное пари. Он пообещал уменьшить налоги в том случае, если его леди проедет через селение Ковентри обнаженной на коне, что жена и сделала.

Герберт Джеймс Дрейпер

«Одиссей и сирены», 1909

Давид Штеренберг

«Обнаженная», 1908

Густав Климт

Все детали, относящиеся к мифологическому сюжету, удалены из картины, оставлена лишь сцена оплодотворения золотым дождем, в который превратился Зевс. Выбор позы и искаженная перспектива придают телу Данаи необычайную сексуальность.

Ни в одной другой работе художник не доводил женскую сексуальность до такой гипертрофированности - это самопоглощенное вожделение.

Герберт Джеймс Дрейпер

Герберт Джеймс Дрейпер являлся художником, известным работами на историческую и мифологическую темы. Хотя Дрейпер получил признание в течение жизни, сейчас его работы несправедливо забыты и их редко можно встретить на аукционах.

«Гора Туманов», 1912

«Гора туманов» является одним из самых мощных, чувственных и чарующих из всех изображений художника. Представленные нагие девушки красивы как нимфы Уотерхауса, хотя в отличие от его роковых женщин заманивают мужчин к их гибели.

Борис Кустодиев

Живописная пластика, акцент на артистизме модели и яркая характеристика внешности - вот основные черты творчества Бориса Кустодиева.

«Русская Венера» 1925-1926

«Русская Венера» изображает пышнотелую бабу в бане, но в отличие от богини, обнаженную девушку окружает не морская пена, а клубы пара русской бани. Радужные пузыри на деревянной лавке подтверждают, что перед нами именно Венера. Богиня ведь родилась из пены Средиземного моря! А здесь, в России, - из пены банной...

Амедео Модильяни

Модильяни по праву считается певцом красоты обнажённого женского тела. Он одним из первых начал изображать ню более реалистично в эмоциональном плане. Именно это обстоятельство в своё время привело к молниеносному закрытию его первой персональной выставки в Париже. Картины Модильяни, выполненные в жанре ню, считаются жемчужиной его творческого наследия.

«Сидящая обнажённая», 1916

Эгон Шиле

Живопись и графика Эгона Шиле - нервная, изощренная, драматичная и очень сексуальная. Находясь под сильным влиянием психоанализа Зигмунда Фрейда, Шиле в своем творчестве давал волю собственным комплексам и сомнениям, и многие его произведения носили откровенно сексуальный характер. Это послужило даже причиной тюремного заключения художника за «создание аморальных рисунков».

«Обнаженная на коленях», 1917

«Лежащая женщина», 1917

Андерс Цорн

Шведский живописец и график, который особое внимание уделял индивидуальности обнаженной модели, своеобразии её мимики, жестов, выражения лица, которые остро схвачены в его работах.

«В гребной лодке Вернера», 1917

«Размышления», 1889

Зинаида Серебрякова

Зинаида Евгеньевна Серебрякова одна из первых русских женщин, вошедших в историю живописи. Живописными средствами художница представляла образ чистого женского тела. У ее моделей не было спортивного телосложения, в них нет жесткости, резкости, а лишь плавное созвучие с окружающей средой.

В «Бане» Серебрякова изобразила обнаженных женщин без прикрас, черты идеализации появились в ее творчестве позже.

«Лежащая обнаженная», портрет Неведомской, 1935

В позднем творчестве Серебряковой все больше возрастала тема произведений с изображением обнаженных моделей, и Серебрякова осталась верна жанру «ню». В «Лежащей обнаженной» она чувствует, что эта тема ей удается, и обращается к ней постоянно.

«Спящая натурщица», 1941

Игорь Эммануилович Грабарь

Игорь Эммануилович Грабарь один из самых известных художников в истории русской культуры XX века. Одной из самых известных его работ является портрет «Флоры».

Александр Михайлович Герасимов

Еще один известный русский художник, который, в отличие от предыдущего, занимался изображением грубоватой и упрощенной эротики.

«Деревенская баня», 1938

На тему «Деревенской бани» художник писал множество этюдов «для себя» на протяжении многих лет. В картине несколько обнаженных женских тел, связанных сложной структурной композицией. Каждая фигура - это образ, индивидуальный характер.

Аркадий Александрович Пластов

Аркадий Пластов - «певец советского крестьянства». Особое внимание в своих работах он уделял патриотическому труду женщин в годы Великой Отечественной Войны. Красочный образ и простоту художник запечатлел в в картине «Трактористки»

«Трактористки», 1943

ЖЕНСКИЙ ОБРАЗ В РУССКОЙ ЖИВОПИСИ...И прелести твоей секрет Разгадке жизни равносилен... Б. Пастернак Из века в век женщины неизменно воодушевляли поэтов, музыкантов, художников на создание величайших произведений искусства. Прелестные вдохновительницы различны и по возрасту, и по характеру, но есть нечто, объединяющее их, – в каждой из этих женщин живет загадка. Загадка их красоты, женственности, обаяния. «Я женщин, как высшую тайну, люблю», – Константин Бальмонт. В русской живописи целый ряд гениальных произведений, в центре которых женщина с ее сложным духовным миром. В XVIII веке в русской живописи портрет играл ведущую роль. Именно в этом жанре русские художники достигли уровня европейской живописи. Одним из них был Федор Семенович Рокотов (ок. 1732-1806). Творчество Рокотова принадлежит к самым замечательным явлениям XVIII века; в своих портретах он сумел раскрыть внутренний мир, передать тончайшие переживания человека. Происходил художник из крепостных крестьян, но получил вольную. В 1750-х годах известность Рокотова была столь велика, что его пригласили написать портрет наследника престола – великого князя Петра Федоровича, а в 1760-е годы он пишет два портрета императрицы Екатерины II. Каждый портрет Рокотова – это прежде всего чувство, воплощенное гибким и богатым языком живописи. Описания их не в силах передать скольжение света на гладкой эмалевой поверхности, красоту и движение цвета, то мерцающего в глубине, то прорывающегося приглушенным жаром, едва уловимые переходы одного полутона в другой, затягивающий сумрак фона, из которого, словно наплывом, возникают лица его героев. Особой одухотворенностью отличаются рокотовские женские портреты. Пленителен образ юной А.П. Струйской (1772)

Любите живопись, поэты Лишь ей, единственной, дано Души изменчивой приметы Переносить на полотно. Ее глаза - как два тумана, Полуулыбка, полуплач, Ее глаза - как два обмана, Покрытых мглою неудач. Александра Петровна Струйская вдохновляла не только поэтов своего времени. Спустя два столетия после ее смерти, Николай Заболоцкий, вглядываясь в портрет работы знаменитого Рокотова, писал: ...Ты помнишь, как «из тьмы былого, Едва закутана в атлас, С nopтpeтa Рокотова снова Смотрела Струйская на нас? Она как будто призвана была быть вечной музой поэта. В своем XVIII веке она пленила загадочной внешностью еще одного из них - своего мужа. Струйский так описывал свою возлюбленную в одном из множества стихотворений, посвященных ей: Когда б здесь кто очей твоих прелестных стоил, Давно б внутрь сердца он тебе сей храм построил, И в жертву б он себя к тебе и сердце б нес. Достойна ты себя, Сапфира!.. и небес. Почтить твои красы, как смертный, я немею, Теряюсь я в тебе?.. тобой я пламенею. («Элегия к Сапфире») До наших дней дошла одна из книг Струйского - «Еротоиды. Анакреонтические оды». Все «оды» в ней переполнены объяснениями в любви к той, которая звалась в стихах Сапфирой, а в жизни - Александрой, любимой женой. **************************************************** Другим крупнейшим русским портретистом второй половины XVIII века был Дмитрий Григорьевич Левицкий (1735-1822), художник, быть может, не столь утонченный, как Рокотов, но более многогранный. Целую эпоху вмещает в себя творчество «вольноотпущенного портретиста» Д.Г. Левицкого. Он создал галерею портретов, необыкновенных по своей проникновенности, свежести и воздушности. Достаточно вспомнить его живописную сюиту из семи портретов «Смолянки» (1772-1776), посвященную выпускницам Смольного института. Заказ на портреты он получил от И.И. Бецкого, помощника и советника императрицы Екатерины II. В целях воспитательных художник должен был представить просвещенному обществу результаты педагогических усилий императрицы – воспитанниц Смольного пансиона, особенно ею покровительствуемого. Пансион, организованный в 1764 году, был задуман как закрытое учебное заведение, в котором девушки получали образование и навыки светского обхождения. Левицкий написал тех смолянок, которых особенно отличала императрица. Среди них выделяется портрет Екатерины Нелидовой

В портрете Нелидовой передано единство игрового начала и состояния души: неподдельной веселости и искреннего увлечения. Чистые глаза, нежная, немного задорная улыбка, легко и грациозно отодвинутая вперед ножка в жемчужном башмачке – чем не Золушка, впервые очутившаяся на балу, вся в предвкушении чуда и счастья? Кажется, еще мгновение – и появится прекрасный принц, зазвучит томный клавесин, и она, не прекращая улыбаться, начнет свой менуэт... По оценкам современников, она не уступала в мастерстве профессиональным актрисам. Нелидова не была красавицей, но на сцене она преображалась, становилась необыкновенно обаятельной. О ней можно сказать словами Федора Тютчева: Земное ль в ней очарованье Иль неземная благодать? Душа хотела б ей молиться, А сердце рвется обожать... ******************************************** Славу русской живописной школы приумножил талантливейший живописец конца XVIII – начала XIX века Владимир Лукич Боровиковский (1757-1825). В среду русских портретистов он вошел уже сложившимся художником, успевшим завоевать на родной Украине известность иконописца. В.Л. Боровиковский лучшие лирические образы создал под влиянием пришедшего тогда в искусство и литературу нового направления – сентиментализма. Передать тихую мечтательность, тонкие переживания и модную в то время чувствительность особенно удавалось художнику в замечательных женских портретах. Боровиковский создает свой тип женского портрета. Художник не стремится к разнообразию композиционных приемов: как правило, это полуфигуры женщин, опирающихся на постамент, изображенных на фоне паркового ландшафта. Варьируя с теми или иными отклонениями это решение, художник сосредотачивает внимание на лицах своих моделей и создает одухотворенные и поэтические образы. Таковы портреты Е.А. Нарышкиной, О.К. Филипповой, сестер Гагариных...

Портрет Е.А. Нарышкиной.

Портрет О.К. Филипповой.

Портрет сестер Гагариных. . Но даже среди этих прекрасных полотен выделяется особым лиризмом и красотой живописи портрет пленительно-загадочной и мечтательно-печальной Марии Ивановны Лопухиной (1797)

В этом портрете художник воплотил представление своего времени о женской прелести. Прелести почти неземной и, как оказалось, недолговечной (Лопухина скончалась в возрасте двадцати двух лет). Но пока ничто не омрачает ее прекрасных черт – это подлинно гармоничный человек в расцвете красоты. Цветовое решение полотна продиктовано замыслом. Голубые, сиреневые, жемчужно-белые, золотистые тона – нет ни единого резкого акцента. Словно намекая на незримые нити, связывающие человека и природу, Боровиковский прибегает к перекличке цветов в передаче одежды и пейзажа: голубой пояс – голубые васильки, сиреневая шаль – сиреневая роза. Художник избегает угловатых форм, предпочитая плавные, круглящиеся линии. Ритмы спокойны – контурам фигуры вторят изгибы крон деревьев, колосьев, васильков; роза наклонена так же, как голова девушки. Живописный ландшафт полностью соответствует настроению мечтательной Лопухиной. Яков Полонский написал проникнутое теплотой стихотворение «К портрету Лопухиной»: Она давно прошла, – и нет уже тех глаз И той улыбки нет, что молча выражали Страданье – тень любви, и мысли – тень печали... Но красоту ее Боровиковский спас. Так часть души ее от нас не улетела; И будет этот взгляд и эта прелесть тела К ней равнодушное потомство привлекать. Уча его любить – страдать – прощать – молчать... ********************************************** Историю женского портрета продолжают художники XIX века. И одним из первых среди них является, безусловно, Карл Павлович Брюллов (1799-1852), гениально сочетающий в своем творчестве классические каноны с романтическими веяниями. Брюллова называли Карлом Великим, его любили Пушкин, Гоголь, Белинский, Герцен. Человек в картинах Брюллова горд и прекрасен. «У Брюллова является человек для того, – писал Гоголь, – чтобы показать всю красоту свою, все верховное изящество своей природы». Перед нами именно такой портрет. «Всадница» (1832)

«Жованин на лошади», – называл картину сам Брюллов. Жованин – это Джованина Паччини, приемная дочь графини Юлии Павловны Самойловой. Девочка в розовом платье, выбежавшая на террасу и с восхищением глядящая на всадницу, – Амацилия Паччини, вторая приемная дочь Самойловой. Брюллов поставил перед собой задачу написать большой конный портрет, используя мотив прогулки, что позволяет передать фигуру в движении. Джованине только четырнадцать лет, но у нее бесстрастное лицо, как у настоящей светской дамы. Она полна невыразимого очарования и грации. Передавая прелестные черты юной всадницы, осязаемую красоту животных, пейзажа, тканей, художник воспевает полноту и радость бытия. Вздыбившийся конь, устремившаяся навстречу всаднице девочка, блики солнца на затененных дорожках парка – все вносит в картину порыв, взволнованное движение, отличающие эту композицию от статичных, нарочито построенных парадных портретов предшествующей поры. Образ очаровательной Джованины Паччини как нельзя лучше соответствует женскому образу, воспетому А.С. Пушкиным в стихотворении «Красавица»: Все в ней гармония, все диво, Все выше мира и страстей; Она покоится стыдливо В красе торжественной своей; Она кругом себя взирает: Ей нет соперниц, нет подруг; Красавиц наших бледный круг В ее сиянье исчезает. Куда бы ты ни поспешал, Хоть на любовное свиданье, Какое б в сердце не питал Ты сокровенное мечтанье, – Но, встретясь с ней, смущенный ты Вдруг остановишься невольно, Благоговея богомольно Перед святыней красоты. ************************************************* Галерею женских портретов русских художников продолжает картина крупнейшего живописца второй половины XIX века, лидера передвижников Ивана Николаевича Крамского (1837-1887), которая, на первый взгляд, не укладывается в представление о творчестве художника-демократа. Сердце и мысль – вот что более всего ценил Крамской в картине. На передвижных выставках он чаще всего выступал как автор мужских, очень скупых по цвету и строгих по композиции портретов. И вдруг – «Неизвестная» (1883)

Молодая, прекрасная, одетая со всей роскошью моды женщина едет в коляске по зимнему Петербургу. Сбоку остается Аничков мост, покрытый снегом. Перспектива Невского проспекта тает в морозной дымке. На фоне светлого неба четко смотрится гордо откинутая голова красивой дамы, сознающей свое обаяние. Спокойно, холодно взирает незнакомка на окружающих. Во взгляде некая надменность, подчеркнутая горделивой осанкой. Кто она, «Неизвестная» Крамского? Светская дама? Актриса? С кого писал художник эту женщину? Может, образ красавицы просто родился в воображении живописца? Даже Репину, близкому знакомому Крамского, ничего не было известно о ее прототипе, хотя следует отметить, что Репин называл это произведение портретом, а не картиной. Надменность, красота и тайная грусть «Неизвестной» для некоторых ассоциируются с образом Анны Карениной, созданным Л.Н. Толстым. Трудно сказать, кого изобразил Крамской на своем полотне. Бесспорно одно – художник явно любовался своей героиней. Никогда еще Крамской не писал такого многокрасочного, сияющего портрета, никогда не выписывал с такой любовью переливчатый блеск бархата, мягкий ворс меха, атласную поверхность лент и сверкание золотых браслетов. И мы с удовольствием смотрим на гордую красавицу, восхищаясь живописным мастерством Крамского. Белое страусовое перо и светлый шелк, которым подбита бархатная шапочка, оттеняют свежее смуглое лицо. Синий бархатный костюм, украшенный мехом и лентами, хорошо гармонирует с золотистого цвета кожей, обтягивающей сиденье экипажа. Мягкие, плавные линии фигуры полны грации и изящества. И только в огромных, полуприкрытых длинными, пушистыми ресницами глазах притаилась грусть. Эти глаза сверкают, как звезды, и в их сиянии чудится блеск непролитых слез. Как знать, возможно, за внешним сиянием красоты и роскоши скрывается трагедия души, погубленной высшим светом, и образ «Неизвестной» Крамского перекликается с женским образом, созданным М.Ю. Лермонтовым в стихотворении «Как луч зари, как розы Леля...»: С людьми горда, судьбе покорна, Не откровенна, не притворна, Нарочно, мнилося, она Была для счастья создана. Но свет чего не уничтожит? Что благородное снесет, Какую душу не сожмет, Чье самолюбье не умножит? И чьих не обольстит очей Нарядной маскою своей? *********************************************** Период конца XIX – начала XX веков, названный в русском искусстве серебряным веком, выдвигает новые задачи, новые направления и, соответственно, новые имена в живописи. Одна из центральных фигур искусства рубежа веков – Валентин Александрович Серов (1865-1911), крупнейший художник, автор более двухсот портретов.

Девочка с персиками (Портрет В. С. Мамонтовой). 1887

«Девушка, освещенная солнцем (Портрет М.Я.Симонович)» 1888 г. О картинах Серова «Девочка с персиками» (1887) и «Девушка, освещенная солнцем» (1888) русский искусствовед Д.В. Сарабьянов писал, что их импрессионистическая светоносность и динамика свободного мазка ознаменовали поворот от критического реализма передвижников к «реализму поэтическому». Первую из этих картин Серов написал в двадцать два года, вторую – в двадцать три. В состоянии восторга и упоения, чувствуя в себе молодые силы и задор, пишет Серов один из своих шедевров – «Девушку, освещенную солнцем» Девушка на картине – это Маша Симонович, двоюродная сестра художника. Серов стремится передать очарование мимолетного и сиюминутного, одного мига жизни, наполненного сверкающими красками бытия. Девушка сидит у ствола старого дерева, на ее тонкой, нежной коже восхитительно и волшебно играют солнечные зайчики, и необычайно преображает всю ее молодую стройную фигуру колышущаяся масса тени к света. Спокойный взгляд ее лучистых голубых глаз, нежный румянец симпатичного, доброго лица, уютная поза отдыхающего человека – все это как бы внушает зрителю чувство умиротворенности, дает ощущение гармонии, красоты каждого мгновения жизни. И.Э. Грабарь, художник, искусствовед, реставратор, уже после смерти Серова написал о «Девушке, освещенной солнцем»: «Эта вещь до такой степени совершенна, так свежа, нова и «сегодняшна», что почти не веришь ее дате – 1888 году... Эта вещь была создана в минуту необычайного подъема, в редчайшем и подлиннейшем творческом экстазе...» Картине Серова созвучны строки русского поэта-символиста Константина Бальмонта из стихотворения «Жемчуг»: Ты светлая радость воздушного сна, Восторг, но восторг не влюбленный. Ты мне на мгновенье, как сказка, дана, О, как ты спокойна, как стройно-нежна. Минута, и вот убегает волна, И я ухожу просветленный. ************************************************* Лицо нового искусства рубежа ХIХ-ХХ веков во многом определили художники объединения «Мир искусства», которые тяготели к модерну. Одним из самых сложных художников «Мира искусства» был Константин Андреевич Сомов (1869-1939). Программным произведением Сомова является портрет рано умершей художницы Елизаветы Михайловны Мартыновой, известный под названием «Дама в голубом», созданный в 1897-1900 годах

Одетая в старинное платье с кружевным воротником-пелериной и глубоким декольте, она вся – воплощение печали, усталости, тоски, разочарования, неспособности к жизненной борьбе. Сомовский портрет отражает женский идеал своего времени с его поэтизацией страданий и болезненности, особой изощренности и сложности, рафинированной хрупкости. При взгляде на «Даму в голубом» вспоминаются строки стихотворения современника Сомова поэта Федора Сологуба: Ты печально мерцала Между ярких подруг И одна не вступала В их пленительный круг. Незаметная людям, Ты открылась лишь мне, И встречаться мы будем В голубой тишине, И, молчание ночи Навсегда полюбя, Я бессонные очи Устремлю на тебя, Ты без слов мне расскажешь, Чем и как ты живешь, И тоску мою свяжешь, И печали сожжешь. ************************************************* Если Сологуб и Бальмонт были представителями символизма в поэзии Серебряного века, то основоположником этого художественного направления в русской живописи можно по праву назвать Михаила Александровича Врубеля (1856-1910). Тяготея к символико-философской обобщенности образов, он выработал свой особый живописный язык – широкий мазок «кристаллической» формы, цвет, понятый как окрашенный снег, и краски, сверкающие подобно самоцветам. Врубеля влекли поэтические образы Пушкина и Лермонтова.

Картина «Царевна-Лебедь» – это один из самых поэтических женских образов у Врубеля. В нем воплощена женская мечта о счастье. В сиреневых сумерках весенних северных ночей совершается великое таинство. Покоренная любовью царевича Гвидона и сама познавшая ответное горячее чувство, бессильная перед неминуемой судьбой, Царевна-Лебедь расстается со своей колыбелью – с коварным и любимыми волнами холодного моря; она должна принять облик земного человека, стать женщиной. Уже начинает таять плотное блестящее оперенье лебедя, превращаясь в легкое пушистое облако, которое потом, как девичьи слезы, прольется над робкими весенними лазоревыми цветами. И тяжко ей, и больно, и радостно это превращение. В прекрасных неземных очах ее живут и мерцают страх, тоска, любовь и упрек царевичу за отказ от лебединого единовластия, за покорность его воле... Как говорил В.М. Васнецов об этой картине, образ создан «редкостными по красоте, истинно сказочными красками». Вглядитесь в переливы голубовато-жемчужных, синевато-белых, лилово-сиренево-серых красок. Лебедь как бы возникает из стихии закатного сизого моря, из морской волны. Розоватый свет заката скользит по поверхности белоснежных крыльев, по легкому, прозрачному покрывалу и мерцающим драгоценным камням на кокошнике и кольцах царевны. В картине органически слиты воедино тонкая лирика, волнующая загадочность, сказочная фантастика и подлинная реальность. Царевна-Лебедь стала своеобразным символом нового тревожного столетия – ведь Врубель окончил свой холст в 1900 году. У замечательного русского теософа и поэта В.С. Соловьева, которого считают предтечей символизма в поэзии Серебряного века, есть стихотворение, соответствующее настроению картины Врубеля: Вся в лазури сегодня явилась Предо мною царица моя, – Сердце сладким восторгом забилось, И в лучах восходящего дня Тихим светом душа засветилась. А вдали, догорая, дымилось Злое пламя земного огня. На полотне запечатлена не только сказочная красавица, но и реальный человек – замечательная оперная певица Надежда Ивановна Забела, что именно этой женщине суждено было сыграть огромную роль в жизни М.Врубеля. Голос и пение Забелы смогла запечатлеть кисть Врубеля в этой прославленной картине. Среди миров Среди миров, в мерцании светил Одной Звезды я повторяю имя... Не потому, чтоб я Ее любил, А потому, что я томлюсь с другими. И если мне сомненье тяжело, Я у Нее одной ищу ответа, Не потому, что от Нее светло, А потому, что с Ней не надо света. / Иннокентий Анненский/- замечательный поэт, чья поэзия так созвучна творчеству поэта. ***************************************************** Борисов-Мусатов Виктор Эльпидифорович (1870-1905 гг.) – живописец, член Союза русских художников (с 1904 года) оказал влияние на становление символизма в русской живописи начала XX века. Из раздумий призрачно-зыбких, Пелены загадочных снов Возникает, как голос скрипки, Образ дамы лиловых тонов.

“Дама на веранде”. Изящная молодая женщина сидит на веранде. Платье облегает стройный стан. Причудливые серые тени на платье, серовато-дымчатый отблеск, падающий на печальное лицо и обнаженные плечи, - все это подчеркивает призрачность, нереальность образа. Баллюстрада веранды лиловых тонов. Даже куст цветов за спиной женщины с голубовато-серыми листьями, и роза, зажатая в лежащей на коленях руке, не алая, не белая, а розовато-серая. За балюстрадой угадывается залитый солнцем сад. Но в женской фигуре ощущается полная отчужденность от всего светлого и радостного: словно сама фея печали и одиночества предстала перед нами… Настроению картины Борисова-Мусатова «Дама на веранде» созвучно стихотворение поэта Серебряного века Иннокентия Анненского «Минута»: Узорные ткани так зыбки, Горячая пыль так бела, – Не надо ни слов, ни улыбки: Останься такой, как была; Останься неясной, тоскливой, Осеннего утра бледней Под этой поникшею ивой, На сетчатом фоне теней... Минута – и ветер, метнувшись, В узорах развеет листы, Минута – и сердце, проснувшись, Увидит, что это – не ты... Побудь же без слов, без улыбки, Побудь точно призрак, пока Узорные тени так зыбки И белая пыль так чутка... ******************************************* Традиция создания женских образов, являющих собой идеал красоты внешней и внутренней, не прерывается и в русском искусстве советского периода. Этот художник был нетипичен для советского искусства, и потому при жизни его талант остался невостребованным. Как это часто, к сожалению, случается с большими художниками, слава пришла к нему посмертно. Константин Алексеевич Васильев (1942-1976) трагически погиб в расцвете своего необычайного и редкостного творческого дарования, когда ему было всего 34 года и когда впереди, казалось, открывался путь к успеху. Наследие художника внушительно – 400 живописных, графических работ и эскизов, в которых он воспевает свою особую Русь. Его картины воссоздают мир славянских мифов, преданий, легенд, мир гармонии человека и природы. Один из самых чарующих женских образов создан Васильевым в картине «Ожидание», написанной незадолго до смерти – в 1976 году.

Деревянная рама окна, у которого стоит девушка с горящей свечой в руке, создает впечатление «картины в картине». Морозный узор на стекле окна, который обрамляет лицо и грудь девушки, делает ее похожей на загадочную птицу Сирин с темной короной на голове и белоснежным крылом. Сочетание в картине белых и коричневых тонов вызывает чувство беспокойства, смутной тревоги. Свет горящей свечи еще более подчеркивает невыразимую тоску в серых глазах девушки. Кого ждет она? Своего любимого? Может быть, сама Судьба постучит к ней в дверь в этот морозный зимний вечер? И, видимо, чувствует ее сердце: не принесет ей счастья эта Судьба... Образ пленительно-красивой девушки с русой косой, стоящей в томительном ожидании у окна, необыкновенно созвучен с женским образом из стихотворения Анны Ахматовой: Полно мне леденеть от страха, Лучше кликну Чакону Баха, А за ней войдет человек, Он не станет мне милым мужем. Но мы с ним такое заслужим, Что смутится двадцатый век. Я его приняла случайно За того, кто дарован тайной, С кем горчайшее суждено, Он ко мне во дворец Фонтанный Опоздает ночью туманной Новогоднее пить вино. И запомнит Крещенский вечер, Клен в окне, венчальные свечи И поэмы смертный полет... Но не первую ветвь сирени, Не кольцо, не сладость молений – Он погибель мне принесет. Неисчерпаема тема женских образов в живописи. Особая прелесть и непосредственность отличает женщин в молодости, красота и грация – в зрелости, одухотворенность – в старости...

В начале ХХ века в нашем календаре появился новый праздник, название которого звучало как революционный лозунг: «Международный женский день солидарности трудящихся женщин в борьбе за равенство прав».
К счастью, со временем этот день приобрел совсем иной смысл, и для нас 8 марта - праздник женской красоты и очарования.

Желая совместить историческое с приятным, мы собрали несколько картин милых, кокетливых и сильных тружениц от великих художников - вечных пленников женской красоты и добродетелей!

Алексей Венецианов, уроженец Москвы,впервые побывал в деревне в 35 лет, когда после свадьбы молодожены отправились проведать родителей жены в Тверскую губернию.

Художник был так очарован природой, что у него тут же возникло желание поселиться среди русских просторов и он покупает имение в Сафоновке.

Именно здесь он пишет картину «На пашне». Все творчество Венецианова пронизано поэзией,его картины, посвященные крестьянскому быту,идеализируют деревенскую жизнь.

В картины Венецианова с детства была влюблена Зинаида Серебрякова. В ее ранних картинах чувствуется незримая связь с творчеством русского бытописателя. Крестьянки Венецианова сто лет спустя словно продолжают жить на ее картинах.

Деревенские девушки у художницы величавые, с царственной осанкой, они неторопливо делают повседневную работу - истинная поэзия духовности!

Зинаида Евгеньевна Серебрякова." Жатва "
1915, 177×142 см.

Картины «Жатва» и «Беление холста» относят к лучшим произведениям Зинаиды Серебряковой. Они были написаны в родовом имении Нескучное в Харьковской губернии, где с 1898 года семья Серебряковых проводила лето и осень.

В 1914 году после продолжительного путешествия по Северу Италии Зинаида приехала в Нескучное и сразу принялась за работу над картиной «Жатва».

Изучение творчества художников итальянского Возрождения, только недавно увиденных в музеях и галереях, ощущается в классически построенной композиции, а монументальность форм подчеркивает красоту женских фигур на фоне пейзажа с пшеничными полями, неровно уходящими за горизонт.
Эти картины считают последними идиллическими картинами дореволюционной России.

Зинаида Евгеньевна Серебрякова." Беление холста "
1917, 141.8×173.6 см.

Кружева, пудра, помада - все, что прелестнице надо...

Французские дамы тоже трудятся, не покладая рук, на картинах художников. В эпоху рококо самой модной профессией городских жительниц была работа модистки.

Элегантные и роскошные наряды, корсеты, вышивки и кружева составляли все женские помыслы, ведь нужно было поспевать за законодательницей мод мадам Помпадур!

И фантазии юных дев воплощали мастерицы на все руки - модистки. Франсуа Буше на картине «Модистка» словно украдкой заглядывает в комнату и подглядывает за дамами, которые обсуждают будущую модель.

Франсуа Буше. " Модистка "
53×64 см.

В XVIII веке в эпоху Просвещения во Франции в искусстве было принято восхвалять и утверждать достоинства третьего сословия, а в живописи хорошим тоном считалась простота и естественность.

Жан-Батист Грёз в картине «Прачка» не только изображает грациозную и очаровательную юную труженицу - таким образом он воспевает трудолюбие.

В России во второй половине XVIII века Грёз стал модным художником, дворянская знать наперебой заказывала ему портреты, сама императрица Екатерина ІІ по совету Дидро приобрела у художника картину «Паралитик» .

Безусловно, такая популярность творчества Грёза не прошла незаметно для русской живописи, его картины имели большое влияние на русский портрет.

Жан-Батист Грёз." Прачка "
1761, 32×40 см.

Мастерицы-кружевницы

«Русским Грёзом» называли Василия Тропинина за очаровательные женские портреты. Он впервые в русской живописи создал новый тип жанрового портрета - поэтический образ девушки за работой.

Юные красавицы на картинах «Кружевница» и «Золотошвейка», занятые своей работой, на минутку отрывают взгляд от своей работы и лукаво смотрят на зрителя.

Василий Андреевич Тропинин. " Золотошвейка "
1826, 64×81 см.

Тропинин был крепостным художником и только в возрасте 47 лет получил вольную. Символично, что именно 1823 год - год написания «Кружевницы», приносит художнику и свободу, и официальное признание.

В этот год он впервые показывает свои работы в Академии художеств, и художника удостаивают звания «назначенного в академики». Так интимный портрет горожанки принес свободу и успех его творцу.

Тропинин." Кружевница "

Хранительница домашнего очага

Домашнее хозяйство всегда было на женских плечах и кухонные хлопоты - прямая обязанность. Для некоторых это благословение, а для многих - морока. Для героини картины «Кухарка» Бернардо Строцци - это долг и священнодействие.

Можно задавать себе много вопросов, глядя на картину. Например, почему молоденькая девушка потрошит птицу в нарядном платье и бусах? Большая ли у нее семья, ведь на ужин предполагается изрядное количество блюд?

Кто изображен на картине - может,художник изобразил свою жену и поэтому она так ласково смотрит на зрителя? Такой вариант вполне возможен: картина на бытовой сюжет у Строцци - большая редкость и для супруги он вполне мог сделать исключение.

Бернардо Строцци." Кухарка "
1625, 185×176 см.

Автор картины - итальянский художник эпохи барокко с примечательной биографией. Авантюрный характер Строцци отразился на всей его деятельности: в юности он вступил в орден капуцинов и стал священником, затем учился живописи в мастерской генуэзского художника Сорри и одновременно работал корабельным инженером на генуэзском флоте.

Позже художник сбежал из монастыря и скрывался от преследований монахов в Венеции. Но занятий живописью Строцци не оставлял никогда. Основной его темой были портреты,религиозные и мифологические сцены, а на творческую манеру большое влияние оказала живопись Караваджо.

«Профессия» пастушки некогда была очень популярна и художники к ней часто обращались. Трогательный образ немолодой пастушки находим в творчестве Ван Гога, который с особой теплотой и любовью писал простых деревенских жителей.

Взгляните на колорит картины: желтые пшеничные поля - цвет солнца и тепла, мягко противопоставлен синей накидке пастушки, - частый прием в работах художника,но он не вызывает тревожных чувств, как на других его картинах.

Ван Гог оттенками цвета необыкновенно точно передает свои чувства. Какие бы вихри не бушевали вокруг, женщина спокойна и покорна нелегкой судьбе… И наше главенствующие и искреннее чувство при виде этой картины - «сопереживание».

Винсент Ван Гог. " Пастушка "
1889, 52.7×40.7 см.
Художник создал эту работу во время лечения в Сан-Реми на юге Франции. В этот период 1889-1890 годы он изучал творчество основателя барбизонской школы Жана Франсуа Милле, и за это время сделал копии с 23 его картин, среди них и «Пастушка» (хотя трудно картину Ван Гога назвать копией).

Винсент так пишет своему брату о своем занятии:
«Уверяю тебя, что мне страшно интересно делать копии, и, поскольку сейчас у меня нет моделей, я при помощи этих копий не заброшу работу над фигурой.
Я использую черно-белые репродукции Делакруа и Милле, как если бы это были реальные жизненные сюжеты. А затем я импровизирую цвет, хотя конечно не совсем так,как если бы делал это сам, а стараясь припоминать их картины.
Однако это „припоминание“, неясная гармония их красок… и есть моя интерпретация».

Сравнивая картины двух художников, кажется, что Ван Гог написал пастушку в своем воображении.

Милле "Пастушка"1, Милле "Пастушка" 2.

Жан Батист Шарден наблюдал за жизнью простых горожан и писал сюжеты из их повседневной жизни. От картины «Прачка» веет тихим домашним уютом, где все согрето заботами хозяйки.

Пока мама стирает, сын занят своей нехитрой забавой. Детские образы всегда присутствуют на картинах Шардена, подчеркивая любовь матери к ребенку. Демонстрация этих отношений помогают ему создавать душевную атмосферу тепла и скромной, но значительной и наполненной жизни горожан.

Женский труд на картинах художника приравнивается к благородной работе, сделанной с особым старанием и любовью.

Жан Батист Симеон Шарден. " Прачка "

Передовицы соцтруда - мы новый мир построим!

Новые профессии осваивают женщины в советской стране. У нас они не просто какие-то западные модистки-модницы - советская женщина может и метро построить!

В графической серии 1930-х годов Александра Самохвалова портреты девушек-метростроек воплотили идеал социалистического труда.

Задор, молодая энергия, оптимизм и сила бьют через край в этих работах - мы построим новую страну. Вот она со сверлом, с лопатой,красивая, сильная и счастливая, ей все по плечу!

Художник включился в идейный путь страны, он искренне верит во всеобщее созидание на благо светлого будущего. А душевные порывы художника - материя вполне осязаемая, лишь взгляните на работы!

← Вернуться