Значение декоративно прикладного искусства в настоящее время. Варианты декоративно-прикладного творчества для развития детей

Введение

Роль декоративно-прикладного искусства в жизни народа

2 Философия декоративно-прикладного искусства

Развитие декоративно-прикладного искусства в наше время

2 Роль декоративно-прикладного искусства в современном обществе

Заключение

Введение

Данное понятие сформировалось в человеческой культуре не сразу. Первоначально то, что окружает человека в повседневной жизни, не воспринималось как имеющее эстетическую ценность, хотя красивые вещи окружали человека всегда. Еще в каменном веке предметы быта и оружие украшались орнаментами и насечками, чуть позже появились украшения из кости, дерева и металла, для работы стал использоваться самый разнообразный материал - глина и кожа, дерево и золото, стекло и волокна растений, когти и зубы животных. Роспись покрывала посуду и ткани, вышивкой украшали одежду, насечку и чеканку наносили на оружие и посуду, ювелирные украшения делали практически из любых материалов. Но человек не задумывался над тем, что привычные вещи, окружающие его всю жизнь, можно назвать искусством и выделить в отдельное течение. Но уже в эпоху Возрождения отношение к обыденным предметам стало меняться. Это было вызвано пробуждением интересов людей к прошлому, связанному с возникшим тогда культом античности. Одновременно возник интерес к жилищу, как предмету, равноценному с точки зрения эстетической ценности другим предметам искусства. Наибольшего развития декоративно-прикладное искусство достигает в эпоху барокко и классицизма. Очень часто простая, практически удобная форма предмета скрывалась за изысканными украшениями - росписью, орнаментом, чеканкой.

Современный художественный процесс сложен и многогранен, так же как сложна и многолика современная действительность. Искусство, понятное всем, окружает нас повсюду - дома и в служебном помещении, на предприятии и в парке, в общественных зданиях - театрах, галереях, музеях. Все - от колец, браслетов и кофейных сервизов до целостного тематического комплекса произведений декоративно-прикладного искусства для крупного общественного здания - несет на себе многообразие художественных поисков мастеров, тонко чувствующих декоративное назначение предмета, организующих и наполняющих красотой наш быт. Для создания необходимых для человека удобств и в то же время для украшения его жизни художники стремятся к тому, чтобы все вещи, которыми пользуются в обыденной жизни, не только соответствовали своему назначению, но и были красивыми, стильными и оригинальными. А красота и польза всегда рядом, когда берутся за дело мастера, и из самых разных материалов (дерева, металла, стекла, глины, камня и проч.) создают предметы быта, являющиеся произведениями искусства.

1. Роль декоративно-прикладного искусства в жизни народа

1 Особое место декоративно-прикладного искусства

Более столетия в гуманитарные дисциплины в разных формах буквально вторгается этническая проблематика, пересортировывая уже более или менее установившиеся понятия и раскрывая в них новое содержание. В самом деле, внешне наблюдаемые синкретизм и эвристичность этнической действительности не могут оставаться не замеченными теми разделами человековедения, которые претендуют на систематичность. Наряду с исследовательскими задачами раскрытия общего и особенного в культурном обиходе различных этнических общностей существует острая, во многих случаях неотложная необходимость поиска народных обычаев, и оперативного решения практических психологических задач по установлению минимальных культурных средств. Особое место в ряду этих средств занимает декоративно-прикладное искусство (ДПИ), которое теснейшим образом связано, точнее, органично вырастает из привычного, укоренившегося бытового уклада народа. ДПИ народов, в частности справедливо рассматриваются ныне не как отживающие свое время предметы ведения хозяйства, а как полифункциональные, конституирующие одновременно менталитет (по Л. Февру) и утилитарное пользование, как красивые, мастерски и сообразно назначению выполненные вещи, в которых проявились народные таланты и художественная культура, технология и самосознание этноса, личность автора и общественная норма. ДПИ никогда не ограничивало свои функции только утилитарно-оформительскими (декоративными). Какую бы сторону жизни славянских племени ни рассматривать, везде можно увидеть два взаимовлияния: жизни на искусство и искусства на жизнь. В этом «вдыхании и выдыхании» искусства ощутимо прослеживаются ритм мышления народа, его магичность и «пралогичность», мировоззрение и система межличностных отношений, воспитательные устои и этические приоритеты. То, каким образом эти прошедшие горнило художественного осмысления знаки воздействуют на становящееся поколение этнической общности, и составляет объект нашего исследования.

По мысли Г. В. Ф. Гегеля, «если речь идет о всеобщей, а не случайной цели искусства, то, принимая во внимание его духовную сущность, эта конечная цель может носить лишь духовный и притом не случайный, а коренящийся в самой природе цели характер. В отношении назидания эта цель могла бы состоять лишь в том, чтобы посредством художественного произведения доводить до сознания существенное духовное содержание. Искусство действительно стало первым учителем народов». К этому следует добавить, что тождество народа и его культуры означает его самореализацию, инобытие его духа, развернутость и внешнюю представленность в виде продуктов культуры его мышления. Художественный образ, сопутствующий произведению ДПИ, не только определяется назначением вещи или материала, из которого она изготовлена, но и является истоком, средством и итогом семиотической деятельности, знаком и посланием одновременно. Поэтому применительно к народам с первозданно сохранившимся ДПИ можно утверждать, что ребенка с самого рождения начинают воспитывать немые до поры до времени посланники культуры. Какой бы предмет ни брал в руки ребенок, он с раннего возраста сталкивается с необходимостью распредмечивания этого послания, поскольку нет такой области обихода, тем более у народов, чей уклад пока не очень восприимчив к идеалам массовой европейской или азиатской культуры (где наряду с массовостью нарастает отчужденность), куда не проникали бы изделия художника «быта». Общая задача психологического исследования может, таким образом, быть ориентирована на определение действительной роли ДПИ в детском развитии народа, поскольку даже самое предварительное наблюдение за устоявшимися формами воспитания указывает на глубокую включенность ДПИ во все культурные обстоятельства детской деятельности.

У славян, продолжающих жить в контексте природы (деревни, хутора и т.д.) и сохраняющих свой привычный уклад, это воспитание происходит при помощи окружающего мира, оформленного не только в «понятиях», как у техногенного общества, но и в знаково-символическом пространстве - своеобразном преломлении через декор, орнамент и мозаику, заложенные в предметах обихода, в одежде, в укладе жизни, в вечно живущих и бережно хранимых заповедях, которые передаются из века в век не в виде наставлений и советов «как жить», а через традиции совместного изучения, использования, изготовления предметов ДПИ. По словам Д.Лукача, «украшая орудия труда, человек уже в незапамятные времена овладевал отдельными предметами, которые и практически, и технически уже давно являлись своего рода продолжением его субъективного радиуса действия, делал их составной частью своего «я» в широком смысле». В самом деле, ДПИ у славян - это язык общности, начальные признаки освоения которого можно обнаружить и у детей. Этот язык не формировался специально, но в условиях национального интерната - своеобразной границы двух культур: внешней и внутренней, своей, - он становится одной из наиболее развитых систем средств, которыми готов распорядиться ребенок в новой для себя ситуации.

2. Философия декоративно-прикладного искусства

Сочетание этнографических, историко-культурных и психологических методов является, по мнению И. С. Кона, необходимым для корректного изучения психолого-философского феномена. Именно поэтому в исследовании функции и роли ДПИ в формировании средств адекватной ориентировки детей в окружающем мире мы рассматриваем ДНИ как самостоятельное явление, пытаясь на первых шагах определить его границы и в общих чертах представить его философскую феноменологию. Иными словами, острие нашего исследования обращено к феномену ДПИ таким образом, чтобы за формами игрового поведения и мышления ребенка, улавливаемыми в решении им специальных задач, раскрыть общее значение ДПИ для детского развития.

Исследования культурно-философского характера (Дж.Фрэзер, Э.Б.Тайлор, Л.Леви-Брюль, К.Леви-Строс и др.) раскрывают для нас особое пространство существования мысли «натуральных» славян (до сих пор поддерживающих особое отношение с природой). Это пространство исполнено духа (мышления) народа, рагзграфлено его традициями, обрядами, этническими стереотипами, насыщено магичностью, партиципированностью, пралогичностью и др. ДПИ - существенная и неотъемлемая часть, момент этого духа; одним из наиболее существенных его свойств является адресованность каждому вновь зарождающемуся поколению этнической общности. Именно в этой форме (наряду с оформленной или оформляющейся письменностью) языком костюма и орнамента, узора и обряда, декора и цвета народы сохраняют связь времен и передают от деда к внуку свои этнические нормы. Этот процесс передачи скрыт от посторонних глаз; он интимен, хотя и повседневен, несистематичен, хотя и регулярен; он задан культурным обиходом, но осваивается личностным образом.

Итак, все предметы домашнего обихода славян изготавливались, исключительно из местных материалов. Каждая семья имела множество берестяных емкостей разной формы и назначения, а из дерева мужчины вырезали ступы, кадушки, черпаки, ложки. Оригинальны были коробки, тарелки. В мешках и разных сумках, сшитых из шкур и тканей, хранили одежду и мелкие предметы. Возможно, важнее этих, сугубо практических и утилитарных функций были информативные и магические функции ДПИ. Красочно и художественно, с большой выдумкой изготавливались одежда, обувь. Информативную (идентификационную) функцию несли элементы цветового оформления и орнамент, который был широко распространен. Узорами украшали одежду, обувь, головные уборы, пояса, игольницы, подушки, сумки, коробки, кузова, колыбели. Орнамент славян, как и любой другой этнический графемный язык, отличался богатством форм, многообразием сюжетов, строгостью и четкостью построения. Поэтому орнаментация предметов, как, впрочем, и все ДПИ в целом, должна восприниматься нами не как причудливая фантазия мастера, а как важная часть народной культуры, как средство выражения художественных вкусов, национальных особенностей народа, его мировоззрения и истории.

Воспитательная функция ДПИ, быть может, не является ярко выраженной для стороннего наблюдателя, но ее обстоятельность и регулярность, безусловно, заметны. Ребенка уже с колыбели сопровождают предметы обихода, выполненные в яркой художественной технике ДПИ. Насколько мы можем судить по результатам опросов, интервью и наблюдений, в ходе этого включения в культуру имеет место своеобразная трансформация «симбиоза» воспитателя (у ханты он в явном виде не выделяется, эту функцию берут на себя все взрослые, находящиеся рядом с ребенком), знаково-символической системы ДПИ и ребенка. Психологическое расстояние между взрослым, ребенком и предметом начинает уже в раннем детстве существенно преобразовываться у этой немногословной культуры в своеобразный паритет.

Будучи языком общности, ДПИ несет в себе идеи, объединяющие народ в единое целое, общий знак, который консолидирует духовные силы ханты и их способы самосознания и выражения веры в лучшее будущее, признаки которой легко обнаруживаются у детей. При этом обращает на себя внимание, что язык ДПИ полностью не сформирован (или уже утерян) как всеобщая этническая универсалия и используется в основном без понимания.

Вероятнее всего, воспитывающее значение ДПИ превосходит все наши возможные представления о нем. Одно ясно, только практическими, утилитарными функциями оно не ограничивается: когда-то давно изделия ДПИ несли в себе функцию «оберега» и обойтись без них не мог ни один человек. Злые духи накинулись бы на него и нанесли ему увечья или наслали бы болезни. Эти изделия, например украшения для женщин, орнамент или родовой знак на одежде для мужчин, защищали их владельцев от воздействия не ясных еще для них сил. В наше время люди не всегда сознаются, что верят в чудодейственную силу украшений и орнамента, но продолжают изготавливать и носить эти изделия. Кроме того, что украшения прекрасны и изумительны, они выражают национальную, родовую и этническую принадлежность, а раньше несли еще и идентификационно личностную определенность их владельцев.

Феномен ДПИ пронизывает все стороны жизни: организацию быта, уклад семейных, родовых, «международных» и межличностных отношений. Не всегда роль и функции ДПИ (просветительские, обрядовые, эстетические и др.) четко осознаются, но они стабильно содержатся в любом предмете искусства, в проявлениях поведения и мышления. ДПИ понимают, ценят, пользуются его результатами все члены данного сообщества, и не будет преувеличением сказать, что и занимаются им многие. Отношение к ДПИ может служить мерой самосознания народа как содержащее ментальную цельность и выражающееся в знаково-символическом «послании» для других и для себя.

2. Развитие декоративно-прикладного искусства в наше время

1 Возникновение декоративно-прикладного искусства

Поэтому не будем выдумывать никаких новых определений ДПИ и обратимся к Российскому энциклопедическому словарю (РЭС) - книге, призванной сухо констатировать стереотипные взгляды на любые научные феномены. ДПИ в нем представлено весьма обстоятельной статьей:

«Декоративно-прикладное искусство - область декоративного искусства: создание художественных изделий, имеющих практическое назначение в общественном и частном быту, и художественная обработка утилитарных предметов (утварь, мебель, ткани, орудия труда, средства передвижения, одежда, украшения, игрушки и т.д.). При обработке материалов (металл, дерево, стекло, керамика, стекло, текстиль и др.) используются литье, ковка, чеканка, гравирование, резьба, роспись, инкрустация, вышивка, набойка и т.д. Произв. Д.-п.и. составляют часть предметной среды, окружающей человека, и эстетически ее обогащают. Они обычно тесно связаны с архитектурно-пространственным окружением, ансамблем (на улице, в парке, в интерьере) и между собой, образуя худ. комплекс. Возникнув в глубокой древности, Д.п.и. стало одной из важнейших областей народного творчества, его история связана с художественным ремеслом, с деятельностью профессиональных художников и народных мастеров, с начала 20 в. также с дизайном и конструированием».

Итак, в «декоративном искусстве» выделены три вида: монументально-декоративное искусство, оформительское искусство и ДПИ.

Сразу зададимся вопросом: почему из этих трех видов только ДПИ получило краткое наименование, известное практически каждому? Почему есть общеупотребительное наименование художников, работающих в области ДПИ - «ДПИшники», и нет «МДИшников» и «ОИшников»? Почему, когда говорят о «прикладниках», то имеют в виду именно художников ДПИ?

Посмотрим: любой художник-монументалист может назваться живописцем (или скульптором), и возражений это ни у кого не вызовет. Художники-оформители (как и плакатисты, как и сценографы) вправе называться либо графиками, либо живописцами (а иногда и скульпторами), и это тоже в порядке вещей. А вот «ДПИшники» (официально - «прикладники») - это и ювелиры, и керамисты, и шкатулочники, и мастера народных промыслов, и кто угодно, только не живописцы, не графики и не скульпторы.

И если ювелир или керамист назовет себя скульптором, а палехский или ростовский миниатюрист - живописцем, то это вызовет у окружающих в лучшем случае легкое удивление, а в худшем - замечание вроде «не садись не в свои сани».

Характерно, что РЭС «узаконил» и эту ситуацию. Не вдаваясь в перипетии различных направлений философии искусства, его авторы утверждают:

«Искусство,

) худ. творчество в целом - литература, архитектура, скульптура, живопись, графика, декоративно-прикладное И., музыка, танец, театр, кино и др. разновидности человеческой деятельности, объединяемые в качестве художественно-образных форм освоения мира...

) В узком смысле - изобразительное искусство.

) Высокая степень умения, мастерства в любой сфере деятельности».

А «искусство в узком смысле» - изобразительное, - по мнению авторов РЭС, означает «раздел пластическое искусство, объединяющий живопись, скульптуру и графику».

И если отсутствие в этом исчерпывающем списке, например, фотоискусства может объясняться относительной новизной последнего, то почему сюда не вошло ДПИ, существующее в течение многих тысячелетий?

2.2 Роль декоративно-прикладного искусства в современном обществе

Для того, чтобы понять, случайно или неслучайно возникла такая странная ситуация с ДПИ, необходимо вспомнить тридцатые-пятидесятые годы ХХ века - длительный период формирования «союзов советских художников». Именно тогда при создании МОСХа и СХ СССР были на равных правах выделены секции живописцев, графиков, скульпторов, оформителей, монументалистов и «прикладников».

Наверное, при решении организационных вопросов союзов все эти секции действительно пользовались равными правами. Но путаница началась уже тогда.

Дело в том, что нелегко назвать живописца, ни разу в жизни не оформлявшего какой-либо музей, выставку, церковь или дом культуры. Или скульптора, работавшего исключительно в станковой пластике и не поставившего ни одного монументального произведения. Или графика, ни разу не проиллюстрировавшего ни одной книги.

Так и получилось, что среди «равноправных» секций были три «наиболее равноправных» - живописцев, графиков и скульпторов, которые могли заниматься и своим «высоким» станковым искусством, и параллельно делать все то, что, по идее, относилось к компетенции монументалистов и оформителей. А членам «прикладных» секций, конечно, никто не мог запретить заниматься «станковизмом», но на массовых общесоюзных выставках они могли рассчитывать лишь на «периферийные» залы, а закупка у них станковых произведений была скорее исключением, чем правилом.

Следовательно, любой художник, хоть раз в жизни попробовавший себя в станковой живописи, графике или скульптуре (а как же без этого?), прежде всего пытался вступать в секции, формировавшие «искусство в узком смысле». А если почему-то не получалось, шел «на окраину» - в монументалисты или оформители. Исключения из этого правила, конечно, были, но лишь по субъективным причинам - если, например, все друзья-приятели художника N уже вступили в МОСХ как оформители, то зачем N было пытаться идти в живописцы или графики с огромным риском «прокатывания» на приемной комиссии? Лучше уж сразу к «своим»...

Были и исключения другого рода: в истории каждого из «союзов советских художников», как и в ныне существующих российских творческих союзах, известны периоды, когда «у руля» оказывались монументалисты или оформители. Но и эти ситуации имели и имеют исключительно субъективный характер.

Справедливости ради отметим, что столь же условным и субъективным было деление на живописцев и графиков. Например, какой живописец никогда не писал акварелью и никогда не брал в руки пастель?

Но отнесение живописца к графикам, хотя и означало невозможность нахождения в почетном центре любой всесоюзной (а теперь и всероссийской) экспозиции, все же не было равнозначно выпадению из «искусства в узком смысле» - изобразительного.

Как мы уже видели, монументалисты и оформители не теряли права именоваться живописцами и графиками и, соответственно, из «искусства в узком смысле» тоже не выпадали. Скульпторы-монументалисты никогда из «общескульптурного сообщества» и не выделялись.

А вот «прикладникам» повезло меньше всех. Они оказались вечным «вторым сортом». Оказалось, что ювелиры, керамисты и художники по стеклу - не скульпторы, а миниатюристы - не живописцы. На пышном и развесистом древе советского официозного признания им в лучшем случае светило звание «заслуженного художника» или «заслуженного деятеля искусств». Народный художник СССР, членкор, а тем более действительный член Академии художеств - эти «высоты» для них были заоблачными. Более того, для подавляющего большинства «прикладников» практически исключалось «свободное плавание» (заказы официальных организаций, минкультовские закупки с выставок и пр.) - они были вынуждены либо зарабатывать через «народные промыслы», либо «левачить».

После краха советской власти формальные ограничения деятельности «прикладников» исчезли, но клеймо «второсортности» осталось. Совсем недавно одному моему знакомому живописцу, подавшему заявление о приеме в Московский союз художников, предложили вступить в секцию ДПИ лишь потому, что он имел неосторожность принести на приемную комиссию не фотографии своих станковых работ, а типографски изданные открытки с их репродукциями. И если бы в наше время не было «альтернативных» союзов художников, этот живописец так бы и остался «прикладником».

Так откуда эта априорная «второсортность прикладников», и оправдана ли она?

Весьма вероятно, что в условиях монопольного господства советской распределительной системы такая «второсортность» имела определенные резоны.

«Исторически» - с XVIII до начала XX века - российские ювелиры, стеклодувы, керамисты, вышивальщики и прочие «прикладники» были в значительной степени «обезличены». Широкой публике были известны лишь имена хозяев заводов и мастерских, а почти все мастера - пусть самые талантливые - крайне редко имели возможность проявить свою авторскую индивидуальность.

В отношении живописцев и скульпторов Императорская академия художеств, жестко навязывая свой стиль и «правила игры», обезлички почти никогда не допускала, сохранив для истории имена даже многих «подмастерьев». А подавляющее большинство «рядовых» мастеров ювелирной, стекольной и фарфоровой промышленности Российской Империи безвозвратно кануло в Лету. Беспрецедентный взлет авторского «декоративно-прикладного искусства СССР» произошел только в конце пятидесятых годов ХХ века.

А в 1930-1950-е годы руководители творческих союзов и их кураторы из партийных органов достаточно искренне (во всяком случае, в соответствии с «императорской» традицией) попытались отделить «агнцев от козлищ» - «подлинных творцов» от «поделочников».

Именно тогда и возникло разделение художников на «чистых и нечистых» - «станковистов» и «прикладников». По идее, «настоящим советским» живописцам и скульпторам не подобало подрабатывать на народных промыслах и мастерить игрушки (о том, что множество на самом деле настоящих художников были вынуждены подрабатывать грузчиками и истопниками, сейчас речь не идет). Да и штамповать «клоны» своих произведений, ставя свою живопись и скульптуру на промышленный поток, по идее, «настоящие художники» не должны были - а для «прикладника» это вроде бы в порядке вещей.

Таким образом, у нас остался нерешенным один вопрос: что делать с термином «декоративное искусство», произведения которого, согласно РЭС, «художественно формируют окружающую человека материальную среду и вносят в нее эстетически-образное начало», но при этом, в отличие от «самодостаточного» станкового искусства, «наиболее полно раскрывают свое содержание в ансамбле, для эстетической организации которого они созданы»?

Да, отказаться от деления произведений искусства на «декоративные» и «станковые» еще сложнее, чем на «станковые» и «прикладные». Но, по всей видимости, нам придется сделать и это. В противном случае споры о том, «станковый» или «декоративный» характер имеет «Сикстинская Мадонна», могут быть бесконечными и бесплодными, так как любые мнения здесь могут быть исключительно субъективными.

Например, где лучше смотрится «Троица» Андрея Рублева? В слабоосвещенном и закопченном, но «родном» соборе, или все-таки в Третьяковке, где она абсолютно сохранна и выставлена в соответствии со всеми экспозиционными канонами?

Согласно стереотипному взгляду, «узаконенному» РЭС, получается, что признание рублевского шедевра «декоративным» или «станковым» произведением зависит исключительно от ответа на вопрос, где «Троица» смотрится лучше. Но на самом деле, наверное, не зря говорится: шедевр - он и в Африке шедевр. И более того, даже если вдруг однозначно выяснится, что в соборе рублевская «Троица» смотрится лучше, чем в Третьяковке, неужели у кого-то повернется язык назвать эту икону «произведением декоративного искусства»?

Действительно, «Троицу» так никто и не называет. Но подавляющее большинство икон обычно классифицируется именно таким образом.

Значит, и с «декоративным искусством» получается точно так же, как с ДПИ: в сложившейся искусствоведческой практике этот термин априорно выражает второсортность произведения. Следовательно, «второсортными» оказываются и все виды искусств, входящие в него: монументальное, оформительское и прикладное, с которого мы начали наше исследование.

Но ведь мало кто из современных искусствоведов не согласится с тем, что чувство ансамбля, способность к формированию единого пространства, выход авторской концепции за рамки собственно произведения - это «высший пилотаж», и на него способен далеко не всякий «станковист».

Так вправе ли мы здесь говорить о «втором сорте»? Нет, и еще раз нет. Но именно эту «второсортность» нам диктует современное стереотипное понимание «декоративного искусства».

Конечно, мы ни в коем случае не собираемся полностью отказываться от понятия «декоративности» как такового. Например, возможно первичное позиционирование произведения искусства в качестве «декоративного», как это имело место у Рафаэля с «Сикстинской Мадонной» или у Рублева с «Троицей». Мы видим и повсеместное использование «станковых» вещей в декоративных целях: большинство двумерных и трехмерных произведений искусства все-таки находится не в музеях, а «общественном и частном быту» в интерьерах.

Но сегодня вещь может оказаться в интерьере, завтра - в музее, а послезавтра - опять вернуться в интерьер. Все эти случаи подлежат лишь локальной оценке и ни в коем случае не влекут за собой классификационного отнесения к таким глобальным категориям, как станковое или декоративное искусство.

Л.В. Тазьба в статье «Рейтинг художников и философское понимание искусства», опубликованной в третьем выпуске справочника «Единый художественный рейтинг», определил феномен искусства (вне политико-экономической и конкретно-социальной целесообразности) как субъектно-объектное единство «художник-произведение». Этот подход, по мнению Л.В. Тазьбы, дает каждому возможность проявления себя в ситуации «зритель-произведение».

Эти определения помогут нам перейти от устаревших понятий станкового и декоративного искусства к более современной терминологии. Ведь «станковизм» и «декоративность» классифицируют произведения искусства в соответствии с их местонахождением в том или ином пространстве - храме, музее, коридоре, спальне и т.п.. Значит, мы вправе сказать, что эти термины обозначают пространственную составляющую ситуации «зритель-произведение».

Все произведения имеют несомненные художественные достоинства, но есть в них и некая успокоенность и повторы уже найденных приемов. Работам многих признанных мастеров не хватает подчас творческой смелости, остроты, поиска новизны формы. Может быть, поэтому в экспозиции привлекают внимание попытки внести творческое начало в технику макраме, которая за последние годы получила широкое распространение. Это относится прежде всего к большому триптиху Т. Мязиной (Московская область) "Березовая роща" и гобелену художников В. и Н. Яновых "Ярмарка" (Горький). Большой интерес вызвал на выставке гобелен молодых краснодарских художников В. и Л. Зубковых "Кубанская нива", выполненный в смелой экспрессивной манере. Удачно найдена и его фактура, слегка напоминающая густые кубанские хлеба.

Пластические виды искусства: стекло: керамика, фарфор и другие - были представлены в экспозиции в основном экспериментальными работами. Поиски идут самые разнообразные. В стекле мы уже привыкли к крупным декоративным формам, которыми оперируют наши ведущие художники-стекольщики для выражения своего мироощущения, а порой и глубоких философских мыслей. Таковы произведения Л. Савельевой, В. Муратова, Б. Федорова. Они интересны нам в плане развития тем и образов, которыми постоянно увлечены эти художники. От выставки к выставке растет и оттачивается мастерство гравировки и гранения хрусталя у А. Аствацатурьяна (Ленинград), О. Козловой и В. Корнеева (Гусь-Хрустальный), богаче и наполненней становится пластика в композициях С. Бескинской (Москва), А. Степановой (Москва), Л. Уртаевой (Москва), эмоциональней и тоньше цветовое решение работ Г. Антоновой (Москва), С. Рязановой (Москва), Д. и Л. Шушкановых (Москва). Для художников стекла открыты большие возможности в передаче таких свойств материала, как прозрачность, вязкость, хрупкость, тягучесть, пространственность. Выявление всех этих свойств стекла стало возможным благодаря высокому техническому уровню нашей стекольной промышленности. Трудно представить, как могли выглядеть работы гусевских художников, если бы на заводе не умели сварить чудесный цветной хрусталь, или вряд ли увидели бы мы последние произведения Б. Федорова, не будь на Дятьковском хрустальном заводе таких богатых традиций гранения хрусталя.

От этой составляющей во многом зависит восприятие субъектно-объектного единства «художник-произведение». Действительно, любой зритель воспринимает произведение (вместе с имеющейся у него информацией о художнике) прежде всего в окружающем пространстве - музейном, интерьерном, культовом, градостроительном и т.п..

Уточним: в пространстве воспринимает произведение не только зритель. Художник своим замыслом обычно охватывает и «станковый» или «декоративный» характер создаваемого творения, т.е. также мыслит для него определенное местоположение в пространстве. Но этот замысел является неотъемлемой составляющей акта создания произведения и, следовательно, включается в субъектно-объектное единство «художник-произведение». А впоследствии местоположение произведения в пространстве (для краткости обозначим его как «место произведения») может многократно меняться - мы уже говорили, что сегодня вещь может оказаться в интерьере, завтра - в музее, а послезавтра - опять вернуться в интерьер.

Видится полезным сделать еще одно уточнение. Несомненно, ценности искусства вечны и непреходящи - в наше время для констатации этого факта глубокие экскурсы в философию вряд ли необходимы. И все же восприятие любого произведения искусства существенно коррелирует со вкусами и традициями той или иной эпохи, в которую живет зритель. В том числе и в вопросе отнесения к «станковизму» или «декоративному искусству» (т.е. в мотивации размещения того или иного произведения в музее, на площади, в храме, в спальне и т.п.).

Таким образом, если мы отказываемся от понятий «станковизма» и «декоративности» как первичных классификаторов, мы должны добавить к субъектно-объектному единству «художник-произведение» составляющие, обозначающие зрительское восприятие - место и время восприятия произведения. Место и время создания произведения входят в первую составляющую - «художник», поэтому, чтобы отличать зрительское восприятие от акта создания произведения, назовем место и время зрительского восприятия обстоятельствами места и времени.

Итак, исчерпывающим теоретическим инструментом для восприятия, оценки и классификации того или иного произведения искусства может являться субъектно-объектное единство «художник-произведение», бытующее в обстоятельствах места и времени.

Все извечные проблемы зрительского восприятия - «нравится-не нравится», «хорошо-плохо» - определяются взаимодействием этих первичных категорий. Но в любом случае в искусстве не место плагиату и бездуховному тиражированию - только уникальность и неповторимость единства «художник-произведение» (по-разному воспринимаемого в различных обстоятельствах места и времени, но не меняющего от этого своей глубинной, подлинной сути) создают тот феномен, который мы называем искусством.

А все остальные составляющие восприятия, оценки и классификации произведений искусства (двумерность или трехмерность, «декоративное» или «станковое» первичное позиционирование, декоративное или музейное размещение в ту или иную эпоху, реалистичный или абстрактный стиль, пластика, цветовая гамма, художественные материалы и пр.) могут играть роль лишь вспомогательных, но отнюдь не первичных.

И никакого деления творцов на «чистых и нечистых» - станковистов и прикладников, реалистов и абстракционистов, традиционалистов и концептуалистов, монументалистов и миниатюристов - на этом уровне понимания быть не должно. Истинное (а не декларативное) равенство всех течений и направлений в искусстве - одно из величайших завоеваний искусствознания ХХ века, и настало время привести в соответствие с этими достижениями и базовую терминологию.

барокко ювелир прикладной классицизм

Заключение

Декоративно-прикладное искусство уходит своими корнями в глубь веков. Человек создавал эстетически ценные предметы на всем протяжении своего развития, отражая в них материальные и духовные интересы, поэтому произведения декоративно-прикладного искусства неотделимы от того времени, когда они были созданы. В основном своем значении термин "декоративно-прикладное искусство" обозначает оформление бытовых предметов, окружающих человека всю жизнь: мебели, ткани, оружия, посуды, украшений, одежды - т.е. всего того, что образует среду, с которой он ежедневно соприкасается. Все вещи, которыми пользуется человек, должны быть не только удобны и практичны, но и красивы.

Данное понятие сформировалось в человеческой культуре не сразу. Первоначально то, что окружает человека в повседневной жизни, не воспринималось как имеющее эстетическую ценность, хотя красивые вещи окружали человека всегда. Еще в каменном веке предметы быта и оружие украшались орнаментами и насечками, чуть позже появились украшения из кости, дерева и металла, для работы стал использоваться самый разнообразный материал - глина и кожа, дерево и золото, стекло и волокна растений, когти и зубы животных.

Роспись покрывала посуду и ткани, вышивкой украшали одежду, насечку и чеканку наносили на оружие и посуду, ювелирные украшения делали практически из любых материалов. Но человек не задумывался над тем, что привычные вещи, окружающие его всю жизнь, можно назвать искусством и выделить в отдельное течение. Но уже в эпоху Возрождения отношение к обыденным предметам стало меняться. Это было вызвано пробуждением интересов людей к прошлому, связанному с возникшим тогда культом античности. Одновременно возник интерес к жилищу, как предмету, равноценному с точки зрения эстетической ценности другим предметам искусства. Наибольшего развития декоративно-прикладное искусство достигает в эпоху барокко и классицизма. Очень часто простая, практически удобная форма предмета скрывалась за изысканными украшениями - росписью, орнаментом, чеканкой.

В высокохудожественных произведениях мастеров Древней Руси пластическое начало проявлялось во всем: ложки и чашки отличались скульптурностью форм, безупречностью пропорций, ковши обычно принимали образ птицы - утки или лебедя, голова и шея служили рукояткой. Такая метафора имела магический смысл, и обрядовое значение определяло традиционность и устойчивость такой формы в народном быту. Золотые цепи, мониста из нарядных медальонов, цветных бус, подвесок, широкие серебряные браслеты, драгоценные перстни, ткани, украшенные шитьем - все это придавало праздничному женскому наряду многоцветье и богатство. Расписать узорами кувшин, украсить резьбой разделочную доску, выткать узоры на ткани - все это требует большого мастерства. Вероятно, такие украшенные орнаментами изделия относят к декоративно-прикладному искусству еще и потому, что необходимо приложить руки и душу, чтобы получилась удивительная красота.

Современный художественный процесс сложен и многогранен, так же как сложна и многолика современная действительность. Искусство, понятное всем, окружает нас повсюду - дома и в служебном помещении, на предприятии и в парке, в общественных зданиях - театрах, галереях, музеях. Все - от колец, браслетов и кофейных сервизов до целостного тематического комплекса произведений декоративно-прикладного искусства для крупного общественного здания - несет на себе многообразие художественных поисков мастеров, тонко чувствующих декоративное назначение предмета, организующих и наполняющих красотой наш быт.

Для создания необходимых для человека удобств и в то же время для украшения его жизни художники стремятся к тому, чтобы все вещи, которыми пользуются в обыденной жизни, не только соответствовали своему назначению, но и были красивыми, стильными и оригинальными.

А красота и польза всегда рядом, когда берутся за дело мастера, и из самых разных материалов (дерева, металла, стекла, глины, камня и проч.) создают предметы быта, являющиеся произведениями искусства.

Список использованной литературы

1.Завьялов К.Ф. Религия славянских народов. Т. 1, 2 / Томск, 1994 - 1995.

2.Лукина Н.В. Формирование материальной культуры русов. Томск, 1985.

.Обряды, обычаи, поверья: Сб. статей / Сост. Ю. Л. Хандрик, предисл. Н.А.Рогачевой. Тюмень, 1997.

.Гегель Г.В.Ф. Эстетика. Т. 1. М., 1968,

.Каплан Н. И. Народное декоративно - прикладное искусство. М., 1980.

.Соколов К.Ф. Религия славянских народов. Т. 1, 2 / Москва, 1994 - 1995.

.Рамзин В.М.,. Знакомьтесь: славяне. Москва, 1992.

.Лукина Н.В. Формирование материальной культуры славян. Томск, 1985.

.Мифы, предания, сказки славян / Сост. Н.В.Кукина М., 1990.

.Обряды, обычаи, поверья: Сб. статей / Сост. Ю. Л. Хандрик, Москва, 1997.

.Корыткова Н.Ф. Одежда славян. М.; , 1995.

.Ромбандеева Е.И. История славян и их духовной культуры. Москва, 1993.

.Соколова З.П. Восточные славяне. М., 1994.

.Дон И. С. Декоративно-прикладное искусство: Историко-философская перспектива. М., 1998.

.Барабанов Н. И. Народное декоративно - прикладное искусство Восточных славян. М.,

.1980. Прасков К.Ф. Религия славянских народов. Т

.Эльконин Д.Б. Психология игры. М., 1999.

.Барабанов Н. И. Народное декоративно - прикладное искусство западных славян. Ростов-на-Дону, 1999

.Потапов Н. И. Народное декоративно - прикладное искусство западных славян. М., 1990.

Репетиторство

Нужна помощь по изучению какой-либы темы?

Наши специалисты проконсультируют или окажут репетиторские услуги по интересующей вас тематике.
Отправь заявку с указанием темы прямо сейчас, чтобы узнать о возможности получения консультации.

Декоративно-прикладное искусство (от лат. deco - украшаю) - широкий раздел искусства, который охватывает различные отрасли творческой деятельности, направленной на создание художественных изделий с утилитарными и художественными функциями. Собирательный термин, условно объединяет два обширных рода искусств: декоративное и прикладное. В отличие от произведений изящного искусства, предназначенных для эстетического наслаждения и относящихся к чистому искусству, многочисленные проявления декоративно-прикладного творчества могут иметь практическое употребление в повседневной жизни.

Произведения декоративно-прикладного искусства отвечают нескольким характеристикам: обладают эстетическим качеством; рассчитаны на художественный эффект; служат для оформления быта и интерьера. Такими произведениями являются: одежда, плательные и декоративные ткани, ковры, мебель, художественное стекло, фарфор, фаянс, ювелирные и другие художественные изделия. В академической литературе со второй половины XIX века утвердилась классификация отраслей декоративно-прикладного искусства по материалу (металл, керамика, текстиль, дерево), по технике выполнения (резьба, роспись, вышивка, набойка, литьё, чеканка, интарсия (картины из разных сортов дерева) и т. д.) и по функциональным признакам использования предмета (мебель, посуда, игрушки). Эта классификация обусловлена важной ролью конструктивно-технологического начала в декоративно-прикладном искусстве и его непосредственной связью с производством.

ВИДЫ ДЕКОРАТИВНО-ПРИКЛАДНОГО ИСКУССТВА

ГОБЕЛЕН - (фр. gobelin ), или шпалера , - один из видов декоративно-прикладного искусства, стенной односторонний безворсовый ковёр с сюжетной или орнаментальной композицией, вытканный вручную перекрёстным переплетением нитей. Ткач пропускает уточную нить через основу, создавая одновременно и изображение, и саму ткань. В Энциклопедическом словаре Брокгауза и Ефрона гобелен определяется как «тканый ковёр ручной работы, на котором разноцветной шерстью и отчасти шёлком воспроизведена картина и нарочно приготовленный картон более или менее известного художника».

БАТИК - ручная роспись по ткани с использованием резервирующих составов.

На ткань - шёлк, хлопок, шерсть, синтетику - наносится соответствующая ткани краска. Для получения чётких границ на стыке красок используется специальный закрепитель, называемый резерв (резервирующий состав, на основе парафина, бензина, на водной основе - в зависимости от выбранной техники, ткани и красок).

Роспись батик издавна известна у народов Индонезии, Индии и др. В Европе - с XX века.

НАБОЙКА - (набивка) - вид декоративно-прикладного искусства; получение узора, монохромных и цветных рисунков на ткани ручным способом при помощи форм с рельефным узором, а также ткань с рисунком (набивная ткань), полученным этим способом.

Формы для набойки изготовляют резные деревянные (манеры) или наборные (наборные медные пластины с гвоздиками), в которых узор набирается из медных пластин или проволоки. При набивке на ткань накладывают покрытую краской форму и ударяют по ней специальным молотком (киянкой) (отсюда название «набойка», «набивка»). Для многоцветных рисунков число печатных форм должно соответствовать числу цветов.

Изготовление набойки - один из древних видов народного декоративно-прикладного искусства, встречающийся у многих народов: Передней и Средней Азии, Индии, Ирана, Европы и других.

Набивка малопроизводительна и почти полностью вытеснена печатанием рисунка на ткани на печатных машинах. Применяется лишь в некоторых кустарных промыслах, а также для воспроизведения крупных рисунков, повторяющаяся часть которых не может уместиться на валах печатных машин, и для расцветки штучных изделий (занавеси, скатерти). Характерные рисунки народной набивки используются при создании современных декоративных тканей.

БИСЕРОПЛЕТЕНИЕ - вид декоративно-прикладного искусства, рукоделия; создание украшений, художественных изделий из бисера, в котором, в отличие от других техник, где он применяется (ткачество с бисером, вязание с бисером, плетение из проволоки с бисером - так называемых бисерных плетений, бисерной мозаики и вышивки бисером), бисер является не только декоративным элементом, но и конструктивно-технологическим. Все остальные виды рукоделия и ДПИ (мозаика, вязание, ткачество, вышивка, проволочное плетение) без бисера возможны, однако потеряют часть своих декоративных возможностей, бисероплетение же прекратит свое существование. Это связано с тем, что технология бисероплетения носит самобытный характер.

ВЫШИВАНИЕ - общеизвестное и распространенное рукодельное искусство украшать самыми различными узорами всевозможные ткани и материалы, от самых грубых и плотных, как, например: сукно, холст, кожа, до тончайших материй - батиста, кисеи, газа, тюля и пр. Инструменты и материалы для вышивания: иглы, нитки, пяльцы, ножницы.

ВЯЗАНИЕ - процесс изготовления полотна или изделий (обычно элементов одежды) из непрерывных нитей путём изгибания их в петли и соединения петель друг с другом с помощью несложных инструментов вручную (вязальный крючок, спицы, игла, вилка) или на специальной машине (механическое вязание). Вязание, как техника, относится к видам плетения.

Вязание крючком

Вязание спицами

МАКРОМЕ - (фр. Macramé , от арабск. - тесьма, бахрома, кружево или от турецк. - шарф или салфетка с бахромой) - техника узелкового плетения.

КРУЖЕВОПЛЕТЕНИЕ - изготовление сетчатой ткани из плетёных нитяных узоров (льняных, бумажных, шерстяных и шёлковых). Различают кружева, шитые иглой, плетеные на коклюшках, вязаные крючком, тамбурные и машинные.

КОВРОТКАЧЕСТВО – изготовление художественного текстильного изделия, обычно с многоцветными узорами, служащее главным образом для украшения и утепления помещений и для обеспечения бесшумности. Художественные особенности ковра определяются фактурой ткани (ворсовой, безворсовой, валяной), характером материала (шерсти, шёлка, льна, хлопка, войлока), качеством красителей (натуральных в древности и средневековье, химических со второй пол. XIX в.), форматом, соотношением каймы и центрального поля ковра, орнаментальным набором и композицией рисунка, цветовым решением.

КВИЛЛИНГ - Бумагокручение (также квиллинг англ. quilling - от слова quill (птичье перо)) - искусство изготовления плоских или объёмных композиций из скрученных в спиральки длинных и узких полосок бумаги.

Готовым спиралькам придаётся различная форма и таким образом получаются элементы квиллинга, называемые также модулями. Уже они и являются «строительным» материалом в создании работ – картин, открыток, альбомов, рамок для фотографий, различных фигурок, часов, бижутерии, заколок и т.д. Искусство квиллинга пришло в Россию из Кореи, но также развито в ряде европейских стран.

Данная техника не требует значительных материальных затрат для начала её освоения. Однако и простым бумагокручение не назовёшь, так как для достижения достойного результата необходимо проявить терпение, усидчивость, ловкость, аккуратность и конечно выработать навыки скручивания качественных модулей.

СКРАПБУКИНГ - (англ. scrapbooking, от англ. scrapbook: scrap - вырезка, book - книга, букв. «книга из вырезок») - вид рукодельного искусства, заключающегося в изготовлении и оформлении семейных или личных фотоальбомов.

Этот вид творчества представляет собой способ хранения личной и семейной истории в виде фотографий, газетных вырезок, рисунков, записей и других памятных мелочей, используя своеобразный способ сохранения и передачи отдельных историй с помощью особых визуальных и тактильных приёмов вместо обычного рассказа. Основная идея скрапбукинга - сохранить фотографии и другие памятные вещи о каких-либо событиях на длительный срок для будущих поколений.

КЕРАМИКА - (др.-греч. κέραμος - глина) - изделия из неорганических материалов (например, глины) и их смесей с минеральными добавками, изготавливаемые под воздействием высокой температуры с последующим охлаждением.

В узком смысле слово керамика обозначает глину, прошедшую обжиг.

Самая ранняя керамика использовалась как посуда из глины или из смесей её с другими материалами. В настоящее время керамика применяется как материал в промышленности (машиностроение, приборостроение, авиационная промышленность и др.), строительстве, искусстве, широко используется в медицине, науке. В XX столетии были созданы новые керамические материалы для использования в полупроводниковой индустрии и др. областях.

МОЗАИКА - (фр. mosaïque , итал. mosaico от лат. (opus) musivum - (произведение) посвящённое музам ) - декоративно-прикладное и монументальное искусство разных жанров, произведения которого подразумевают формирование изображения посредством компоновки, набора и закрепления на поверхности (как правило - на плоскости) разноцветных камней, смальты, керамических плиток и других материалов.

ЮВЕЛИРНОЕ ИСКУССТВО - это термин, обозначающий результат и процесс творчества художников-ювелиров, а также всю совокупность созданных ими предметов и произведений ювелирного искусства, предназначенных в основном для личного украшения людей, и изготовленных из драгоценных материалов, таких, как драгоценные металлы и драгоценные камни. Чтобы украшение или предмет можно было однозначно причислить к ювелирике, это украшение должно удовлетворять трём условиям: в этом украшении должен быть использован хотя бы один драгоценный материал, это украшение должно иметь в себе художественную ценность, и оно должнобыть уникальным - то есть оно не должно тиражироваться изготовляющим его художником-ювелиром.

В профессиональном жаргоне ювелиров, а также и студентами и учащимися учебных заведений по специальности «ювелирное дело», часто используется жаргонный вариант слова: «ювелирка».

Хотя и считается, что в понятие «ювелирика» входят все ювелирные изделия, изготовленные с применением драгоценных материалов, а в понятие «бижутерия» - ювелирные изделия из недрагоценных материалов, но, как видим, в настоящее время разница между ювелирикой и бижутерией становится несколько размытой, и оценка того, причислить ли данное изделие к ювелирике или же к бижутерии, каждый раз принимается экспертами индивидуально в каждом конкретном случае.

ЛАКОВАЯ МИНИАТЮРА - Миниатюрная живопись на небольших предметах: коробках, шкатулках, пудреницах и др.- это вид декоративно-прикладного и народного искусства. Лаковой такую живопись называют потому, что цветной и прозрачный лаки служат не только полноправными материалами росписи, но и важнейшим средством художественной выразительности произведения. Краскам они добавляют глубину и силу и в то же время смягчают, объединяют их, как бы вплавляя изображение в самую плоть изделия.

Родина художественных лаков - страны Дальнего Востока и Юго-Восточной Азии: Китай, Япония, Корея, Вьетнам, Лаос, где они известны с глубокой древности. В Китае, например, еще во II тысячелетии до н. э. использовался сок лакового дерева, которым покрывали чашки, шкатулки, вазы. Тогда и зародилась лаковая живопись, достигшая на Востоке высочайшего уровня.

В Европу этот вид искусства проник из Индии, Ирана, стран Центральной Азии, где в XV-XVII вв. была популярна лаковая миниатюра, исполненная темперными красками на предметах из папье-маше. Европейские мастера заметно упростили технологию, начали применять масляные краски и лаки.

В России художественные лаки известны с 1798 г., когда купец П. И. Коробов построил в подмосковном селе Данилкове (позднее оно слилось с соседним селом Федоскиным) небольшую фабрику лакированных изделий из папье-маше. При его преемниках - Лукутиных русские мастера выработали неповторимые приемы федоскинской росписи. Не утрачены они и по сей день.

 Палехская миниатюра - народный промысел, развившийся в поселке Палех Ивановской области. Лаковая миниатюра исполняется темперой на папье-маше. Обычно расписываются шкатулки, ларцы, кубышки, брошки, панно, пепельницы, заколки для галстука, игольницы и т. д.

 Федоскинская миниатюра - вид традиционной русской лаковой миниатюрной живописи масляными красками на папье-маше, сложившийся в конце XVIII века в подмосковном селе Федоскино.

 Холуйская миниатюра - народный промысел, развившийся в селе Холуй Ивановской области. Лаковая миниатюра исполняется темперой на папье-маше. Обычно расписываются шкатулки, кубышки, игольницы и т. д.

ХУДОЖЕСТВЕННАЯ РОСПИСЬ ПО ДЕРЕВУ

 Хохлома - старинный русский народный промысел, родившийся в XVII веке в округе Нижнего Новгорода.

Хохлома представляет собой декоративную роспись деревянной посуды и мебели, выполненную красным, зеленым и черным цветом по золотому фону. На дерево при выполнении росписи наносится не золотой, а серебристый оловянный порошок. После этого изделие покрывается специальным составом и три-четыре раза обрабатывается в печи, чем достигается медово-золотистый цвет, придающий лёгкой деревянной посуде эффект массивности.

 Городецкая роспись - русский народный художественный промысел. Существует с середины XIX века в районе города Городец. Яркая, лаконичная городецкая роспись (жанровые сцены, фигурки коней, петухов, цветочные узоры), выполненная свободным мазком с белой и черной графической обводкой, украшала прялки, мебель, ставни, двери. В 1936 основана артель (с 1960 фабрика «Городецкая роспись»), изготовляющая сувениры; мастера - Д. И. Крюков, А. Е. Коновалов, И. А. Мазин.

 Мезенская роспись - палащельская роспись - тип росписи домашней утвари - прялок, ковшей, коробов, братин, сложившийся к началу XIX века в низовьях реки Мезень. Самая древняя датированная прялка с мезенской росписью относится к 1815 году, хотя изобразительные мотивы подобной росписи встречаются в рукописных книгах XVIII века, выполненных в мезенском регионе.

ХУДОЖЕСТВЕННАЯ РОСПИСЬ ПО МЕТАЛЛУ

 Жостовская роспись - народный промысел художественной росписи металлических подносов, существующий в деревне Жостово Мытищинского района Московской области.

 Финифть - (др.-рус. финиптъ, химипетъ, из ср.-греч. χυμευτόν, то же от χυμεύω - «смешиваю») - изготовление художественных произведений с помощью стекловидного порошка, эмали, на металлической подложке, вид прикладного искусства. Стеклянное покрытие является долгоживущим и не выцветает с течением времени, а изделия из финифти отличаются особой яркостью и чистотой красок.

Эмаль приобретает нужный цвет после обжига с помощью добавок, для которых используются соли металлов. Например добавки золота придают стеклу рубиновый цвет, кобальта - синий цвет, а меди - зелёный. При решении специфических живописных задач яркость эмали может, в отличие от стекла, приглушаться.

 Лиможская эмаль - (фр. émail de Limoges), прежде известная как Лиможская работа (фр. Œuvre de Limoges, лат. Opus lemovicense) - специальная техника обработки изделий из эмали, называемая выемчатой эмалью, которая появилась в середине XII века во французском городе Лиможе , исторической провинции Лимузен . Получив глубочайшее признание в государствах западной Европы, эмальеры прекратили использовать эту технику в середине XIV века.

Впоследствии, начиная с конца XV века, во Франции появилась новая технология изготовления предметов эмали - художественная эмаль, или еще известная как раскрашенная эмаль. Очень быстро художественная эмаль, подобно выемчатой эмали, в своё время, стала монопольно производиться в лимузенских мастерских.

В настоящее время при производстве изделий эмали одни мастера используют классическую технику, а другие - обновлённую современными достижениями технологию.

ХУДОЖЕСТВЕННАЯ РОСПИСЬ ПО КЕРАМИКЕ

Гжель - один из традиционных российских центров производства керамики. Более широкое значение названия «Гжель», являющееся правильным с исторической и культурной точки зрения, - это обширный район, состоящий из 27 деревень, объединённых в «Гжельский куст». «Гжельский куст» расположен примерно в шестидесяти километрах от Москвы по железнодорожной линии Москва - Муром - Казань. Сейчас «Гжельский куст» входит в Раменский район Московской области. До революции этот район относился к Богородскому и Бронницкому уездам.

 Дымковская игрушка - вя́тская игрушка, ки́ровская игрушка - один из русских народных глиняных художественных промыслов. Возник в заречной слободе Дымково близ г. Вятка (ныне на территории г. Кирова).

Аналог дымковской игрушки отсутствует. Яркая, нарядная дымковская игрушка стала своеобразным символом Вятской земли.

 Филимоновская игрушка - древнерусский прикладной художественный промысел, сформировавшийся в деревне Филимоново Одоевского района Тульской области. По данным археологов филимоновскому промыслу более 700 лет. По другим данным около 1 тыс. лет.

ХУДОЖЕСТВЕННАЯ РЕЗЬБА

 Резьба по камню (Глиптика) (от греч. glypho - вырезаю, выдалбливаю) - искусство резьбы на цветных и драгоценных камнях , геммах. Одно из наиболее древних искусств.

 Резьба по дереву - вид декоративно-прикладного искусства (также резьба является одним из видов художественной обработки дерева наряду с выпиливанием, токарным делом), а также искусства в целом.

 Резьба по кости - вид декоративно-прикладного искусства. В России распространен главным образом в Северных регионах: Архангельская область (холмогорская резная кость), Ямало-Ненецкий автономный округ (ямальская резная кость), город Тобольск(тобольская резная кость), Якутия и Чукотка (чукотская резная кость)

ХУДОЖЕСТВЕННАЯ ОБРАБОТКА КОЖИ - 1) Вид декоративно-прикладного искусства, изготовление из кожи различных предметов как бытового, так и декоративно-художественного назначения; 2) отрасль текстильной промышленности, декорирование одежды, обуви, кож-галантерейных изделий. Приёмы:

ТИСНЕНИЕ - Различают несколько видов тиснения. В промышленном производстве применяются различные способы штамповки, когда рисунок на коже выдавливается при помощи пресс-форм. При изготовлении художественных изделий также применяют штамповку, но используют наборные штампы и чеканы. Другой способ - тиснение с наполнением - вырезание из картона (лигнина) или кусочков шоры элементов будущего рельефа и подкладывание под слой предварительно увлажненной юфти, которую затем обжимают по контуру рельефа. Мелкие детали выдавливают без подкладки за счет толщины самой кожи. При высыхании она твердеет и «запоминает» рельефный декор. Термотиснение - выдавливание декора на поверхности кожи при помощи разогретых металлических штампов.

ПЕРФОРАЦИЯ - или высечка - один из древнейших приемов. Собственно он сводится к тому, что при помощи пробойников различной формы в коже высекаются отверстия расположенные в виде орнамента. Этот прием используют и для создания сложных композиций наподобие витража или арабеска (например, в ювелирных украшениях, настенных панно и т. д.).

ПЛЕТЕНИЕ - один из способов обработки, заключающийся в соединении при помощи специальной техники нескольких полосок кожи. В ювелирных изделиях часто применяют элементы макрамэ, выполненные из «цилиндрического» шнурка. В сочетании с перфорацией плетение применяется для оплётки края изделий (используется для отделки одежды, обуви, сумок).

ПИРОГРАФИЯ - приём новый, но с древней родословной. Видимо, первоначально выжигание по коже явилось побочным эффектом при термо-тиснении (первое упоминание в России с XII, а в Европе с XIII века), но затем широко применялось как самостоятельный прием. В классическом виде пирография представляет собой нанесение на поверхность плотной кожи (шоры, чепрака) различных орнаментов. Делалось это при помощи разогретых штампов из меди и применялось в основном для отделки конской упряжи. Современная пирография своими выразительными возможностями обязана изобретению выжигательного прибора (пирографа). При помощи пирографии можно наносить на кожу очень тонкие и сложные рисунки. Часто применяется в сочетании с гравировкой, росписью, тиснением при создании панно, украшений, изготовлении сувениров.

ГРАВИРОВКА - применяют при работе с тяжелыми, плотными кожами (шора, чепрак, реже - юфть). Делается это так - на лицевую поверхность размоченной кожи с помощью резака наносят рисунок. Затем дорожником или штихелем (или любым металлическим предметом продолговатой формы) прорези расширяют и заполняют акриловой краской. При высыхании контурный рисунок сохраняет свою чёткость, а линии - толщину. Другой способ заключается в том, что вместо дорожника используется пирограф. В этом случае цвет и толщина линий, а также глубина гравировки регулируется изменением степени накала иглы пирографа.

АППЛИКАЦИЯ - в кожевенном деле - наклеивание или пришивание кусочков кож на изделие. В зависимости от того, какое изделие декорируется, несколько различаются способы аппликации. Так, при отделке предметов одежды элементы декора выполняют из тонких кож (опоек, шевро, велюр) и пришивают к основе. При создании панно, изготовлении бутылей или сувениров фрагменты аппликации могут быть выполнены из любых видов кож и наклеены на основу. В отличие от интарсии при аппликации допустимо соединение элементов «внахлёст».

ИНТАРСИЯ - по сути, то же, что инкрустация или мозаика: фрагменты изображения монтируются «стык-в-стык». Интарсию выполняют на текстильной или деревянной основе. В зависимости от этого выбирают сорта кож. При работе с текстильной основой используют тонкие пластичные кожи (опоек, шевро, велюр и тонкую юфть), а при работе на доске - тяжелые (шора, чепрак). Для достижения надлежащего качества по предварительному эскизу выполняют точные лекала всех фрагментов композиции. Затем по этим лекалам из предварительно окрашенных кож вырезают элементы и наклеивают на основу при помощи костного клея или эмульсии ПВА. Техника интарсии применяется в основном для создания настенных панно, но в сочетании с другими приемами может использоваться при изготовлении бутылей, сувениров, декорировании мебели.

Кроме того, кожу можно расписывать, её можно формовать, придавая любую форму и рельеф (при помощи размачивания, проклеивания, наполнения).

ХУДОЖЕСТВЕННАЯ ОБРАБОТКА МЕТАЛЛА

Металлопластика - техника создания рельефных изображений на металле. Один из видов декоративно-прикладного искусства. Отличается от чеканки тем, что производится исключительно на тонких листах металла толщиной до 0,5 мм путем выдавливания контура рисунка специальными инструментами (а не ударом, как в чеканке), благодаря которым образуются плавные деформации металла. Более толстый лист не поддается подобной обработке, а лист тоньше 0,2 мм может порваться. Металлопластика использовалась с древних времен для украшения мебели, изготовления различных элементов декора или в качестве самостоятельного произведения искусства.

Благодаря простоте и доступности приемов она была включена в учебную программу советской школы в 20-е годы. Однако затем эта техника была забыта, и лишь в последнее время интерес к ней опять повысился.

Христианская оловянная миниатюра - современный вид христианского декоративно-прикладного искусства по созданию миниатюрной скульптуры малых форм. Ремесло появилось в конце XX века в России на фоне возрождения жизни Русской Православной Церкви после коммунистических гонений. Представляет собой отдельное направление от военно-исторической оловянной миниатюры, в котором используют сочетание христианской круглой скульптуры, иконографии и старинной технологии оловянного литья металлопластики.

Миниатюры могут изображать фигурки святых угодников божиих или сценки из библейской истории. Фигурки не являются предметами культового религиозного поклонения. Миниатюры являются живой традицией византийского художественного промысла резьбы круглой скульптуры из слоновой кости, утраченного в 12 веке. Разница только в техническом исполнении.

Этот вид христианского творчества воспринимается в церкви неоднозначно, поскольку в православии традиционна икона. Неприятие скульптуры в православии связано с тем, что в церкви имели место запреты на скульптуру. Но авторитетнейший теоретик церковного искусства Л. А. Успенский замечает: «Православная Церковь не только никогда не запрещала скульптурных изображений, но… такого запрета вообще быть не может, так как он не мог бы быть ничем обоснован». С первых веков Церковь скульптуру не отвергала. Об этом свидетельствуют хотя бы дошедшие до нашего времени довольно многочисленные статуи «Доброго Пастыря».

Художественная ковка - изготовление методом обработки металлов, который имеет общее название ковка, любых кованых изделий, любого предназначения, имеющих в обязательном порядке свойства художественного произведения.

Художественное литье из благородных металлов, бронзы и латуни

Художественное литье из чугуна

Чеканка - технологический процесс изготовления рисунка, надписи, изображения, заключающийся в выбивании на пластине определённого рельефа. Один из видов декоративно-прикладного искусства.

Является одним из вариантов художественной обработки металла.

Техника чеканки применяется при создании посуды, декоративных панно, различных ювелирных украшений.

Рельеф на листовом металле создают с помощью специально изготовленных инструментов - чеканов и выколоточных молотков, которые изготовляют как из металла так и древесины.

Для чеканных работ применяют такие металлы как латунь, медь, алюминий и сталь толщиной от 0,2 до 1 мм, в некоторых случаях золото и серебро.

Рельеф или рисунок можно чеканить, положив лист металла на торец березового или липового кряжа, на войлок, толстую резину, брезентовый мешок с речным песком, слой пластилина или смолы. В некоторых случаях более удобна свинцовая плита.

ДЕКОРАТИВНО-ПРИКЛАДНОЕ ИСКУССТВО, вид искусства, создание изделий, сочетающих художественные и утилитарные функции. Произведения декоративно-прикладного искусства связаны с бытовыми нуждами людей, составляют неотъемлемую часть среды человеческого обитания. Основой и источником декоративно-прикладного искусства является народное творчество. В сферу декоративно-прикладного искусства входят изделия традиционных художественных промыслов и ремёсел, художественной промышленности и профессионального авторского искусства. Термин «прикладное искусство» («applied art») возник в 18 веке в Англии и применялся главным образом к созданию бытовых изделий (роспись посуды, тканей, отделка оружия). В 20 веке в российском искусствознании утверждается термин «декоративно-прикладное искусство» как обозначение раздела декоративных искусств, включающих также театрально-декорационное искусство и дизайн.

Специфическая особенность произведений декоративно-прикладного искусства - неразрывная связь утилитарного и художественного, единство пользы и красоты, функции и украшения. Утилитарность позволяет классифицировать произведения декоративно-прикладного искусства по их практическому назначению (орудия труда, мебель, посуда и т.д.); функция предмета чётко обусловливает его конструктивную схему. Качеством, придающим предмету декоративно-прикладного искусства статус произведения искусства, является декоративность. Она реализуется не только в украшении предмета какими-либо частными деталями (декор), но и в её общем композиционно-пластическом строе. Декор обладает собственной эмоциональной выразительностью, ритмом, пропорциями; он способен видоизменять форму. Декор может быть скульптурно-рельефным, живописно-расписным, графически-резным (смотри также Гравирование); он использует как орнамент (в том числе декоративные надписи - иероглифы, каллиграфию, славянскую вязь и т.п., раскрывающие смысл изображений), так и различные изобразительные элементы и мотивы («мировое древо», птицы и животные, растения и др.) сообразно с определённой декоративно-стилистической системой (смотри также Букраний, Грифон, Роза, Сфинкс). В пластинчатой системе декоративно-прикладного искусства есть возможность использования и так называемой чистой формы как антитезы любому декору: она может проявляться в самоценной красоте материала, выявлении его структурных, пластических, цветовых качеств, гармонии пропорций, изяществе силуэта и контуров.

Сосуд. Расписная керамика. 3-е тысячелетие до нашей эры. Яншао (Китай). Музей декоративно-прикладного искусства (Вена).

Другая фундаментальная особенность декоративно-прикладного искусства - синтетичность, подразумевающая совмещение различных видов творчества (живописи, графики, скульптуры) и разных материалов в одном произведении. Синтетическое по своей внутренней природе, произведение декоративно-прикладного искусства нередко вовлечено в синтез искусств, в ансамбль художественных предметов, может находиться в зависимости от архитектуры (мебель, декоративная скульптура, панно, гобелен, ковёр и т.д.). Вследствие этой зависимости декоративно-прикладное искусство во все эпохи чутко и наглядно следовало сменам стилей и изменениям моды.

В декоративно-прикладном искусстве образ вещи определяется связью между её эстетической формой и функциональным назначением. С одной стороны, существует концепция утилитарной и неизобразительной природы декоративно-прикладного искусства как «делания вещей»: сугубо практическая задача не подразумевает создания полноценного образа (например, цель гончарства или корзиноплетения - не изображение вещей, но создание самой вещи). Однако другие примеры (антропоморфная керамика и т.п.), несущие в себе миметическое начало, позволяют говорить об образности как первичной задаче творчества в декоративно-прикладном искусстве, проявляющейся, прежде всего, в ассоциациях и аналогиях (форма предмета может напоминать бутон цветка, каплю, фигуру человека или животного, морскую волну и т. п.). Дуализм эстетической и функциональной задач обусловливает образную специфику декоративно-прикладного искусства (ограничение конкретности изображений, тенденция отказа от светотени и перспективы, использование локальных цветов, плоскостность изображений и силуэтов).

Декоративно-прикладное искусство как вид художественной деятельности связан с ручным трудом мастера, выделившимся в самостоятельную отрасль производства. Дальнейшее общественное разделение труда приводит к замене ремесленного производства машинным (мануфактуры, фабрики, заводы); функциональная конструкция и украшение становятся делом разных специалистов. Так возникает художественная промышленность, где находят себе место методы «прикладного искусства» - отделка изделий росписью, резьбой, инкрустацией, чеканкой и т.п.

Вопрос о соотношении ручного и машинного труда при изготовлении предметов декоративно-прикладного искусства особенно остро был поставлен во 2-й половине 19 века, в контексте проблемы «обезличивания» (по выражению У. Морриса) производством художественного ремесла и популярных в эту эпоху теорий ограниченного применения машин как предпосылки возрождения национальных традиций. Противопоставляя народное кустарное творчество и массовую продукцию, Моррис в то же время предлагает пути их синтеза, позволяющего создать новый тип декоративно-прикладного искусства. Дизайн, ставший с середины 19 века новым видом художественной деятельности в сфере промышленного (массового) производства, ограничил декоративно-прикладное искусство преимущественно созданием малотиражных серий ручных изделий (смотри также Производственное искусство).

Типология . Каждая область декоративно-прикладного искусства имеет большое разнообразие форм; их эволюция напрямую связана с развитием технологий, с открытием новых материалов, со сменой эстетических представлений и модой. Произведения декоративно-прикладного искусства различаются по функциональному назначению, по формам и материалу.

Один из древнейших видов декоративно-прикладного искусства - посуда. Её формы варьировались в зависимости от материала (деревянная, металлическая, глиняная, фарфоровая, керамическая, стеклянная, пластмассовая) и назначения (ритуальная, бытовая, столовая, декоративная; смотри также Художественные сосуды). Декоративно-прикладное искусство включает также: культовые принадлежности (хоругви, оклады, лампады - в христианстве; мусульманские сосуды для омовения, молитвенные коврики «намазлык» и др.; иудаистские семисвечники «менора»; буддистские лотосовые троны и храмовые курильницы); предметы интерьера (мебель, осветительные приборы, вазы, зеркала, письменные приборы, шкатулки, веера, табакерки, изразцы и т.п.); домашнюю ремесленную утварь (прялки, вальки, трепала, рубеля, верётенца и т.п.); произведения глиптики; ювелирное искусство; средства передвижения (повозки, колесницы, кареты, сани и др.); оружие; текстиль (смотри также Батик, Вышивка, Кружево, Набойка, Ткачество; к текстилю относятся также ковры, шпалеры, гобелены, килимы, кошмы и т.п.); одежду; отчасти - мелкую пластику (прежде всего игрушку).

Столь же разнообразны материалы, применяемые в изделиях декоративно-прикладного искусства. Древнейшими являются камень, дерево, кость. Твёрдые породы дерева шли на строительство жилища, на изготовление мебели, бытовых изделий [сосна, дуб, орех (в искусстве Возрождения), карельская берёза (в эпоху русского классицизма и ампира), клён (особенно в эпоху модерна), красное дерево, груша]; мягкие сорта (например, липа) - на изготовление посуды, ложек. С 17 века в Европе стали использоваться привозные экзотические сорта древесины.

Такие техники обработки глины, как лепка от руки, формовка, были определяющими в создании глиняных изделий на начальных этапах. В 3-м тысячелетии до нашей эры появляется гончарный круг, позволяющий изготовлять тонкостенную посуду.

Керамика (обожжённая глина) включает в себя терракоту (простую и лакированную), майолику, полуфаянс, фаянс, опак, фарфор, бисквит, так называемую каменную массу. Основные способы украшения керамики - налепы, лощение, полировка, цветная роспись, гравировка, глазурование и др.

Ткани получают широкое распространение с эпохи неолита. Выдающимися образцами декоративно-прикладного искусства являются древнеегипетские многоцветные льняные ткани, в технике батиковой набойки - коптские; шёлковые ткани Китая, индийские муслины, венецианская камка.

Мастера декоративно-прикладного искусства часто использовали драгоценные, полудрагоценные и цветные поделочные камни: бриллианты, рубины, изумруды, сапфиры, нефрит, ляпис-лазурь и сердолик, малахит, яшму и т.д. (к поделочным материалам относится также янтарь). Среди различных видов обработки долгое время господствовали кабошоны (округлые камни), затем появились огранённые камни. Существуют комплексные техники - так называемая флорентийская мозаика (изображения из мрамора и полудрагоценных камней), русская мозаика (обклейка округлой поверхности ваз пластинками из цветных камней) и др.

Шкатулка с изображением распятия и ангелов. Дерево, серебро, эмаль. 1-я четверть 13 века. Лимож (Франция). Эрмитаж (Санкт-Петербург).

Среди металлов выделяют драгоценные (золото, серебро, платина), цветные (медь, олово), сплавы (бронза, электр, пьютер), а также сталь, чугун и алюминий. Наряду с благородными металлами почти во всех древнейших цивилизациях обрабатывали медь, бронзу, позднее железо. Золото и серебро изначально были главными металлами в декоративно-прикладном искусстве, а их нехватка компенсировалась различными техниками (гальваническое серебрение и золочение; с середины 19 века - гальванопластика). Основные техники обработки металла - чернь, зернь, чеканка, канфарение, литьё художественное, ковка художественная, басма (вид ювелирной техники, имитирующий чеканку), тиснение.

Особой техникой и одновременно материалом является эмаль, древнейшие образцы которой находят в Китае. Эмаль, как правило, использовалась в качестве составной части комплексных произведений декоративно-прикладного искусства (например, техника покрытия разноцветной прозрачной эмалью гравированных на металле изображений или декоративная роспись эмалевыми красками).

Оклад так называемого Евангелия из Лорша. Слоновая кость. 9 век. Ахен. Музей Виктории и Альберта (Лондон).

Стекло по своим технологическим параметрам делится на прозрачное и непрозрачное, бесцветное и цветное, и др. Различаются также оригинальные формы из гутного, выдувного стекла («крылатые» венецианские бокалы), из гранёного английского хрусталя, из прессованного (появилось в 1820 в США), цветного многослойного или молочного стекла, стекла филигранного, гравированного, резного шлифованного или с нацветом. Среди техник обработки стекла - межстеклянное золочение, роспись, миллефьори, художественное травление, иризация.

Родина лаков художественных - Древний Восток. В Европе они известны с 16 века; в 17 веке голландские мастера стали расписывать деревянные шкатулки золочёным орнаментом по чёрному фону. Позднее производства расписных лаков возникли во многих странах. Изделия из папье-маше, покрытые лаком, появились в Европе в 18 веке, пика популярности они достигли в 19 веке, особенно в Англии, Германии и России. В 20 веке Россия становится главным центром лакового искусства (Федоскино, Палех, Холуй и Мстёра).

Использование черепашьего панциря и слоновой кости началось с древности; затем их применение возродилось в европейском искусстве в средние века и, особенно, в конце 18 века (английские и французские табакерки и чайницы, холмогорская резьба по кости). Перламутр входит в моду в 1-й половине 19 века для украшения изделий из папье-маше и лака, отделки столовых приборов.

Исторический очерк. Первые художественно обработанные предметы появились в эпоху палеолита. В период неолита широко распространились керамические изделия. В разных культурах создаются вазы с виртуозной графичностью художественных решений, выразительным сакрально-мифологическим сюжетом, расписная керамика с орнаментальными и другими мотивами (например, китайские сосуды эпохи неолита, 5-3-е тысячелетия до нашей эры; керамика из Суз, 4-е тысячелетие до нашей эры; трипольская керамика, конец 3-го тысячелетия до нашей эры).

Древнейшие восточные цивилизации в развитии декоративно-прикладного искусства достигли такого же высокого уровня, как и в области архитектуры и скульптуры (художественная обработка камня, металла, дерева, ювелирное искусство, резьба по слоновой кости и т.д.). Ювелиры Древнего Египта, Месопотамии владели различными тончайшими техниками обработки благородных металлов. Древневосточное искусство дало непревзойдённые образцы полихромной глазурованной керамики, в Египте производились изделия из фаянса (на основе кремнезёма) - архитектурные детали, скульптура, ожерелья, чаши и кубки. Египтяне (наряду с финикийцами) изготавливали и предметы из стекла (около 3-го тысячелетия до нашей эры); расцвет стекольных мастерских, как и других ремёсел, приходится на Новое царство (различных форм сосуды из синего или полихромного стекла и др.). Египетская мебель изготовлялась из местного эбенового (чёрного) дерева и привозных пород (кедр, кипарис), украшалась вставками из синего и чёрного фаянса, покрывалась листовым золотом и инкрустировалась слоновой костью и росписью (некоторые её формы впоследствии сильно повлияли на европейский ампир). Во многих районах Китая обнаружены тонкостенные сосуды (чаши, вазы, кувшины и кубки), отличающиеся стилистическим своеобразием, разнообразием форм и причудливыми зооморфными изображениями. В Индии высокоразвитая городская цивилизация бронзового века оставила выразительные предметы домашнего обихода, расписную керамику, ткани, обнаруженные во время раскопок в Мохенджо-Даро и Хараппе. В Западном Иране, в Луристане, развивалась культура, представленная луристанскими бронзами.

Своеобразие декоративно-прикладного искусства эгейского мира (смотри Эгейская культура) оказало влияние на искусство других стран (Египта эпохи Нового царства, Ближнего Востока) - ювелирные изделия, чеканные кубки и чаши, ритоны. Ведущий вид художественного ремесла - керамика (полихромная со стилизованным узором, растительными мотивами, с изображениями морских животных и рыб). К числу высочайших достижений в истории декоративно-прикладного искусства относится древнегреческая керамика - прежде всего, красно- и чернофигурные сосуды, покрытые лаком, где форма органично связана с сюжетной росписью и орнаментом, обладает чёткой тектоникой, богатством ритма линий и пропорций (смотри Вазопись). Керамика и ювелирные изделия греческой работы экспортировались во многие страны мира, благодаря чему осуществлялась широкая экспансия греческих художественных традиций. В декоративно-прикладном искусстве кочевых племён Азии и Европы, фракийцев, кельтов, некоторых финно-угорских племён сложились разные формы звериного стиля; в середине 1-го тысячелетия нашей эры его своеобразная форма возникает у германцев, традиции звериного стиля сохранялись и в средневековом искусстве.

Этруски, находясь под сильным греческим влиянием, смогли создать не менее самобытную культуру со своей керамикой «буккеро», расписной терракотой, ювелирным искусством. Их тяга к овеществлённой в предметах декоративно-прикладного искусства демонстративной роскоши передалась преемникам - древним римлянам. Они заимствовали у этрусков рельефную керамику, декорирование тканей, у греков - формы и орнамент. В римском декоре много чрезмерного, лишённого греческого вкуса: пышные гирлянды, букрании, грифоны, крылатые амуры. В эпоху империи вошли в моду вазы из полудрагоценных камней (агата, сардоникса, порфира). Наивысшим достижением римского декоративно-прикладного искусства стали изобретение техники выдувания стекла (1 век до нашей эры), производство прозрачного, мозаичного, гравированного, двухслойного, имитирующего камею, и золочёного стекла. Среди изделий из металла - серебряные сосуды (например, клад из Хильдесхайма), бронзовые светильники (найденные при раскопках города Помпеи).

Устойчивость традиций отличает дальневосточную и индийскую культуры в целом, где и в средневековую эпоху сохранились характерные виды и формы декоративно-прикладного искусства (керамика и лаки в Японии, изделия из дерева, металла и текстиля в Индии, батик в Индонезии). Для Китая характерны устойчивые образы и традиции камнерезного, гончарного и ювелирного дела, многообразие материалов: шёлк, бумага, бронза, нефрит, керамика (прежде всего, изобретение фарфора) и др.

В древней (доколумбовой) Америке существовало несколько цивилизаций (ольмеки, тотонаки, майя, ацтеки, сапотеки, инки, чиму, мочика и др.), имевших высокую материальную культуру. Основными ремёслами были гончарство, художественная обработка камня, в том числе и полудрагоценных пород, с применением оригинальной техники мозаики из бирюзы по древесине, текстиль, ювелирное искусство. Керамика относится к лучшим достижениям древнеамериканского искусства, в отличие от других не знавшего гончарного круга (погребальные урны сапотеков, тольтекские вазы, миштекские полихромные вазы, сосуды с гравированным орнаментом майя и др.).

Характерная особенность средневекового искусства стран Ближнего Востока, Северной Африки (Магриб) и районов Европы, заселённых арабами, - тяга к красочности, к самоценному декору, геометрическому орнаменту (с растительными мотивами, стилизованными до абстракции, смотри Арабеска); в декоративно-прикладном искусстве Ирана сохранялась и изобразительная традиция. Главными видами декоративно-прикладного искусства мусульманских стран были керамика, ткачество, производство оружия и предметов роскоши. Керамика (преимущественно орнаментальная, покрытая люстром или полихромной росписью по белому и цветному фону) производилась в Ираке (Самарра), Иране (Сузы, Рэй), средневековом Египте (Фустат), Сирии (Ракка), Средней Азии (Самарканд, Бухара). Испано-мавританская керамика (фаянсы Валенсии) имела большое влияние на европейское декоративно-прикладное искусство 15-16 века. Сине-белый китайский фарфор оказал воздействие на керамику Золотой Орды, Ирана и др. В 16 веке расцветает турецкий полихромный фаянс из Изника. Мусульманская культура оставила также много образцов художественного стекла, металла (декорированных гравировкой, чеканкой, эмалью), оружия. Исламский мир традиционно пользовался в большей степени коврами, нежели мебелью; их производили во многих странах (на Кавказе, в Индии, Египте, Турции, Марокко, Испании, Средней Азии); ведущее место в ковроделии принадлежит Ирану. В Египте производили многоцветные шерстяные шпалерные ткани, ткани из льна, набойку; в Сирии, в Испании во времена Кордовского халифата и арабские мастера на Сицилии - шёлк, парчу; в Турции (в Бурсе) - бархат; в Иране (в Багдаде) - шёлковые драпировки; в Дамаске - так называемые дамасские ткани.

Византия стала наследницей многих художественных ремёсел античности: стеклоделия, искусства мозаики, резьбы по кости и пр., а также виртуозно освоила новые - технику перегородчатой эмали и др. Здесь большое распространение получили культовые предметы и (под влиянием восточных культур) предметы роскоши; соответственно стиль византийского декоративно-прикладного искусства был рафинированный, декоративный и пышный одновременно. Влияние этой культуры распространялось на государства Европы (в том числе Древняя Русь), также Закавказья и Ближнего Востока (в России реминисценции этого влияния сохранялись вплоть до русско-византийского стиля 19 века).

В Европе новые формы декоративно-прикладного искусства сложились в эпоху «Каролингского возрождения» под влиянием Византии и стран арабского мира. В культуре романской эпохи большую роль играют монастыри и городские цеховые корпорации: практиковались резьба по камню и дереву, изготовление изделий из металла, кованых дверей и домашней утвари. В Италии, где продолжали сохраняться традиции поздней античности, развивались резьба по кости и камню, искусство мозаики и глиптики, ювелирное искусство; во всех этих областях мастера добились высочайшего совершенства. Готика унаследовала многие характерные для той эпохи ремёсла; особенности готического стиля ярко проявились в изделиях из слоновой кости и серебра, в эмалях, шпалерах и мебели [в том числе свадебные сундуки (в Италии - кассоне, украшенные резьбой и росписью)].

В Древней Руси особые достижения принадлежали ювелирному искусству, резьбе по дереву и камню. Характерными типами русской мебели были ларцы, столы-терема, шкафы-киоты, сундуки, столы. Авторами живописных композиций в виде «травного узора» были иконописцы-«знаменщики», они также расписывали сундуки, столы, доски под пряничные коврижки, шахматы, золочёные колымаги и т.п.; декоративная «резь» 17 века получила название «фряжских трав». Утварь, посуда, изразцы, предметы культа производились в мастерских Киева, Новгорода, Рязани, Москвы (Патриаршие мастерские, Серебряная палата, со 2-й половины 17 века - Оружейная палата Московского Кремля), Ярославля, Костромы, также в Кирилло-Белозерском, Спасо-Прилуцком, Сергиево-Посадском монастырях. Со 2-й половины 17 века в русском декоративно-прикладном искусстве начинается бурное развитие народных промыслов (изразцовое производство, резьба и роспись по дереву, плетение кружев и ткачество, серебряное дело и гончарство).

В эпоху Возрождения художественное ремесло приобретает принципиально авторский и преимущественно светский характер. Появляются новые виды декоративно-прикладного искусства, возрождаются забытые с античного времени жанры и техники. Наиболее существенные изменения происходят в производстве мебели (шкафы с откидной передней доской, сундук-скамья со спинкой и подлокотниками и др.); в декоре используются классический ордер и характерный орнамент - гротески. Достигают расцвета шёлковое ткачество Генуи, Флоренции и Милана, венецианское стекло, итальянская майолика, глиптика, ювелирное искусство (Б. Челлини), художественная обработка металла [«дольчатый стиль» в голландском и немецком серебре (семья Ямницеров)], эмали, стекло и французская керамика (производство Сен-Поршер; мастер Б. Палисси).

Декоративно-прикладному искусству эпохи барокко присущи особая пышность и динамика композиций, органичная связь между собой всех элементов и деталей (посуды и мебели), предпочтение отдаётся объёмным, крупным формам. В производстве мебели (шкафы, кабинеты, комоды, шкафы-буфеты и т.п.) использовались полированное дерево, золочёная бронзовая фурнитура и флорентийская мозаика, инкрустация (накладная бронза, маркетри с использованием эбенового дерева, металла, перламутра, черепахового панциря и др. - в изделиях мастерской А. Ш. Буля). Шпалерные мануфактуры Европы находились под влиянием фламандского коврового искусства (брюссельских мануфактур); Генуя и Венеция славились шерстяными тканями и набивным бархатом. Делфтский фаянс возник в подражание китайскому. Во Франции развиваются производство мягкого фарфора, фаянса (Руан, Мустье) и керамики (Невер), текстиля (мануфактуры в Лионе), изготовление зеркал, гобеленов.

В эпоху рококо (18 век) в формах и украшениях предметов преобладают хрупкие и изощрённо-асимметричные линии. В Англии производят серебряную посуду (П. Ламери), канделябры и пр. В Германии среди изделий из металла встречаются пышные рокайльные формы (И. М. Динглингер). Возникают новые формы мебели - бюро (стол-бюро, бюро-плат и бюро-цилиндр), различные типы столов, мягкое, обитое тканью кресло-бержер с замкнутой спинкой, трюмо из 2 частей; для декора используются живописные панели, маркетри, инкрустация. Появляются новые виды тканей (муар и синель). В Англии Т. Чиппендейл изготавливал мебель в стиле рококо (стулья, столы и книжные шкафы), используя мотивы готики и шинуазри. В начале 18 века в Майсене (Саксония) была открыта первая европейская мануфактура по производству фарфора (скульптор И. Кендлер). Стиль шинуазри проникает и в европейский фарфор (Майсен, Шантийи, Челси, Дерби и др.), и в российский (Императорской фарфоровый завод близ Санкт-Петербурга), а также в текстильные изделия, стекло и мебель ((французские лаки братьев Мартен). В 1670-е годы в Англии появилось новое по составу свинцовое стекло (так называемый английский хрусталь); техника его производства широко распространилась в Чехии, Германии, Франции.

На декоративно-прикладное искусство эпохи классицизма 2-й половины 18 века, позднее и ампира повлияли археологические раскопки в городах Геркуланум и Помпеи (смотри Помпеянский стиль). Созданный братьями Адам (Англия) стиль, утверждавший единство внешнего декора и отделки интерьера, вдохнул новую жизнь в декоративно-прикладное искусство, в частности, в мебель (работы Дж. Хеплуайта, Т. Шератона, Т. Хоупа, братья Жакоб, Ж. А. Ризинера), пластические украшения (французская позолоченная бронза П. Ф. Томира), художественное серебро (кубки и посуда П. Сторра), ковры и ткани, ювелирное искусство. Простота и ясность отличают стеклянные графины Коркской стекольной компании, вазы баккара, хрустальные люстры-каскады. В фарфоре к концу 18 века Майсен уступает статус главного европейского производителя фарфора французскому севрскому фарфору, выдающиеся образцы начинают создаваться на заводах Вены, Санкт-Петербурга и Берлина. В Англии возникает фабрика Дж. Уэджвуда «Этрурия», выпускающая керамику в подражание античным камеям и вазам. В России созданием произведений декоративно-прикладного искусства занимались многие крупнейшие архитекторы (А. Н. Воронихин и К. И. Росси проектировали мебель и вазы, М. Ф. Казаков и Н. А. Львов - люстры).

В эпоху бидермайера произведения декоративно-прикладного искусства отражали стремление к комфортной жизни, что привело к появлению удобной простой мебели округлых безыскусных форм из местных сортов древесины (ореха, вишни, берёзы), элегантных стеклянных гранёных кувшинов и стаканов с изящной росписью (работы А. Котгассера и др.). Период эклектизма (середина 19 века) проявился в стилистическом разнообразии используемых исторических стилей, также в унификации подходов и художественных приёмов. Источником вдохновения неорококо был декор искусства 18 века; в России он проявился в фарфоровых изделиях завода А. Г. Попова с его полихромной цветочной росписью на цветном фоне. Возрождение готики (неоготика) было обусловлено стремлением художников привнести в декоративно-прикладное искусство романтически-возвышенный стиль и лишь опосредованно воспроизводило подлинно готические мотивы; заимствовались, скорее, элементы орнамента, нежели формы готического искусства (богемское стекло Д. Бимана, работы в фарфоре и стекле для дворца Николая I «Коттедж» в Петергофе). Викторианский стиль в Англии нашёл отражение в создании тяжеловесной мебели и широком распространении её «малых форм» (этажерки, держатели для зонтов, игорные столики и т.п.). Вновь стал популярен неглазурованный фарфор, имитирующий мрамор. В стекле (прежде всего в богемском) появились новые виды и техники - многослойное цветное стекло «флэш», камейное непрозрачное и чёрное (хиалитовое) стекло, имитирующий драгоценные камни литиалил. С середины 1840-х годов во Франции на стекольных фабриках Баккара, Сен-Луи и Клиши, а позднее в Англии, Богемии и США появилось новое направление (создание миллефьоровых пресс-папье и др.). Сплав элементов различных стилей определял развитие мебели и появление новых промышленных технологий и материалов: формы из клеёной и гнутой древесины (М. Тонет), папье-маше, резного дерева и чугуна.

Протест против эклектизма, инициированный в Великобритании обществом «Искусства и ремёсла», способствовал формированию в конце 19 века стиля модерн; он размыл границы между декоративным, прикладным и изобразительным искусством и принял во многих странах различные формы. Декор модерна чаще всего уподоблен орнаментальным мотивам природных форм; широко использовались изогнутые линии, волнообразные контуры, асимметричные конструкции (мебель В. Орта, Л. Мажореля, Э. Гимара, художественное многослойное цветное стекло с флоральными и пейзажными мотивами Э. Галле, О. Даума, Л. Тиффани, ювелирные украшения Р. Лалика). Художники венского Сецессиона, как и шотландец Ч. Р. Макинтош, напротив, использовали симметрию и сдержанные прямолинейные формы. Работы Й. Хофмана, выполненные часто совместно с Г. Климтом (мебель, стекло, металл, ювелирные изделия), отличают элегантность и утончённость. В европейском производстве фарфора лидирующее место заняли произведения с подглазурной росписью Копенгагенской королевской мануфактуры. В русском модерне, в его национально-романтичной ветви проявился неорусский стиль - особенно в деятельности Абрамцевского художественного кружка (произведения В. М. Васнецова, М. А. Врубеля, Е. Д. Поленовой), Талашкинской мастерской княгини М. К. Тенишевой, мастерских Строгановского училища.

Новейшая история декоративно-прикладного искусства начинается не только с возрождения ручного творчества (У. Моррис и др.), но и с появления на рубеже 19-20 веков по всей Европе и в США нового вида творческой деятельности - дизайна и дальнейшего его активного развития в 1920-е годы (Баухауз, Вхутемас). Дизайн ар деко стал основой почти всех домашних интерьеров, культивировавших сдержанную роскошь и комфорт (геометрические формы, стилизованный и упрощённый орнамент, экзотически фанерованная мебель прямолинейных форм, функциональная столовая посуда и цветочные вазы).

Русское искусство после 1917 года развивалось на новой идеологической и эстетической основе.

Художники пытались средствами искусства передать дух эпохи (так называемый агитационный фарфор), создать комплексную рациональную среду для широких слоёв населения. С конца 1950-х годов в советском декоративно-прикладном искусстве наряду с активным развитием художественной промышленности (фарфоровые заводы Ленинграда, Вербилок, Дулёвский фарфоровый завод, Конаковский фаянсовый завод, Ленинградский стекольный завод, Гусевский хрустальный завод и др.) и народных промыслов (гжельская керамика, жостовская роспись, скопинская керамика, дымковская игрушка и др.; смотри Промыслы художественные) высокого уровня достигло и авторское искусство.

Развитие декоративно-прикладного искусства в 20 веке обусловлено сосуществованием и взаимопроникновением традиционного и авангардного начал. Большое значение приобрели тонкие выразительные возможности новых материалов, имитационность и творческое цитирование. В эпоху постмодернизма возникает особое отношение к декоративному артефакту как автономной сущности, которая демонстративно «не заинтересована» служить человеку, отчуждена от него. В итоге это привело к «кризису самоидентификации» декоративно-прикладного искусства, вызванному возникновением конкуренции со стороны смежных видов искусства (прежде всего - дизайна). Однако данный кризис парадоксальным образом открывает новые перспективы перед декоративно-прикладным искусством в плане расширения и пересмотра собственной образной специфики, освоения новых жанров и материалов (керамопластики, стеклопластики, текстильной пластики, мини-гобеленов, мозаики в деревянных рамах и т.п.).

Лит.: Molinier Е. Histoire générale des arts appliqués à industrie. Р., 1896-1911. Vol. 1-5; Аркин Д. Искусство бытовой вещи. Очерки новейшей художественной промышленности. М., 1932; Fontanes J, de. Histoire des métiers d’art. Р., 1950; Baerwald М., Mahoney Т. The story of jewelry. L.; N. Y., 1960; Kaган М. О прикладном искусстве. Некоторые вопросы теории. Л., 1961; Русское декоративное искусство / Под редакцией А. И. Леонова. М., 1962. Т. 1-3; Салтыков А. Б. Избр. труды. М., 1962; Barsali I. В. European enamels. L., 1964; Kenyon G. Н. The glass industry of the Weald. Leicester, 1967; Cooper Е. А history of pottery. L., 1972; Davis F. Continental glass: from Roman to modern times. L., 1972; Моран А. де. История декоративно-прикладного искусства. М., 1982; Osborne Н. The Oxford companion to the decorative arts. Oxf., 1985; Boucher F. А history of costume in the West. L., 1987; Некрасова М. А. Проблема ансамбля в декоративном искусстве // Искусство ансамбля. Художественный предмет. Интерьер. Архитектура. Среда. М., 1988; Illustrated encyclopedia of Antiques. L., 1994; Макаров К. А. Из творческого наследия. М., 1998; Materials and techniques in the decorative arts: an illustrated dictionary / Ed. by L. Trench. L., 2000.

Т. Л. Астраханцева.

Консультация для родителей детского сада "Значение и роль декоративно-прикладного искусства в жизни дошкольника".

Описание материала:
Данный материал предназначен для информирования родителей по теме: декоративно-прикладного искусство.
Данная разработка может использоваться в своей работе воспитателями, педагогами дополнительного образования.
Пояснительная записка:
Воспитание гражданина и патриота, знающего и любящего свою Родину, – задача особенно актуальная сегодня не может быть успешно решена без глубокого познания духовного богатства своего народа, освоения народной культуры.
Цель:
- донести до родителей важность приобщения детей к прекрасному.
Задачи:
- Сформировать представление о термине «Декоративно-прикладное искусство»;
- Побуждать желание участвовать в развитии творческих способностей ребенка, заниматься индивидуально дома.
«Воспитание, созданное самим народом и основанное на народных началах, имеет ту воспитательную силу, которой нет в самых лучших системах, основанных на абстрактных идеях или заимствованных у другого народа. Но, кроме того, только народное воспитание является живым органом в историческом процессе народного развития … Народ без народности – тело без души, которому остается только подвергнуться закону разложения и уничтожиться в других телах, сохранивших свою самобытность».
К.Д. Ушинский.

В первые годы ребенка начинают развиваться те черты характера, чувства, которые незримо связывают ребенка со своей страной, с ее историей, с ее традициями. Детям такого возраста еще не доступны понятие Родина, страна, традиции, поэтому главная задача родителей заложить и подготовить в детях почву, чтобы ребенок вырос в семье, в которой создана атмосфера, которая насыщена живыми образами, яркими красками той страны, в которой мы живем.
А мы родились и живем в сложное время больших перемен, это то время, когда происходит оскудение духовных ценностей, оскудение личности, Оскудение народных традиций, обычаев, теряются нравственные ориентиры.
Во все времена главной задачей старшего поколения была передача подрастающему поколению добрых традиций своего народа, сохранение и укрепление духовного опыта, предыдущих поколений.
Жизнь наша и жизнь наших детей изменилась до неузнаваемости, телевизионные экраны наводнила жестокость. На смену народным играм, забавам, пришел век компьютерных технологий, со своими непонятными героями в мультфильмах и фильмах.

Но наша задача во чтобы , то не стало воспитать гражданина и патриота достойного нашей великой страны, у которой очень большая история.
Поэтому любое занятие, встреча с игрушкой, творческое дело, беседа – подчинены единственной цели : развивать личность ребёнка посредством игры, сказки, музыки, фантазии и творчества.
Воспитание и развитие ребенка, в том числе и творческое, невозможно без участия родителей. У каждого без исключения ребенка есть свои способности и таланты, у каждого есть свои задатки, которые надо увидеть во время, постараться их развить. Задача семьи состоит в том, чтобы вовремя увидеть, разглядеть способности ребенка, а задача педагога - развить его способности, подготовить почву для того, чтобы эти способности были реализованы.

Декоративно-прикладное искусство - одно из важных средств художественного воспитания детей дошкольного возраста.
Народное искусство богато и разнообразно. Сегодня почти в каждой семье есть произведения народных мастеров - русские матрешки, гжельская посуда, хохломские миски и ложки, павлопосадские платки, тканые полотенца. Интерес к этому виду искусства усиливается.
И хорошо, что сегодня происходит возвращения к народным традициям, ценностям, но наша задача поддерживать и приобщать детей к народному исскуству.
Изделия народных мастеров и умельцев сегодня есть почти в каждом доме, будь то матрешка, или изделия из различных материалов - керамическая посуда, украшения, напольные ковры, вышитые руками мастеров скатерти, деревянные игрушки, которые так притягивают своей красотой и яркостью исполнения.
Современные дети, даже порой и взрослые, которые живут в городах, селах, порой не знакомы, или знают поверхностно, как жили люди раньше, как работали, с помощью чего обслуживали себя в быту, как украшали себя, свой дом.

Народное декоративно-прикладное искусство – одно из средств эстетического воспитания, в результате которого у детей формируется эстетический вкус, формируется интерес к прекрасному в окружающей их жизни, и окружающему миру в целом. Помогает формировать художественный вкус, учит детей видеть и понимать прекрасное в окружающей нас жизни и в искусстве. Характер народного искусства, его эмоциональность, красочность, неповторимость помогает ребенку расти и развиваться, как творческая личность, развивает умственную активность, эстетический вкус, ребенок замечает и радуется чему-то прекрасному и красивому, ребенок развивается всесторонне.
Ребенок узнает, что были и есть в наше время такие умельцы и мастера, которые одарены богатой фантазией, даром, создавать своими руками необыкновенную красоту, радующую глаз.
Большую роль в ознакомлении с народными образцами играют экскурсии в музеи, на выставки произведений декоративно-прикладного творчества.
Таким образом, народное искусство в детском саду способствует всестороннему воспитанию личности ребенка, развитию его творческих способностей и заложенного потенциала; активно воздействует на духовное развитие дошкольника, на формирование патриотических чувств.

Самым высоким видом искусства,
самым талантливым, самым гениальным
является народное искусство,
то есть то, что запечатлено народом,
сохранено, что народ пронес через столетия».
М.И. Калинин

← Вернуться