Каждое произведение искусства, заботится об этом художник, или нет, несет в себе несколько уровней. Это:
1 Эмоциональный уровень,
2 Предметный уровень,
3 Сюжетный уровень,
4 Символический уровень
5 Уровень осмысления картины
1 Эмоциональный уровень
1) Какие эмоции, настроения вызывает у Вас это произведение
Наше восприятие искусства начинается с эмоции. Первое, что мы «ловим» - это эмоциональный строй произведения. Оно торжественное или лирическое, нам смешно или грустно. Если произведение не затронуло нас эмоционально, то дальнейший анализ вряд ли состоится. Потому очень полезно уже в самом начале анализа попытаться по возможность точнее уловить те эмоции, которые рождаются от общения с произведением.
2 Предметный уровень произведения
Отражает то, что непосредственно изображено. Именно с этого уровня непосредственно начинается анализ базовых параметров произведения.
2) Каков размер картины (монументальный, станковый, миниатюрный?
3) Каков формат картины: вытянутый по горизонтали или вертикали прямоугольник (возможно, со скруглённым завершением), квадрат, круг (тондо), овал?
4) В какой технике (темпера, масло, акварель и т.д.) и на какой основе (дерево, холст и т.д.) выполнена картина?
5) С какого расстояния она лучше всего воспринимается?
6) Опишите предметный мир картины.
7) Какие предметы важные и второстепенные в композиции произведения?
Любой предмет, любое действующее лицо или явление, находящееся в поле картины, необычайно значимы. Случайных вещей на картинах хороших художников не бывает. Потому даже простое перечисление того, что на полотне расположено, уже заставляет нас мыслить. И мыслить не отвлеченно, но в пространстве и времени конкретной картины.
3 Сюжетный уровень .
8) Есть ли в картине сюжет? Что изображено? В какой среде располагаются изображённые персонажи, предметы?
Сразу хочется предостеречь от опасности, увы, очень часто подстерегающей исследователя. Это желание заменить сюжет, представленный художником на полотне сюжетом, известным из истории, мифологии, рассказов о художнике. Художник ведь не просто иллюстрирует известный сюжет, но дает его осмысление, иногда очень далеко выходящее за рамки этого сюжета. Кроме того, сюжет предстает перед нами причинно-следственными связями, выстроенными художником на полотне. В исторической или жанровой картине эти связи будут касаться исторических или бытовых событий. В портрете - взаимоотношений индивидуальности портретируемого, того, что он собой представляет с тем, чем он хочет казаться. В натюрморте - отношений между вещами, оставленными человеком и самим человеком «за кадром». А в абстрактной живописи художник (иногда очень тщательно) выстраивает соотношение линий, пятен, цветов, фигур.
9) На основании анализа изображения Вы можете сделать вывод о жанре произведения. К какому жанру: портрет, пейзаж, натюрморт, обнажённая натура, бытовой, мифологический, религиозный, исторический, анималистический, - принадлежит картина?
Относительно конкретного полотна пространство и время может быть внешним. Это культурно-историческое пространство и время бытия художника. Изучение этой внешней (по отношению к полотну) жизни интересно и необходимо. Сюжетный уровень уточняет и композиционные особенности полотна. Мы начинаем отличать картину-рассказ и картину-показ, говорим о изобразительности и выразительности на полотне.
11) Как Вам кажется, какую задачу решает художник – изобразительную? выразительную? Какова степень условности или натурализма изображения? Тяготеет ли условность к идеализации или к экспрессивному искажению?
Как правило, с жанром связана композиция картины.
12) Из каких составляющих складывается композиция? Каково соотношение объекта изображения и фона/ пространства на полотне картины?
13) Насколько близко к картинной плоскости размещены объекты изображения?
14) Какой угол зрения выбрал художник – сверху, снизу, вровень с изображенными объектами?
15) Как определена позиция зрителя – вовлекается ли он во взаимодействие с изображенным на картине, или ему отводится роль отстраненного созерцателя?
16) Можно ли назвать композицию уравновешенной, статичной, или динамичной? Если присутствует движение, как оно направлено?
17) Как построено картинное пространство (плоскостно, неопределенно, выгорожен пространственный слой, создано глубокое пространство)? За счёт чего достигается иллюзия пространственной глубины (различие в размере изображенных фигур, показ объема предметов или архитектуры, с помощью градаций цвета)?
Композиция разрабатывается средствами рисунка .
18) Насколько выражено в картине линейное начало?
19) Подчеркнуты или скрадены контуры, отграничивающие отдельные предметы? Какими средствами достигается этот эффект?
20) До какой степени выражен объём объектов? Какими приёмами создаётся иллюзия объёма?
21) Какую роль в картине играет свет? Какой он (ровный, нейтральный; контрастный, лепящий объем; мистический). Прочитывается ли источник/направление света?
22) Читаются ли силуэты изображенных фигур/объектов? Насколько они выразительны и ценны сами по себе?
23) Насколько детализировано (или наоборот обобщено) изображение?
24) Передаётся ли разнообразие фактур изображённых поверхностей (кожа, ткани, металл и т.д.) ?
25) Исходя и из предметно-эмоционального анализа определите стилистическую принадлежность произведения.
4 Символический уровень .
26) Что означает тот или иной предмет в произведении? Какую символическую нагрузку он выполняет в общей структуре произведения?
Здесь мы как бы снова возвращаемся к предметному наполнению картины. Но на другом качественном уровне. Предметы вдруг начинают проявлять смысл. (Часы - это уходящее время, пустыне раковины - пустая бренная жизнь, остатки трапезы – внезапно оборвавшийся жизненный путь. Каждый отдельный цветок начинает «звучать» для чуткого глаза исследователя.) Каждая форма вновь осмысляется. Круговая композиция - это символ вечности. И потому в круг заключены лишь «вечные» предметы и персонажи. Квадрат (куб) - это символ земли, устойчивого земного бытия. Мы видим, что один художник выстраивает полотно, разбивая его на части слева направо. И тогда в правой части оказываются положительные ценности, а в левой отрицательные. Да и естественное движение глаза слева направо заставляет нас увидеть в левой половине начало события, а в правой его итог. А обратное движение в картине воспринимать как противоестественное. Другой же художник выделит вертикальное деление поля картины. И тогда вступают в силу все наши представления о верхе и низе в окружающем нас мире. Высокий, низкий или средний горизонт, «цветовая тяжесть» верха или низа полотна, насыщенность той или иной части фигурами или нарочитая разреженность, открытость пространства – все это становится предметом анализа на символическом уровне. Нельзя только забывать, что сама вертикальная или горизонтальная композиция картины - тоже значимый символ. Хотя картина - это обустройство плоскости, художники все время стремятся освоить глубину пространства. И потому композиция третьего измерения также необычайно важна для исследователя. Здесь становится явственной символика далекого и близкого. Глубина пространства может раскрываться разными способами. И каждый из них символичен. Ближние предметы заслоняют дальние. И заслоняют не просто фигурами, но и своими значениями. Глубина пространства «прорисована» за счет плоскости пола, земли - низ приобретает главное, миротворящее значение в картине. Глубина выстраивается с помощью архитектурных сооружений. И архитектура начинает активно влиять на персонажи -возвышать их или придавливать, прятать или выставлять напоказ. И насколько больше возможностей (и в построении глубины, и в создании символического плана полотна) получили художники после создания системы перспективы (линейной, цветовой, воздушной). На этом уровне анализа большое значение приобретают цвет и свет в картине.
27) Какую роль играет в картине колорит (подчинён рисунку и объёму или наоборот подчиняет себе рисунок и сам выстраивает композицию).
28) Является ли цвет просто окраской объёма или чем-то большим? Является ли он оптически достоверным или экспрессивным?
А поскольку в произведении живописи цвет - это главное средство построения живописного мира, то художники даже Нового времени не избегают этого символического влияния. Цвет так же «читаем» как и форма. Свет и тьма всегда были для человека не просто условиями реальной жизни, но и символическими противопоставлениями внешнего и внутреннего: светлое лицо и внутренняя просветленность; «тяжелая» темная живопись и тяжелый жизненный путь. Так постепенно выстраивается грандиозная символическая система мира данного
полотна.
29) В картине преобладают локальные цвета или тональный колорит?
30) Различимы ли границы цветовых пятен? Совпадают ли они с границами объёмов и предметов?
31) Художник оперирует большими массами цвета или маленькими пятнами-мазками?
32) Как написаны теплые и холодные цвета, пользуется ли художник сочетанием дополнительных цветов? Для чего он это делает? Как переданы наиболее освещенные и затенённые места?
33) Есть ли блики, рефлексы? Как прописаны тени (глухо или прозрачно, цветные ли они)?
34) Можно ли выделить ритмические повторы в использовании какого-либо цвета или сочетания оттенков, можно ли проследить развитие какого-либо цвета? Есть ли доминирующий цвет/ сочетание цветов?
36) Какова фактура живописной поверхности – гладкая или пастозная? Различимы ли отдельные мазки? Если да, то какие они - мелкие или длинные, жидкой, густой или почти сухой краской нанесены?
Уровень осмысления картины .
36) Попытайтесь представить себя в поле картины, какие чувства Вы испытываете? Как повлияло на Вас это произведение
Здесь отдельные аспекты анализа должны соединиться для нас в единый мир данного конкретного произведения. На этом завершающем этапе анализа не должно остаться ни одной детали в картине, так или иначе выпадающей из целого. Здесь вновь мы должны говорить о целостности. И постигается эта целостность чаще не логически, но эмоционально. Попробуйте мысленно передвигать фигуры в заданном формате, гасить одни и выделять другие, и вы увидите, что затрагиваете этим не только
выразительность, но и самый смысл картины. На этом этапе картина становится «своей».
Для декора помещений часто используют настенные картины. Их можно подобрать в любое помещение и под любой кошелек. Нужно только знать, как правильно повесить картину на стену. Главное правило здесь следующее – предметы искусства должны передавать настроение интерьера в квартире и вкус хозяев.
Подсветка
Освещение полотен имеет большое значение. Но если в музее их можно расположить в вдоль одной стены и установить над каждым светильники, то в квартире лучше использовать хорошее натуральное освещение. Дополнительная подсветка может пригодиться при появлении бликов или желании с акцентировать внимание на стене. Для этих целей лучше использовать светодиодные светильники, которые не греются и создают направленный потолок света.
Важно! Максимально допустимое освещение живописи 150 люкс. Можно использовать лампу накаливания 100Вт или люминесцентную лампу 20Вт. Их следует располагать минимум на расстоянии 1 м от полотна.
Высота
Не следует вешать картины слишком высоко, иначе ими не возможно будет любоваться. Следующий универсальный прием поможет правильно определить расположение полотна. Проведите воображаемую линию, отступите вверх от нижнего края горизонтальной картины 3 см, и повесьте полотно так, чтобы прямая была на уровне глаз. Для вертикальных полотен действует тот же принцип. Но если в квартире низкие потолки, то расстояние нужно брать в 6 см от края.
Важно! Нужно также учитывать расстояние между стенами. Здесь существует отдельное правило. Размер большей стороны холста нужно умножить на 3 – это минимальное рекомендуемое расстояние для рассмотрения полотна.
Ориентация
Вертикальные полотна увеличивают зрительно потолки, поэтому их лучше размещать на узкой стене. Горизонтальные полотна удлиняют стену. Их лучше размещать над диваном, кроватью или комодом. Также вовсе не обязательно оформлять много картин в один багет. Можно подобрать универсальную рамку под каждое полотно. Тогда вся группа будет смотреться органично.
Угол наклона
Чтобы полотно тесно прилегало к стене, нужно натянуть веревку крепления. Наоборот, если нужно, чтобы картина висела под углом, то веревку следует ослабить.
Группировка
Если на кухне большая стена, а картины маленького размера, лучше располагать их группами, вокруг одного полотна, которое нравится больше всего. Группа должна включать полотна близкие по стилю или цветовой гамме. Например, серию батики, объединенную одной тематикой.
Важно! В группе из трех картин среднее полотно является главным.
Полотна одинакового размера чаще всего вешают в один ряд на равном расстоянии друг от друга. Но интереснее они смотрятся, когда весят на разных уровнях.
Часто люди воспринимают полотна, как элемент классической живописи, требующий большого объема пространства на стене. Их нельзя закрывать мебелью и другими предметами декора.
Какую еще технику развешивания картин можно применить на кухне или в любом другом помещении? Сплошная шпалерная группировка , когда полотна закрывают всю стену.
Важно! Чтобы определиться, как правильно повесить полотна на стене, следует сначала составить композицию на полу, а затем перенести ее в интерьер. А вот развешивать много полотен «по росту» в сторону увеличения либо уменьшения, точно не стоит. Это признак дурного вкуса.
Как вешать картину
Перед тем, как повесить картину на кухне, нужно подготовить материалы для крепления полотна. Отделочный гвоздь длиной в 5 см выдержат разного рода нагрузку. Однако, самым оптимальным считается анкерный винт с круглой шляпкой. Если речь идет о гипсокартонной стены, то полотно следует размещать на стойке каркаса . Это самая укрепленная часть стены под штукатуркой, несущая основную нагрузку. Определить ее можно с помощью электронного детектора или вручную. Для этого достаточно постучать по поверхности в разных местах. Там, где находится глухой звук, как раз и скрывается стойка.
Размещать картину лучше всего на кронштейны. Как определить высоту, на которой должно располагать полотно, уже было описано ранее. Приложите полотно к стене, чтобы отметить точки крепления. Нужно сделать в них отверстия для анкерного винта сверлом небольшого размера или обычным гвоздем с молотком. Затем следует поместить в отверстие анкерный винт и закрепить его шуруповертом. На созданное крепление следует повесить полотно на кухне или в комнате.
Не стоит перегружать стойку каркаса. Одно-два полотна можно повесить на деревянную балку. Остальные лучше разместить вокруг.
- Перед тем, как развесить картины в интерьере, нужно отметить расстояние между полотнами с помощью карандаша и линейки или разноцветными стикерами . В процессе монтажа будет легче определиться с расположением следующего полотна.
- Расположите картины креативно. Шесть или семь полотен разного размера визуально создадут эффект увеличения пространства. Экспериментируйте перед тем, как повесить полотна на стене. Но не размещаете их очень высоко или низко.
- Продумайте все детали в интерьере. Маленькие полотна в разных комната смотреться не будут, поэтому их лучше разместить на одной стене. Альбомные фото дают больше возможностей, чем портретные картины. Поэкспериментируйте с их расположением в интерьере, пока не найдете оптимальный способ.
- Когда проектируете, в каком месте в интерьере повесить картину, учитывайте высоту мебели, стеллажей, расположение окон и освещение комнаты в целом.
Сюжет VS Цвет
Что первично: палитра или содержание? Если в интерьере имеется ярка выраженная стилиста, то следует подбирать полотно по содержанию. В таких случаях не допустимо тематико-стилистическое несоответствие.
Например, если гостиная оформлена в африканском стиле с преобладанием бежевой и желтой палитры, то уместнее будет смотреться африканка с голубым тюрбаном, нежели осенний лес. Цветовой дисбаланс можно исправить аксессуарами. Например, повесить картину на стену над диван, а на него положить голубые подушки. Даже если на первое место выходит цвет, сюжет не теряет важности.
Совет! Картины с абстракциями, портретами и растениями универсальны. Их можно использовать в любом помещении и даже на кухне.
Подбор полотна по цвету
Прежде чем правильно развесить холсты на стене, нужно убедиться, что они впишутся в интерьер. Идеальный вариант, если полотна полностью рифмуются с интерьером. Их изображения по цветовой гамме повторяют цвета в обстановке. Чаще всего полотно сливается с обстановкой и остается не замеченным. Но при этом выполняет главную функцию – украшает пустую стену. Такое полотно может служить связующим элементом. Например, на кухне с зелеными стенами и фиолетовой мебелью изображение ветки сирени свяжет основные цвета.
Чего стоит избегать
Сегодня картины в интерьере — это инструмент для оформления обстановки. От размера и места расположения картины на стене зависит восприятие всего помещения. Само их наличие может изменить привычный уклад жизни. По фэн-шую, чтобы полотно принесло счастье, нужно влюбиться в изображение.
Поэтому в оформлении интерьера стоит избегать:
- Агрессивных сюжетов в виде потопов, пожаров, д иких животных — такие полотна меняют положительную энергетику.
- Изображения пожилых людей и разбитой посуды принесут в дом разрушительную энергию.
- На кухне или в любой другой комнате не стоит вешать кардинально разные изображения. Смешанная энергетика также уюта не принесет.
- На кухне можно развесить картинки с водой. По фэн-шую такие изображения привлекают финансовые потоки. В гостиную стоит вешать динамичные картины с активным сюжетом. Если комната или кухня используется для частых посиделок друзей, то уместным будут изображения благородных животных.
Совет! Желательно подбирать решения в голубой и синей цветовой гамме.
Правильное размещение картины на стене (2 видео)
Способы размещения картин (40 фото)
Своей целью имеет развитие художественного мышления. Также анализ необходим для подтверждения авторства и определения времени написания картины.
Прежде чем научиться понимать искусство, необходимо выучить сам язык. Ведь никто никогда не станет обвинять неграмотного в том, что он не может оценить красоты литературы, поскольку ведь для понимания явно необходимо научиться читать. Именно так писал в своей книге Макс Фрай. Близкое знакомство со структурой картины и искусства поможет актуализировать исследовательскую позицию человека, благодаря чему он сможет постигнуть самостоятельно смысл живописного произведения, освоить художественное мышление.
Что касается восприятия, то следует сказать, что применительно к художественным произведениям этот процесс зависит не столько от уровня подготовки, сколько от общей культуры, жизненного опыта и ассоциативных способностей. Также существуют и общие закономерности, не зависящие непосредственно от индивидуальных качеств человека.
Анализ картины, организованный в учебном заведении, должен стать хорошей теоретической базой для самостоятельной художественной деятельности, которая будет в дальнейшем стимулировать потребность учащихся в более осмысленном восприятии действительности, а также способствовать самоопределению и социокультурной адаптации.
Чтобы выполнить качественное описание натюрморта или другого произведения изобразительного искусства и абстрагироваться от сюжетного восприятия, необходимо обратить внимание, что картина - это не просто окно в мир, а некоторая плоскость, на которой художником при помощи различных живописных средств может создавать иллюзию пространства.
По этой причине сначала необходимо проанализировать базовые параметры произведения. Важно оценить размер картины, ее формат, технику исполнения. Рассмотреть, с какого расстояния произведение лучше всего воспринимается.
Затем анализ картины подразумевает рассмотрение сюжета произведения, жанра. Это может быть натюрморт, пейзаж, портрет, анималистический, мифологический, бытовой, исторический, религиозный жанр. Также нужно постараться определить замысел художника. Какую задачу он хотел решить написанием данного произведения? Какова степень натурализма или условности? Также важной составляющей любого художественного произведения является композиция. Она может быть статичной, динамичной или уравновешенной. Необходимо оценить соотношение пространства и фона на полотне, который выбрал художник. Возможно, он старался вовлечь людей во взаимодействие с изображением, или зритель остается только сторонним созидателем. Оцените, насколько хорошо в картине читаются изображенные объекты, силуэты, насколько они сами по себе ценны.
Также существует множество аспектов, на которые необходимо обратить внимание. Например, насколько детализировано изображение, как передан колорит, какие цвета преобладают и так далее. Теперь вы в самом общем виде знаете, как делается анализ картины. Но помните, что процесс во многом зависит от вашего собственного восприятия и является индивидуальным.
Мы видим мир трехмерным, но изображение, которое попадает на наши глаза плоское-двухмерное. Наш мозг из двухмерного изображения создает трехмерное. Это очень важная мысль - подумайте над ней.
Когда вы смотрите через объектив своего фотоаппарата - вы видите мир трехмерным, вы видите тоже самое, что видит фотоаппарат.
Почему же тогда, когда мы смотрим фотографии, полученные фотоаппаратом, они плоские, а не объемные?
По устройству своему фотоаппарат - это глаз. Фотоаппарат сохраняет вид, который представился бы нашему глазу (заметьте - одному глазу!), помещенному на месте объектива. Отсюда следует, что раз мы желаем получить от снимка такое же зрительное впечатление, как и от самой натуры, мы должны:
1) рассматривать снимок только одним глазом
и
2) держать снимок в надлежащем расстоянии от глаза
.
Нетрудно понять, что, рассматривая снимок двумя глазами, мы неизбежно должны увидеть перед собой плоскую картину, а не изображение, имеющее глубину. Это с необходимостью вытекает из особенностей нашего зрения.
Когда мы рассматриваем предмет, на сетчатках наших глаз получаются изображения неодинаковые: правый глаз видит не совсем то же, что рисуется левому. Эта неодинаковость изображений и есть, в сущности, главная причина того, что предметы представляются нам объемными: сознание наше сливает оба неодинаковых впечатления в один рельефный образ.
Иное дело, если перед нами предмет плоский, например поверхность стены, оба глаза получают тогда вполне тождественные впечатления; одинаковость эта является для сознания признаком плоскостного протяжения предмета.
Теперь ясно, в какую ошибку впадаем мы, когда рассматриваем фотографию двумя глазами; этим мы навязываем своему сознанию убеждение, что перед нами именно плоская картина! Когда мы предлагаем обоим глазам снимок, предназначенный только для одного, мы мешаем себе видеть то, что должна дать нам фотография; вся иллюзия, в таком совершенстве создаваемая фотоаппаратом, разрушается этим промахом.
На каком расстоянии надо держать фотографию?
Столь же важно и второе правило - держать снимок в надлежащем расстоянии от глаза; в противном случае нарушается правильная перспектива. Для получения полного впечатления надо рассматривать снимок под тем же углом зрения, под каким он “видел” снимаемые предметы.
Отсюда следует, что снимок надо приблизить к глазу на расстояние, которое во столько же раз меньше расстояния предмета от объектива, во сколько раз изображение предмета меньше натуральной величины.
Только близорукие люди, с коротким расстоянием лучшего зрения (а также дети, способные видеть на близком расстоянии), могут доставить себе удовольствие любоваться тем эффектом, который дает обыкновенный снимок при правильном рассматривании (одним глазом).
Странное действие увеличительного стекла
Близорукие люди легко могут обыкновенные фотографии видеть рельефными. Но как быть людям с нормальными глазами? Они не могут придвигать изображений очень близко к глазу, но им поможет здесь увеличительное стекло .
Смотря на снимок через лупу с увеличением в два раза, такие люди легко могут приобрести указанные выгоды близорукого, т. е., не напрягая глаз, могут видеть, как фотография приобретает рельефность и глубину. Разница между получаемым при этом впечатлением и тем, что мы видим, глядя на фотографию двумя глазами с большого расстояния, - огромна.
Материал подготовил: Никонов Владимир.
По книге Я.И. Перельмана "Занимательная физика"
Выбирая для рисования с натуры наиболее удачную точку зрения, следует помнить, что изображаемые объекты выглядят по-разному, в зависимости от того, с какого расстояния на них смотреть. Полезно понаблюдать и зарисовать группу из нескольких предметов на относительно близком расстоянии, а затем на удаленном. Сравнивая эти два рисунка, ясно видим разницу в их перспективных изображениях. Начинающие художники часто допускают ошибку, когда, рисуя с натуры или компонуя, выбирают слишком близкую точку зрения, что ведет к искаженному изображению предметов.
На ил. 85 помещены изображения одной и той же комнаты, когда точки зрения были взяты на одной высоте, но на различном удалении. Первый рисунок показывает комнату, видимую с близкого расстояния, равного величине половины диагонали картинной плоскости. На втором - та же комната с расстояния, равного величине диагонали картины. На третьем рисунке расстояние от зрителя до картины было увеличено до двух, а на четвертом до трех диагоналей. Сравнивая эти рисунки, мы замечаем, что одна и та же комната на первом рисунке кажется гораздо более глубокой, чем на втором и третьем, а в особенности на четвертом. На очень близком расстоянии получаются значительные перспективные искажения, особенно у краев изображения. Это аналогично тем фотографиям, которые сняты на слишком близком расстоянии и поэтому имеют уродливо вытянутые пропорции предметов. Так, например, боковые стены на первом рисунке кажутся чересчур длинными, первопланная фигура гораздо крупнее других. Ниже рисунка комнаты помещен ее план и показано расстояние до точки зрения. Смотря на план, мы видим, что глубина комнаты имеет всего четыре метра, но зрительное впечатление совсем иное, то есть на рисунке получается ложная глубина. Особенно это заметно, когда мы сравним первый рисунок со вторым, где показана комната с расстояния, равного диагонали картины. Стена в глубине на этом рисунке кажется значительно более крупной по сравнению с тем, как она изображена на предыдущем. Перспективные уменьшения фигур по мере их удаления не так заметны. Из этого можно сделать вывод, что чем ближе точка зрения, тем резче перспективные сокращения.
Удаляясь от картинной плоскости, мы получаем на рисунке меньшую разницу масштабов между предметами на разной глубине.
Если отойти на расстояние, равное двум диагоналям картины, то та же комната получит совсем иной вид. Площадь пола на третьем рисунке кажется гораздо уже, чем на втором и в особенности на первом. Стена, параллельная картинной плоскости, кажется значительно большей по площади.
На четвертом рисунке расстояние от зрителя до картинной плоскости равно трем диагоналям картины. Мы видим, что при таком большом удалении глубина помещения мало выражена. Боковые стены кажутся чрезмерно узкими, а стена в глубине - почти неудаленной, фигуры людей, расположенные на разном расстоянии, имеют одинаковый рост, и все изображение кажется плоским.
Такое впечатление возникает, если художник находится далеко от натуры; в этих случаях мы плохо воспринимаем объемность предметов, их расположение в пространстве.
Все четыре рисунка имеют одинаковые размеры, изображают комнату, у которой пол имеет 5 м в ширину и 4 м в глубину, не изменены и положения фигур людей, но впечатление от этих рисунков мы получаем совсем различное.
На этом примере видно, что следует избегать выбора слишком близкой или слишком далекой точки зрения. Первый и четвертый рисунки вызывают сомнения в правильности изображения комнаты, хотя там перспективное построение было сделано по всем правилам.
Чаще всего художники изображают натуру, находясь на расстоянии, равном полутора или двум диагоналям картинной плоскости, то есть угол зрения избирают равным 28° или 37°. Близкая точка зрения дает резкие перспективные искажения. Так, например, если рисовать лежащую в перспективном ракурсе фигуру человека с очень близкого расстояния, то ступни ног будут казаться в несколько раз больше головы, а у протянутой по направлению к зрителю руки пальцы будут значительно крупнее, чем у другой руки, отодвинутой в глубину картины.
Пользуясь вышеизложенными правилами перспективы, сделайте по представлению и с натуры рисунки части комнаты с простейшими предметами меблировки, видимой во фронтальном положении, а также под любым углом к картинной плоскости. Советуем исполнить ряд рисунков с нанесением линии горизонта и точек схода, изображающих простейшие архитектурные сооружения или их фрагменты (сарай, крыльцо, угол дома, полуоткрытую дверь, окно с закрытой и открытой створкой и т. д.).
Из сказанного выше мы узнали, что формы окружающих нас предметов и их величины зрительно изменяются в зависимости от положения в пространстве и расстояния от зрителя. Эти изменения форм и величин происходят по определенным законам, которые изложены в курсе линейной перспективы. Знание законов линейной перспективы помогает художнику при рисовании с натуры, по представлению и по памяти; оно необходимо также при работе над композициями. В настоящей статье изложены только некоторые первоначальные сведения по линейной перспективе, основываясь на которых надо выполнять учебные рисунки. Предметы мы рисуем так, как их видим и на основании знаний о них. Правила перспективного построения позволяют там, где это необходимо, не считаться с некоторыми зрительными искажениями. Так, например, высокие вертикальные линии могут зрительно казаться направленными в точку схода к зениту, что в рисунке не учитывается; сфотографированная вытянутая по горизонтали и видимая во фронтальном положении постройка получится с выгнутой линией горизонтального карниза, но художники этого не изображают.