Глядя на некоторые картины, которые сегодня продают на аукционах, хочется плакать. Плакать, потому что выглядят эти полотна как мазня ребенка, а стоят — как вилла в Майами. Время пришло представить самые дорогие абсурдные шедевры, ушедшие с торгов за миллионы долларов.
Картина «Зелено-белый», Элсворт Келли — $1,6 млн
blogspotЭто вам не просто неровный зеленый круг на белом фоне. Это образец живописи, где главным объектом выступает сам цвет. Сие творение купили на торгах Christie’s в Нью Йорке в 2008 году.
Собственно, и на остальных картинах художника вы не найдете сложных узоров и реалистичных пейзажей — только простейшие фигуры на белом, черном или ярком фоне.
«Голубой дурак», Кристофер Вул — $5 млн
pinterest Картина ушла с торгов Christie’s (Нью-Йорк) в 2010 году. Современный американский художник Кристофер Вул пошел дальше своих коллег и помимо «мазни» и «каракуль» стал размещать на холстах еще и надписи крупными буквами.
Есть немалая доля иронии в том, что одним из самых дорогих произведений из этой серии стало полотно с надписью «FOOL» (Дурак).
«Концепция пространства. Ожидание», Лучо Фонтана — $ 12,8 млн
источник: forbes Белый холст с прорезями был продан на лондонском аукционе Sotheby’s в 2015 году. Художник Лучо Фонтана известен «варварским» отношением к своим полотнам — он беспощадно резал их и прокалывал. Но делал это так, чтобы потом можно было показать «изувеченную» картину зрителю.
Для мастера его прорези олицетворяли саму бесконечность. «Когда я усаживаюсь перед одной из моих прорезей и начинаю ее созерцать, внезапно я чувствую, что дух мой освобождается. Я ощущаю себя человеком, вырвавшимся из оков материи, принадлежащим к бесконечному простору настоящего и будущего», — говорил Фонтана.
Картина «Голуб ая звезда» Жоана Миро — $36,9 млн
karenruimy Один из самых дорогих лотов аукциона Sotheby’s, проходившего в британской столице в 2012 году. Это первая в нашем списке картина, на которой, кажется, пытались что-то нарисовать. Только вот что?
Полотно было создано испанским художником-сюрреалистом Жоаном Миро. В свое время живописец голодал, из-за чего частенько наблюдал на стенах галлюцинации. Увиденные образы творец переносил на картины. Теперь его полотна продаются за миллионы долларов.
«Спящая девушка» Роя Лихтенштейна — $44,8 млн
nytimes «Спящая девушка» ушла с молотка в 2012 году на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке. За работы Лихтенштейна, которого когда-то называли «худшим художником Америки» сегодня отдают баснословные деньги.
Рой Лихтенштейн известен тем, что создавал картины на основе комиксов: художник просто брал и перерисовывал чужие работы, добавляя что-то свое. За это ему приходилось терпеть нападки критиков, но это же и сделало его знаменитым. Картины Лихтенштейна постоянно мелькают в списках самых дорогих полотен.
«Без названия», Сай Твомбли — $ 69,6 млн
gazeta Картина была продана на Нью-Йоркских торгах аукционного дома Christie’s в 2014 году. Когда такое рисует ребенок – это каракули. Но, когда это делает распиаренный художник – это шедевр, достойный того, чтобы выложить за него сумасшедшие деньги. Другие произведения Твомбли представляют собой все те же каракули и стоят так же неприлично дорого.
«Черный огонь» Барнетта Ньюмана — $84,2 млн
bloomberg Этот шедевр был продан на проходивших в Нью-Йорке торгах Christie’s в 2014 году. Авторский знак Барнетта Ньюмана – вертикальные линии, которые прозвали «молниями».
Другие картины мастера отличаютcя от той, что представлена выше, разве что цветом, да шириной этих самых молний. Цены на полотна художника растут от аукциона к аукциону.
«Оранжевое, красное, желтое», Марко Ротко — $86,9 млн
Вы давно хотели попробовать себя в живописи, но никак не могли решиться взять в руки кисть и палитру, и стать к мольберту? Все вокруг считают, что ваши творческие потуги - жалкая мазня? Стало быть, вы - неудачник! Значит, подборка картин за авторством канадского художника Кима Дорланда (Kim Dorland) послужит вам неплохим утешением. А может, и вдохновением тоже.
Эксперты называют творчество Дорланда "наивным искусством", злопыхатели - небрежной мазней, а поклонники самобытного таланта считают, что картины, которые создает Ким, являются психологически и стилистически неожиданными. И то верно, - никто не ожидает вместо обещанных пейзажей и портретов увидеть залепленное краской полотно, на котором к тому же автор оставил не аккуратные мазки и линии, а грубые борозды. Будто трактор проехал по удобренному и влажному полю...
Принцип, по которому Ким Дорланд рисует свои оригинальные картины, можно охарактеризовать однок короткой фразой: "главное - не жалеть краски". Ведь если присмотреться, картины буквально выцарапаны на толстенном слое масла, которым автор щедро умащивает свои полотна. Получается, что картины не нарисованы, а вылеплены, - как будто скульптуры.
А еще художник не стремится к аккуратности и реалистичности. Он творит в особом стиле, эдаком детском абстракционизме, не заботясь ни о сохранении пропорций, ни о придании изображениям объема, ни об эстетичности полотен. Кажется, что основная задача автора - как можно небрежнее, левой рукой из-под правой коленки, накидать на холст краски, наставить клякс - вот это живопись!
Хотя, очень может быть, это только нам, обывателям, кажется, что рисовать подобным образом легко и просто. Ведь так или иначе, а Ким Дорланд достаточно часто участвует в выставках, его картины представлены в галереях Торонто, где он живет и работает, и достаточно успешно продает свои работы как в Канаде, так и далеко за рубеж.
Эффективность Public Relations: «Гениальные» мазилы
Если я возьмусь за кисть, и намалюю на холсте какой-нибудь пейзаж или портрет, то любой человек, посмотрев на мое произведение, может смело заявить: ну и мазня! И будет прав, ведь я не умею рисовать. Тем ни менее, мою мазню можно было бы продать за миллионы долларов, будь у меня была репутация великого художника. Теоретически сложно представить, чтобы мои ненаписанные, но от этого не менее ужасные картины можно было бы раскрутить как великие произведения живописи и продать за "бешеные деньги". Но в реальной жизни подобное происходило и не один раз - вторая половина 19 века и весь 20 век - это сплошное торжество мазни в искусстве.
С того момента как зародилась современная живопись, отцом которой считается итальянец Джотто ди Бондоне (1267-1337гг.), и на протяжении нескольких следующих веков на первое место в оценке произведения ставилось мастерство художника в отображении реальности на любой пригодной для рисования поверхности (холсте, стене или доске). Фотографии тогда не существовало, но многим хотелось иметь собственный портрет или изображение своих родственников. Виды окружающих лесов и полей также ценились. Мы и сейчас любим в своих квартирах развешивать репродукции разных картин, а кому материальное состояние позволяет, то и сами оригиналы. В средние века богатым людям тоже нравилось украшать стены домов и замков произведениями живописи, и некоторые из богачей собирали огромные коллекции. Кто-то это делал из любви к живописи, другие - для повышения своего статуса.
Кроме богачей в произведениях искусства нуждалась и церковь. Церкви не нужны были картины, изображавшие реальную жизнь - им были необходимы библейские сюжеты, которые бы выглядели как настоящие - как фотографии реальных событий (хотя про фотографии тогда и понятия не имели). Люди должны были верить в Христа, Марию, апостолов и других религиозных деятелей, а для этого библейские персонажи должны были выглядеть как живые люди.
Каковы были запросы заказчиков - такие были и картины. Бредовые идеи, набросанные на холсте неумелой рукой, были никому не нужны. Никто не стал бы покупать свой портрет, который был бы не похож на оригинал, и уж тем более такой, который в принципе не напоминал изображение человека. В те времена для написания портрета нужен был художник, овладевший ремеслом живописца. Не будучи профессионалом, ты не мог продать картины и заработать на жизнь. Тем же, кто коллекционировал картины, уже требовались не просто слепки с реальности - им хотелось заполучить эксклюзивные вещи, которые бы никто не мог повторить. То есть к реалистичному изображению художник должен был добавить что-то свое - некий уникальный стиль, чтобы его картина выделялась среди основной массы качественных ремесленных изделий. Это могла быть уникальная техника как у Леонардо да Винчи, новаторское использование света и тени как у Ван Эйка, фантастические образы как у Босха…
15-17 века в Европе - это расцвет мировой живописи. К этому времени в экономически развитых государствах Европы (Венеция, Флоренция, Нидерланды, Фландрия, Германия) появилось достаточное количество заказчиков картин - благодаря этому мы получили целую плеяду выдающихся художников, произведения которых и поныне украшают самые известные музеи мира. Наряду с такими общепризнанными великими живописцами Возрождения как Леонардо да Винчи, Рафаэль и Микеланджело Буонарроти, в это время творили еще несколько десятков не менее выдающихся художников: голландцы Робер Кампен, Ян Ван Эйк, Иероним Босх, Питер Брейгель- старший, Питер Пауль Рубенс, Антонис Ван Дейк, Ян Вермеер, итальянцы Джорджоне, Тициан, Корреджо, Караваджо, немцы Альбрехт Дюрер, Ганс Гольбейн младший, испанец Диего Веласкес... Все они имели оригинальную манеру отображения реальности, но при этом их объединяло то, что все они великолепно писали исключительно реалистичные картины. Реалистичные не по сюжету - те же библейские картины никогда не были таковыми. Реалистичные - по схожести изображенного с реальной жизнью. Никто не рисовал какие-нибудь кубики или квадраты - якобы так он видит мир, поскольку "шедевры" в подобном стиле не нашли бы своего покупателя. Заказчики картин в те времена были людьми простыми - типа нашего Никиты Хрущева. Есть байка, что тот однажды на выставке абстракционистов спросил про одну из картин: «А это что за жопа?». Замечу, что по поводу картин Рафаэля или Корреджо никто и никогда ничего подобного не говорил, включая Хрущева, - любому имеющему зрение понятно, что изображено на них: мадонны в образе благообразных женщин, а не какие-то жуткие и непонятные создания как на картинах Пикассо. Каждый выдающийся художник был в чем-то новатором, но все новаторские приемы в живописи имели смысл только в том случае, если художник мог адекватно изобразить жизнь во всех ее проявлениях. Новизна в изображении использовалась ради реалистичности, а не сама по себе. Можно сказать, что живописцы пытались работать как строители - у каждого дома должен быть фундамент, стены и крыша, а все эксперименты допускались только в этих рамках.
Как профессионалы, художники эпохи Возрождения достигли вершин в живописи. И можно смело сказать, что превзойти Рафаэля или Ван Эйка нельзя - их можно лишь повторить. Или создать что-то свое, что с годами стало все сложнее и сложнее. Уже в 17 веке выдающихся художников стало меньше, чем в 16 веке, а в 18-м их можно по пальцам пересчитать. На фоне мастеров Возрождения выделиться крайне сложно - это высший уровень мастерства, который в принципе могут достигнуть лишь единицы.
И вот на таком фоне, когда ремесленников много, а выдающихся мастеров стало мало, происходит настоящая революция в мире искусств - «великие художники» стали создаваться искусственно. Такое было сложно проделать в Средние века - без средств массовой информации пиар-технологии малоэффективны, поскольку информацию приходится передавать посредством слухов, которые ее искажают. Тем более, если речь идет о распространении информации на большие расстояния. Только СМИ могут быстро и эффективно создавать и внедрять в массовое сознание образ любого объекта (товара, бренда) как идеального и необходимого в жизни. Неслучайно, что когда во второй половине 19 века в жизни государств Западной Европы, которые уже вступили в эпоху промышленной революции, все большую роль начинает играть пресса, тогда же начинают и появляться «великие художники нового типа». Другими словами - мазилы.
Кто конкретно переориентировал покупателей живописи на откровенную мазню? Их очень много. В основном, это люди, которые занимались художественной критикой в средствах массовой информации, а также те, кто устраивал выставки. К примеру, критик Роджер Фрай «промывал» постимпрессионистов, француз Гийом Аполлинер способствовал продвижению к потребителям продукции Матисса и Пикассо. Но еще большее значение для рынка живописи имело то обстоятельство, что в мире появлялось все больше богатых коллекционеров - особенно во второй половине 20 века. В условиях, когда действительно выдающиеся произведения искусства находятся в государственных музеях или принадлежат церкви, которые не продают свои шедевры ни за какие деньги, из чего же собирать коллекции? - Из того, что считается модным. То, что становилось модным, то и приобреталось покупателями.
А как создавалась мода на того или иного "живописца"? В основном все начиналось со скандала. В конце 19 века само по себе выставление на публике жуткой мазни под видом произведений искусства означало публичный скандал. Это было настоящим вызовом обществу. Люди, увидев «такое», возмущались, все это мусолилось в прессе и богемных местах, известность автора и его картин росла - так и появлялась мода на того или иного персонажа. Сначала в узких кругах, а потом, если повезет, то и широкая публика узнавала о появлении нового "великого живописца". «Если про тебя говорят - значит, ты существуешь" - вот основное правило пиара. Если ты становишься известен, то твои картины хоть кто-нибудь да купит - вне зависимости от их художественной ценности. Как только бездарный люд в богемной среде понял, что мазня - это тоже ходовой товар, так подобные картины буквально захлестнули рынок. Многие в будущем великие мазилы начинали с реалистичных картин, но вовремя переориентировались на мазню. А некоторым и ничего менять не нужно было - они изначально не умели рисовать.
В разные периоды возникала мода то на одно художественное направление, то на другое - импрессионизм, постимпрессионизм, абстракционизм, кубизм, экспрессионизм…. А мода - это главный двигатель торговли. Как только «художник» становился брендом - с тех пор все, что выпускалось под этим брендом, «разлеталось как горячие пирожки». Не имело никакого значения, что именно малевал тот или иной «художник» - индустрия моды функционирует по другим законам, чем индустрия ремесленных изделий. Мода на того или иного мазилу, конечно, возникала не сразу, и поначалу «лавры» в виде огромных денег доставались не самим художникам, а покупателям картин. Безумные деньги, которые стали выкладывать за модную мазню на аукционах, появились только к концу второй половины 20 века. Огромное количество людей с шальными деньгами, полученными на мировых финансовых рынках, а также при разграблении госсобственности в России, просто не знали, куда их деть - в результате любые фекалии, размазанные по холсту, стали чрезвычайно ходовым товаром.
С кого же началось торжество мазни в искусстве?Дорогу импрессионистам и кубистам проложил англичанин Джозеф Тернер, который «творил» в первой половине 19 века. Единственным его достоинством как художника было то, что он не очень хорошо рисовал пейзажи. Были у него и почти неплохие картины, но известен он стал откровенной мазней, вроде полотна «Подплывая к Венеции». Если бы Венеция была такой как на его картине, то вряд ли бы к ней вообще кто-то поплыл… Тернер в свое время просто шокировал публику, благодаря чему и стал известен. Существует карикатура на него - Тернер стоит перед картиной с малярной кистью (которой красили заборы в то время) и что-то малюет…
Следующим эстафету подхватил француз Эдгар Дега - он умел рисовать,и иногда у него получались замечательные картины, но Эдгара почему-то тянуло малевать безобразнейших обнаженных баб, которые готовятся мыться, моются или только что закончили водные процедуры.… - За такие рисунки отчисляют с 1 курса художественного училища из-за профнепригодности, но Дега стал популярен во многом благодаря им.
В конце 19 - начале 20 века количество мазил начинает резко увеличиваться.
В это время творят «великие импрессионисты» Клод Моне (которого не надо путать с известным художником Эдуардом Мане) и Огюст Ренуар. Ренуар умел рисовать, но его как и Дега часто заносило в откровенную мазню. Моне поначалу тоже пытался стать настоящим художником, но понял, что у него ничего не получится - в результате его можно назвать одним из самых ярких продолжателей дела Джозефа Тернера - пейзажи Моне почти так же ужасны как у предшественника.
Его главный «шедевр» - это «Руанский собор, западный фасад в солнечном свете» - типичная детская мазня. В подобном «стиле» Моне наклепал много работ и все они пользуются до сих пор популярностью: «Водяные лилии» (без названия сразу и не опознаешь, что это лилии на воде…) ушла на аукционе за 36,7 млн. долларов (2007г.), «Мост Ватерлоо» (на фото внизу) продана за 35,9 млн. долл. (2007г.),
«Пруд с кувшинками…» (по сравнению с «Мостом Ватерлоо» ее можно даже назвать картиной) - за 33 млн. долл. (1998г.). Газета «Таймс» в 2009 г. провела опрос среди читаталей, по результатам которого определила самых популярных художников 20 века - Клод Моне занял 4 место!
На рубеже веков за дело взялись уже и постимпрессионисты: Винсент Ван Гог, Анри Тулуз-Лотрек, Эдвард Мунк, Поль Сезанн, Поль Гоген, Густав Климт. Кто из них был более «великий», а иными словами более модный художник в наше время? У Сезанна есть по крайней мере одна картина, которую можно охарактеризовать как «интересную» - ее он написал в 27 лет. Дальше все пошло намного хуже - без просветлений, мазня за мазней. Тем ни менее он точно не самый «великий». Цены на его некоторые картины исчисляются десятками миллионов долларов (самая дорогая из них - «Натюрморт с кувшином и драпировкой» была приобретена за 60,5 млн. долл. (!), но популярность его работ у коллекционеров явно уступает популярности работ Гогена и тем более Ван Гога. А вот читатели «Таймс» поставили Сезанна на 2 место среди художников 20 века!
Душевнобольной Ван Гог рисовал как небесталанный 5-7 летний мальчик, который так и не повзрослел. Одно время он лечился в психиатрической клинике, но это не помогло, и в 40 лет он покончил жизнь самоубийством. Его биография больше тянет на биографию «великого художника». Об этом свидетельствуют и цены на его картины - 40,3 млн. долларов за жуткий портрет мадам Жину, 40,5 млн. долл. за «Подсолнухи», 47,5 млн. долл. за «Крестьянку в соломенной шляпе», 53,9 млн. долл. за «Ирисы», 57 млн. долл. за «Пшеничное поле с кипарисами», 71 млн. долл. за автопортрет, и 82,5 млн. долл. за «Портрет доктора Гаше». Этот Гаше, кстати, присматривал за Ван Гогом незадолго до его самоубийства - наверное, "художник" своим фирменным портретом решил отомстить докторишке за его работу.
Любовник Ван Гога Гоген рисовал как мальчик чуть постарше, чем мальчик Ван Гога. Это явный минус для него как «великого художника». К тому же Гоген не был настолько сумасшедший как Ван Гог, хотя в его биографии есть замечательный эпизод, когда он приехал к Ван Гогу погостить и в итоге отрезал ему ухо - вот это действительно весомая заявка на «величие»! Тем ни менее, спрос на картины Гогена не так велик, как на Ван Гога - всего несколько его картин были проданы дороже 30 млн. долларов.
Почти карлик Тулуз-Лотрек был без ума от безобразных французских шлюх, которых он и воплощал в своих не менее безобразных картинах. Если вы посмотрите на картину внизу под условным названием «шлюхи на осмотре», то будете иметь представление о творческой манере Тулуз-Лотрека.
Он скорее был мастером наброска, но написать полноценную картину так и не удосужился. По сравнению с Гогеном и Ван Гогом Тулуз-Лотрек совершенно непопулярен, да и норвежец Мунк до них явно не дотягивает, хотя его биография очень даже ничего: он постоянно страдал жуткой депрессией и несколько раз лечился от душевных расстройств. Несколько его картин фигурируют в списке «100 самых дорогих картин в истории», но и только.
А вот австриец Густав Климт - это действительно величайший постимпрессионист. Он популярен не менее Ван Гога, а самая его дорогая картина была куплена за 135 млн. долларов! И что самое удивительное для великого художника 20 века - на картине изображена женщина с человеческим лицом! Все оставшееся место занимает типичная мазня, но лицо получилось реалистичным. И другие полотна Климта, где изображены люди, похожи на эту картину - такие же лица среди «постимпрессионистской» мазни.
Народ Климта тоже уважает - 3-е место среди лучших художников 20 века - впереди только Пикассо и Сезанн.
Перейдем к 20 веку. Как написала в своей «Истории живописи» Венди Бекетт, «в искусстве 20 века царят двое - Анри Матисс и Пабло Пикассо». Трудно сказать, почему именно эти двое, ведь таких мазил были сотни, но пути моды неисповедимы. Пабло, кстати, и по опросу читателей «Таймс» занял 1-ое место.
Испанец Пабло Пикассо умел рисовать, но не хотел. До уровня Да Винчи ему было далеко (кто не верит - посмотрите его раннюю картину «Мальчик с трубкой» - неплохую, но не выдающуюся), а просто хорошие картины в 20 веке уже были неактуальны. Мазня все больше входила в моду, и Пабло решил плыть по воле волн. И у него это отлично получилось!
В 1907 году он намалевал картину «Авиньонские девицы» - она стала первым произведением в жанре кубизма. Сначала художник стеснялся показывать эту мазню посторонним, что, в общем, понятно: с картины на вас смотрят пять совершенно жутких созданий и показать такую галиматью окружающим - все равно, что заявить публично: я псих! Я - полный псих! Тем ни менее Пабло рискнул выставить свой "шедевр" и не прогадал. Никто его в лечебницу не упрятал и Пикассо продолжал портить холсты. Он претворил в жизнь постулат диалектического материализма: количество перерастает в качество. В данном случае - в репутацию. Пикассо малевал около 70 лет и неудивительно, что он стал самым популярным мазилой нашего времени.
Его «Портрет Доры Маар» (куплен за 95,2 млн. долл. на аукционе в 2006г., на фото вверху), «Женщина, сидящая в саду» (49,5 млн. долл. в 1999г.), «Сон» (48,4 млн. долл. в 1997г.), «Обнаженная в черном кресле» (45,1 млн. долл. в 1999г.) - вошли в «золотой фонд» мазни 20 века.
Много было славных мазил в 20 веке - гораздо больше, чем великих художников в эпоху Возрождения, что неудивительно: ломать - не строить, портить холсты - не рисовать. Отметились на этой ниве и наши Вася Кандинский и Казимир Малевич - хоть и выдающиеся, но не великие мазилы по мировым меркам. Конечно у россиян своя особая духовность, но в мазне она не слишком проявилась. К середине 20 века тон в ней стали задавать американец Поллак и голландец де Кунинг - «абстрактные экспрессионисты».
Все в нашем мире относительно, и на фоне Поллака и его собратьев даже Моне или Гоген выглядят неплохими художниками. Искусствоведы эту высшую степень мазни назвали «абстрактным экспрессионизмом», а я бы сказал, что это совершенно маразматическая мазня! Наиболее яркими ее представителями стали не только упомянутые Виллем де Кунинг и Джексон Поллак, но и Марк Ротко - американец русского происхождения. Эти трое просто вершина мазни 20 века!
Абстрактный экспрессионист - это человек, который в принципе не занимается рисованием. Ван Гог рисовал хотя бы на уровне 5-летнего ребенка, а вот Поллак не мог достичь даже этого уровня. Процитирую «Историю живописи» Венди Беккет: «Поллак первым отказался от кисти, палитры и всех условностей сюжета. Он в экстазе плясал по расстеленным на полу холстам, полностью уходя в творчество, под полным контролем разбрызгивая и разливая краски. «Живопись, - говорил он, - живет собственной жизнью. Я стараюсь ей это позволить». Здесь даже комментировать нечего - человек был очень-очень болен. Фото его картины это подтверждает.
Марк Ротко - еще более худший художник, чем Поллак. Вы скажете, что так не может быть - ведь я только что сказал, что Поллак не умел рисовать. Может! У Поллака картины хотя бы напоминали хаотичные обои, у Ротко - это просто холсты раскрашенные разными красками - например, верх черный, а низ - серый. Или еще более «выдающееся произведение» - внизу малиновый цвет, вверху - какой-то темно-желтый, а по середине - белый.
Картина называется «Белый центр» и была куплена на аукционе «Сотбис» в 2007г. за 72,8 млн. долларов. - почти 73 миллиона за испорченный красками холст! А это между прочим 12-е место в списке самых дорогих картин в мире! А вот самая дорогая картина в мире на сегодня (2010 г.) принадлежит именно Джексону Поллаку и называется «№ 5» - продана в 2006 г. на аукционе «Сотбис» за 140 млн. долларов! Западный мир переполнен не только безумными художниками - там огромное количество безумных миллионеров. Простой народ, кстати, тоже на западе на голову не очень здоровый - в опросе газеты «Таймс» Поллак занял 7-е место среди самых популярных художников 20 века.
Его, как пишут «вечный соперник» Виллем де Кунинг в этом опросе стал 9-м. Я бы его назвал самым смешным из всех мазил. Самая дорогая картина Кунинга «Женщина № 3» (куплена в 2006г. за 137,5 млн. долл.!) у любого здорового человека вызовет приступ смеха. Еще смешнее «Женщина с велосипедом».
Думаю с женщинами у Виллема были какие-то проблемы, поэтому он им изощренно мстил.
На примере Поллака, Кунинга и Ротко мы хорошо видим, к чему пришел рынок искусств сегодня. Если бы Хрущев был жив - он бы сказал: к полной жопе!
Итак, благодаря волшебной силе Pu blic Relations мазня некоторых психически ненормальных индивидов была признана выдающимися произведениями живописи и поставлена на один уровень с полотнами великих художников Возрождения. Впервые так наглядно сила пиара проявилась именно в раскрутке мазил. До 19 века PR эффективно действовал лишь в политике (история и религия также служили политическим целям и в отрыве от политики их рассматривать нельзя). В случае же с объявлением бездарных мазил гениальными художниками мы встречаемся с явлением, когда PR проявил себя в сфере моды. И это было так эффективно и долговременно, что и сейчас, по прошествии более века с тех пор, как мазня бездарных психопатов вошла в моду, мы встречаем множество людей, которые искренне полагают, что Ван Гог - это великий художник. Еще больше миллионов знают кто такой Ван Гог. Несколько сотен богатых бездельников, не знающих куда девать деньги, скупает на аукционах модную мазню. Все остальные слышат то об одной многомиллионной покупке мазни, то о другой. Ну не могут же платить 30 миллионов долларов за откровенный кал? - так рассуждает обыватель. - Могут, еще как могут…Главное, чтобы он был модным.
Скандал в художественных кругах США! Десятки картин, которые считались вновь найденными шедеврами абстрактной живописи, оказались подделками. Что это - роковая ошибка экспертов или невероятный талант мошенников?
Или просто объективное подтверждение того, что в действительности и оригиналы этих «шедевров» - всего лишь распиаренная мазня, скопировать которую элементарно просто?
Закрытие Центра визуальной культуры при Могилянской академии не только привело к острой полемике в обществе. Но и заставило задуматься над тем, чем все то, что предлагается под видом художественных произведений, в действительности является.
Скандал в художественных кругах США! Десятки картин, которые считались вновь найденными шедеврами абстрактной живописи, оказались подделками. Что это - роковая ошибка экспертов или невероятный талант мошенников? Или просто объективное подтверждение того, что в действительности и оригиналы этих «шедевров» - всего лишь распиаренная мазня, скопировать которую элементарно просто?
Почти 17 лет назад малоизвестный арт-дилер из Лонг-Айленда (Нью-Йорк) Глафира Розалес зашла в роскошное помещение галереи Knoedler & Company"s, имея при себе картину, которую, по ее словам, написал художник Марк Ротко (ведущий представитель направлении т.н. абстрактного экспрессионизма - прим.).
Она показала небольшую доску с изображенными на ней двумя облаками темного цвета на бледно-персиковом фоне Энн Фридман, новому президенту Knoedler, старейшей в Нью-Йорке художественной галереи.
«Сразу же, с первого взгляда эта работа меня заинтересовала», - потом вспоминала госпожа Фридман. Она была настолько увлечена, что в итоге приобрела работу для себя.
В течение следующих десяти лет госпожа Розалес часто посещала особняк галереи Knoedler с его роскошно декорированным потолком, имея при себе работы известных художников-модернистов: Джексона Поллока, Виллема де Кунинга и Роберта Мазервелла.
Все они впервые появились на рынке. Все, по ее словам, принадлежали коллекционеру, которого госпожа Розалес отказалась называть.
Картины были с энтузиазмом восприняты и галереей Knoedler, и Энн Фридмен: были перепроданы как минимум двадцать работ, одна из которых ушла за 17 миллионов долларов.
.
Сегодня ряд экспертов называют эти работы фальсификацией. Одна официально получила штамп «подделка» по решению суда, по другим ведет расследование ФБР. Галерея Knoedler, после 165 лет деятельности в этом бизнесе, закрыла свои двери и судится с клиентом, который приобрел одну из картин Розалес (галерея заявляет, что закрытие было бизнес-решением, связанным с этим иском). Госпожа Фридман, которая до сих пор заявляет, что картины - настоящие, также фигурирует в этом иске.
В последние годы было немного событий, которые так потрясли арт-рынок, как эта загадочная история о том, как никому не известная арт-дилер смогла открыть потрясающее количество никому не известных сокровищ живописи, созданных титанами абстрактного экспрессионизма. Каждое из возможных объяснений несет на себе бремя неправдоподобности.
Если картины настоящие, то почему краска на некоторых из них содержит пигменты, которые еще не изобрели во время их создания?
Если они поддельные, то кто эти сверхъестественно талантливые фальсификаторы, которые смогли ввести в заблуждение экспертов?
И если картины настоящие, но украденные, почему их владельцы не заявили об этом после того, как эта история стала публичной?
К сожалению, единственный человек, который мог бы раскрыть эту загадку, госпожа Розалес, отказывается говорить, по крайней мере, публично. Впрочем, несколько деталей «просочились» из судебных документов и интервью с другими участниками этого дела. И их достаточно, чтобы описать то, что произошло.
55-летняя дама Розалес, харизматичная и образованная женщина мексиканского происхождения, и ее муж, Хозе Карлос Бергантинос Диас, родом из Испании, в свое время руководили небольшой галереей King Fine Arts, расположенной на Манхэттене на 19 Вест Стрит. Пара, у которой были счета на ведущих аукционах Сотбис и Кристис, заявила в судебных показаниях, что имела в собственности или продавала картины, написанные известными художниками, включая Энди Уорхолом, которого мистер Бергантинос описал как своего друга.
Исходя из этих данных, выглядит странным, что госпожа Розалес связалась с посредниками вроде галереи Knoedler, чьи комиссионные «откусывали кусок» в ее собственных комиссионных. Частично ответ на это может заключаться в той дистанции между статусами, которые занимали в мире искусства Розалес и Фридман.
Высокая, очень худая и очень уверенная в себе, госпожа Фридман руководила одной из самых уважаемых в США галерей. Она встречалась на завтраках с коллекционерами высшего эшелона, покупателями, которые, не моргнув глазом, выкладывали несколько миллионов за полотно. Она и ее муж, бизнесмен в области недвижимости Роберт Фридман, и сами были коллекционерами.
Двух женщин познакомила сотрудница галереи Джейм Эндрейд, которая пересеклась с госпожой Розалес на коктейль-парти. Как говорит Энн Фридман, сначала Розалес сказала ей только то, что она представляет интересы своего друга, который имеет недвижимость в Мексико-сити и Цюрихе, и чье имя она обязалась держать в тайне. Это никого не удивило, пояснила Фридман, частные коллекционеры часто предпочитают оставаться анонимными. Впрочем, со временем появилось больше деталей о владельце. Розалес сообщила ей, что она унаследовала живопись от отца, который собрал картины с помощью Дэвида Херберта, дилера из Нью-Йорка, который умер в 1995 году.
Херберт якобы планировал создать на основе этих работ новую галерею, которую финансировал бы владелец коллекции. Но двое учредителей разбежались, и, в конце-концов, произведения живописи оказались в подвале коллекционера, где сохранялись вплоть до его смерти.
Госпожа Розалес действительно имеет портрет Херберта работы Эллсворт Келли, который недавно был частью выставки в Бруклинском музее. А вот чего она не имеет, так это каких-либо записей, удостоверяющих принадлежность двух с лишним десятков картин в стиле модернизма, которые она представила на рынке.
Продажа работ известного художника без документов, подтверждающих происхождение, - это редкая ситуация. Имея дело с картинами, на которые не было документов, и которые, теоретически, как сказал один адвокат, могли быть намалеваны «в гараже госпожи Розалес», Энн Фридман, по ее словам, сосредоточилась на том, что действительно имело значение, - на качестве работ как таковых.
А они были чрезвычайными, - сообщила Фридман. Она пригласила нескольких экспертов проверить ее собственные впечатления от полотен Ротко, Поллока, Барнетта Ньюмана, Клиффорда Стиллса и других, - полотен, предоставленных дилером Розалес. Клод Чернуши, который является автором книги о Поллоке, подтвердил подлинность маленькой картины «Без названия, 1950», подписанной «Дж. Поллок». Национальная галерея искусств, где собрана мощная коллекция работ Ротко, выполненных на бумаге, сообщила, что две картины Ротко были настоящими.
До 2000 года госпожа Фридман сама приобрела три предложенные Розалес картины: Ротко с их первой встречи, «Без названия 1959» за 200 тысяч долларов, Поллока за 300 тысяч и Мазервелла за 20 тысяч. «Если Энн Фридман имел какие-то сомнения относительно этих работ, она и ее муж не инвестировали бы в них сотни тысяч долларов», - заявил по этому пприводу ее адвокат.
Тучи начали сгущаться в 2003 году, когда топ-менеджер инвестиционного банка Goldman Sachs захотел подтвердить подлинность полотна (якобы) Поллока «Без названия, 1949», которое он приобрел в галерее Knoedler. Он отдал Кортина в Международный фонд художественных исследований, независимую некоммерческую организацию. И после проведенного анализа анонимная комиссия отказалась подтвердить подлинность картины, поставив под вопрос ее стилистику и происхождение.
Покупатель потребовал вернуть деньги. Госпожа Фридман без всякой задержки отдала ему два миллиона долларов и приобрела полотно, покрытое белыми, черными и красными пятнами, сама - в партнерстве с галереей и приятелем, канадским театральным импресарио Дэвидом Мирвишем. Господин Мирвиш, сам бывший арт-дилер, сообщил, что его не волнуют анонимные оценки (он и Knoedler также вложили средства в две другие работы Поллока, которые предоставила Розалес).
Но оценки были получены также из других источников. Мирвиш в 2006 году привел в галерею художника Франка Стеллу, который был современником абстрактных экспрессионистов. Осмотрев несколько полотен, которые происходили от Розалес, Стелла заявил: «Каждая из них слишком хороша, чтобы быть настоящей, но когда видишь их в общем контексте, как группу, то понимаешь, что они настоящие», - по крайней мере, так об этом разговоре свидетельствовала в суде Энн Фридман.
Наиболее впечатляет то, что картины «от Розалес» получили подтверждение на рынке. Госпожа Фридман удостоверила, что она вообще продала 15 или 16 работ через галерею Knoedler на общую сумму от 27 до 37 миллионов долларов.
Самой дорогой была картина «Без названия 1950», якобы авторства Поллока, которую через посредника приобрел в 2007 году директор лондонского хедж-фонда по имени Пьер Лагранж. Галерея вместе с господином Мирвишем за несколько лет до того приобрела полотно с изображенной на нем неразберихой черных, красных и белых линий на ярко-серебряном фоне за 2 миллиона долларов. Лагранж заплатил 17 миллионов.
А это - подлинный Поллок. И как только специалисты не заметили сразу, насколько эти наляпанные на полотне линии превосходят линии, наляпанные на фальсифицированном полотне?
Через несколько дней после сделки с Лагранжем госпожа Фридман пригласила в галерею Knoedler нескольких сотрудников некоммерческой Фонда Дедала, который создал Роберт Мазервелл с целью защиты художественного наследия модерна. Она хотела, чтобы они увидели ее последнего Мазервелла.
Это была седьмая картина, которую в течение восьми лет арт-дилер Розалес продала или Фридман, или иному дилеру из Нью-Йорка, Джулиану Вейсману. Картина с большими черными штрихами и пятнами, разбросанными по полотну, похоже, принадлежала к выдающейся серии Мазервелла, известной как «Испанские элегии». Сотрудники фонда уже видели несколько этих новых «элегий» и признали их подлинными.
Но через несколько недель после визита в галерею Knoedler, во время собрания комитета фонда некоторые из его членов начали задаваться вопросом подлинности подписей и стиля недавно обнаруженных «элегий». Президент фонда Джек Флем заявил, что вскоре узнал о том, что и другие работы «от Розалес», которые приписывали Поллоку и Ричарду Дибенкорну, были восприняты с скептицизмом.
Не все в фонде решили, что нужно поднимать тревогу. Джоан Банах, личный ассистент Мазервелла и ветеран-сотрудник фонда, заявила, что Флем сделал неквалифицированные утверждение о подлинности картин и тем самым нарушил процедуры оценки картин, которые применяет фонд. Она впоследствии подала в суд на фонд, заявив, что ее уволили из-за критики в адрес господина Флема (фонд это отрицает).
«Скорее да, чем нет, - так в документах суда госпожа Банах оценила подлинность картин Мазервелла, которые галерея Knoedler приобрела через Розалес.
Зато председатель фонда Джек Флем твердо решил доказать, что эти картины были подделаны. Он нанял частного детектива, чтобы тот расследовал деятельность Розалес и ее мужа, и настоял на серии криминалистических экспертиз.
Прохладным январским вечеров 2009 года Флем и Фридман встретились, чтобы обсудить результаты. Они сели не в том зале, где висели две «элегии», одна из которых принадлежала госпожа Фридман. Специалист-криминалист пришел к выводу, что обе содержали пигменты, которые были изобретены через десять лет после 1953 и 1955 - дат, указанных на полотнах.
Энн Фридман не согласилась с этими выводами. Художникам часто давали новые пигменты для экспериментов, еще до того, как они были запатентованы и выведены на рынок. Но Фонд Дедал стояла на своем: арт-дилер Розалес, как впоследствии было подтверждено в документах суда, была «ключевым лицом, которое вывело на рынок серию из семи поддельных «испанских элегий».
Спор вокруг картин Мазервелла скоро дошел до ФБР, которое начало следствие. Адвокат Розалес признал, что его клиентка находится под следствием, и добавил, что она «никогда сознательно не продавала живописные работы, зная, что они являются поддельными».
Энн Фридман получила ордер от ФБР в сентябре 2009 года, хотя ее адвокат и заявляет, что в ФБР не считают ее личность объектом расследования. В следующем месяце она ушла из галереи. И Фридман, и галерея утверждают, что расследование не имело никакой связи с ее увольнением, которое было связано с нежеланием Фридман слить галерею Knoedler с другой галереей.
Впрочем, отстраниться от проблем с картинами Розалес было значительно сложнее. В прошлом году одна из «элегий» стала основанием для судебного иска со стороны ирландской галереи, купившей эту картину и после скандала потребовавшей вернуть ей 650 тысяч долларов.
Фонд Дедала был втянут в этот иск, потому что после криминалистических проверок именно он объявил все «элегии», полученные через Розалес, подделкой. Включая те, которые он же ранее неформально признал подлинными - а среди них была и та картина, которую продали ирландцам.
Иск закрыли в октябре. Розалес согласилась выплатить большую часть стоимости картины и судебные издержки, а сама картина, по требованию Фонда Дедала, была проштампована на обороте штампом с надписью «Подделка», нанесенным чернилами, которое нельзя удалить. Дедал однажды объявил картину настоящей, а в другой раз - что она поддельная. Несмотря на это, другая сторона через своих адвокатов до сих пор утверждает, что картина подлинная.
Через несколько недель уже другая картина стала причиной спора. Пьер Лагранж разводился с женой, и они хотели продать «Без названия, 1950». Но аукционы Сотбис и Кристис отказались иметь с этой картиной дело из-за сомнительности ее происхождения и отсутствия ее в полном каталоге работ Поллока. Лагранж поставил перед галереей Knoedler требование забрать картину назад, и заказал собственное криминалистическое исследование полотна.
29 ноября поступили результаты анализа: два желтых пигмента, использованные в картине, не были изобретены до смерти Поллока в 1956 году. Заключение направили галерее Knoedler. На следующий день она объявила о своем закрытии.
В декабре Розалес и Фридман снова встретились - однако на этот раз встреча проходила в федеральном районном суде Манхэттена, куда их вызвали по иску господина Лагранжа. Он хотел обратно свои 17 миллионов.
На обороте этой картины Мазервелла теперь навечно проставлен штамп «подделка». При этом тот же художественный фонд, который настоял на появлении этого клейма, перед этим подтвердил подлинность картины. Фото: Robert Caplin for The New York Times
Две женщины коротко поздоровались, после чего Розалес обратилась к пятой поправке к конституции США, которая предоставляет гражданину право не свидетельствовать против себя. С тех пор они не общались, по утверждению их адвокатов.
Сейчас нельзя утверждать, сможет суд или уголовное расследование дать убедительный ответ о загадке этих работ.
Подлинность трудно подтвердить. Датировка пигментов обычно считают надежным методом, но это не обязательно будет решающим аргументом. Например, гендиректор компании Golden Artist Colors Марк Голден, чей отец Сэм создал экспериментальные краски для художников вроде Поллока, заявил о своей уверенность в том, что его отец никогда не делал желтых пигментов, как на сомнительной картине. Однако он отметил, что отдельные составляющие этих пигментов действительно существовали в конце 1940-х годов.
В уголовных делах планка стоит еще выше. Сторона обвинения должна доказать, что работы Розалес являются поддельными, - и это тогда, когда по этому поводу не имеют согласия даже эксперты. И если они все-таки поддельные, власть должна доказать, что госпожа Розалес участвовала в мошенничестве, а не была так же введена в заблуждение.
А между тем картина в эпицентре гражданского иска - «Без названия 1950», больше не занимает почетное место на стене в гостиной мистера Лагранжа. Доска размером 15 на 28 дюймов превратилась в сироту в мире искусства и находится в некоем арт-аду. И ждет, когда ее или вознесут до небес как шедевр, или будут шельмовать как подделку.
Патриция Коэн, «Нью-Йорк Таймс»
Перевод с оригинала на украинский: ТЕКСТЫ , оригинал «Suitable for Suing» By PATRICIA COHEN Published: February 22, 2012