Миллионы долларов за российское и советское искусство. Отечественные художники не раз били рекорды на международных аукционах. Есть и некоторые закономерности: практически все они эмигранты и для всех так или иначе актуальна тема советского прошлого – спустя десятки лет на Западе оно оказалось в цене. Самые дорогие современные художники – в топ-5 от телеканала «МИР».
На пятом месте рейтинга художник Гриша Брускин. Мировая слава пришла к нему в 1988-м – тогда на российском аукционе «Сотбис» работу Брускина «Фундаментальный лексикон» продали за рекордную сумму – 300 тысяч долларов. Это превысило эстимейт, то есть начальную цену, в 12 раз. В 1999 году по приглашению немецкого правительства Брускин создал триптих «Жизнь превыше всего» для Рейхстага в Берлине. Сейчас 72-летний художник живет и работает в Нью-Йорке и Москве, а его произведения хранятся в главных музеях мира.
На четвертом месте нашего рейтинга – Семен Файбисович. В течение 30 лет его работы регулярно выставляются в Западной Европе и Соединенных Штатах. Файбисович – художник-фотореалист. За самую дорогую его работу «Солдаты» на аукционе отдали 400 тысяч долларов. Несмотря на то, что последние годы художник живет в Тель-Авиве, все творчество он посвятил Москве. В своих фоторепортажах он рассказывает о ежедневной жизни столицы. На его картинах – улицы, кафе и вокзалы. Работы Файбисовича находятся в собрании Третьяковской галереи, в музеях Германии, Польши и США.
На третьем месте – дуэт Василий Комар и Александр Меламид. В своих работах они соединили принципы американского поп-арта и пародийно переосмысленные черты соцреализма. В качестве арт-проекта организовывали так называемую «продажу душ» известных художников. Самая дорогая работа «Встреча Солженицына и Бёлля на даче у Ростроповича», ее стоимость 860 тысяч долларов. Комар и Меламид уже больше 40 лет живут в Нью-Йорке, их работы находятся в собраниях МоММа, Музея Гуггенхайма, Метрополитен-музея и Лувра.
На второй строчке рейтинга – еще один представитель «соцарта», художник Эрик Булатов. Он начинал как иллюстратор детских книг, позже стал сочетать в своих работах предметную живопись с текстом. С 1992 года Булатов живет в Париже, он стал первым российским художником, выставка которого прошла в Центре Помпиду. Его работы также хранятся в Третьяковской галерее, Русском музее и музее Людвига в Кёльне. Самая дорогая работа «Слава КПСС» была продана за 2 миллиона долларов. Купил ее Роман Абрамович.
На первом месте нашего рейтинга – российский художник . В 2008 году на аукционе в Лондоне его работу «Жук» продали за 5 миллионов 800 тысяч долларов. Чуть дешевле ушел «Номер люкс» – за 4 миллиона 100 тысяч долларов. Обе картины считаются самыми дорогими российского искусства. Илья Кабаков – основатель московского концептуализма, с 1988 года он работает в Нью-Йорке в соавторстве со своей женой Эмилией Кабаковой. Именно она в определенный момент настояла на том, что цены на работы супруга надо повысить. Расчет оправдался, теперь Кабаковы – самые дорогие российские авторы.
Рейтинг аукционных результатов произведений русского искусства
- К участию принимались только публичные аукционные результаты.
- Принадлежность к русским художникам определялась по месту рождения. Родился в Российской империи или в СССР - значит, русский художник, без оглядок на этническое происхождение и скидок на то, как в дальнейшем сложилась судьба. К примеру, тот факт, что у Кандинского в разные годы были гражданства и русское, и немецкое, а умер он с французским, не является основанием усомниться, что художник русский.
- Правило: один художник - одна картина. То есть ситуация, когда, строго говоря, все первые места пришлось бы отвести работам Марка Ротко , разрешается так: оставляем только самую дорогую работу, а все остальные результаты для картин этого художника игнорируем.
За основу рейтинга взяты результаты с учетом премии покупателя (Buyers Premium), выраженные в долларах (цифры, показанные на европейских аукционах, т. е. в фунтах или евро, конвертированы в доллары по курсу на день торгов). Поэтому в рейтинг не попали ни «Испанка» Гончаровой, проданная 2 февраля 2010 года за £6,43 млн, ни картина «Вид Константинополя и пролива Босфор» Айвазовского, за которую 24 апреля 2012-го заплатили £3,23 млн. Да, в валюте сделки, т.е. в фунтах, они дороже картин, занявших место в рейтинге, а вот с курсом доллара им не повезло.
1. $86,88 млн. Марк Ротко. Оранжевое, красное, желтое (1961)
Один из самых загадочных художников современности. Его жизненный путь словно соткан из противоречий - в творческих поисках, в поступках, в жестах… Считающийся одним из идеологов и, безусловно, ключевой фигурой в американском абстрактном экспрессионизме, Ротко не выносил, когда его работы называли абстрактными. В прошлом хорошо знавший, что такое жизнь впроголодь, он однажды демонстративно вернул заказчикам совершенно фантастический в пересчете на нынешние деньги аванс, оставив себе почти полностью законченную работу. Ждавший своего успеха и возможности зарабатывать на жизнь живописью почти пятьдесят лет, он не раз отказывал людям, способным при желании разрушить его карьеру. Как минимум социалист в душе, разделявший идеи Маркса, неприязненно относившийся к богачам и богатству, Ротко стал в итоге автором самых дорогих картин в мире, которые фактически превратились в атрибут высокого статуса своих владельцев. (Шутка ли, рекордный «Белый центр», проданный, за $65 млн, происходил из семьи Рокфеллеров.) Мечтавший о признании массовым зрителем, стал в итоге создателем картин, по-настоящему понятных до сих пор лишь кругу интеллектуалов и ценителей. Наконец, художник, искавший разговора с господом через музыку своих холстов, художник, чьи работы стали центральным элементом оформления церкви всех религий , закончил жизненный путь совершенно отчаянным богоборческим актом…
Ротко, помнивший черту оседлости и казаков, возможно, удивился бы, что им гордятся еще и как русским художникам. Впрочем, антисемитизма хватало и в Америке 1930-х - не случайно художник «урезал» родовую фамилию Роткович. Но мы называем его русским не без оснований. Для начала - по факту рождения. Латвийский Двинск, нынешний Даугавпилс, на момент рождения Маркуса Ротковича - это часть России и будет оставаться таковой вплоть до распада империи, до 1918 года. Правда, революции Ротко уже не увидит. В 1913 году мальчика увозят в США, семья переезжает в Портленд, штат Орегон. То есть детство и отрочество прошли в России, здесь формировалось жизненное восприятие, кругозор. Кроме того что здесь он появился на свет, с Россией Ротко связывают, заметим, и мировоззренческие темы, и конфликты. Известно, что он ценил труды Достоевского. И даже пороки, которым Ротко предавался, в мире ассоциируются почему-то именно с русскими. Депрессию на Западе называют почему-то «русской болезнью». Что не аргумент, конечно, но еще один штрих к цельности натуры русского художника.
К новаторским открытиям в живописи Ротко шел долгих 15 лет. Прошедший через многие фигуративные увлечения, в том числе сюрреализм и фигуративный экспрессионизм, в середине 1940-х он предельно упростил структуру своих картин, ограничив выразительные средства несколькими красочными блоками, образующими композицию. Интеллектуальная основа его работ - это почти всегда вопрос трактовки. Ротко обычно не давал прямых ответов, рассчитывая на соучастие зрителя в осмыслении работы. Единственное, на что он определенно рассчитывал, - на эмоциональную работу зрителя. Его картины не для отдыха, не для релаксации и не для «визуального массажа». Они рассчитаны на сопереживание. Одни видят в них окна, позволяющие заглянуть в душу зрителя, другие - двери в иной мир. Есть мнение (возможно, наиболее близкое к истине), что его цветовые поля - это метафорические изображения бога.
Декоративная сила «цветовых полей» объясняется рядом специальных технических приемов, используемых Ротко. Его картины не терпят массивных рам - максимум тоненькие плашки-кромки в цвет холста. Края картин художник намеренно тонировал в градиент так, чтобы живописное поле теряло границы. Нечеткие границы внутренних квадратов - это тоже прием, способ без контраста создавать эффект дрожания, кажущегося взаимного наложения цветовых блоков, пульсации пятен, словно мерцания света электрических ламп. Это мягкое растворение цвета в цвете особенно удавалось маслом, до перехода Ротко на непрозрачный акрил в конце шестидесятых. И найденный эффект электрической пульсации усиливается, если смотреть картины с близкого расстояния. По замыслу художника трехметровые холсты зрителю оптимально смотреть с расстояния не более полуметра.
Сегодня картины Ротко - гордость любого известного музея современного искусства. Так, в английской галерее Тейт есть зал Ротко, в котором живут девять картин из тех, что были написаны по контракту с рестораном Four Seasons. C этим проектом связана довольно показательная для характера Ротко история. В 1959 году к художнику по рекомендации обратились владельцы фешенебельного ресторана «Времена года», открывшегося в необычном нью-йоркском небоскребе Seagram Building (по названию компании - производителя алкоголя). Сумма контракта в пересчете на нынешние деньги составляла почти $3 млн - весьма значительный гонорар даже для состоявшегося, признанного художника, каким в то время уже был Ротко. Тем не менее, когда работа была почти закончена, Ротко неожиданно вернул аванс и отказался передавать ее заказчику. Среди основных причин внезапного поступка биографы рассматривали нежелание угождать правящему классу и развлекать богачей за ужином. Есть также мнение, что Ротко расстроился, узнав, что его картин не увидят рядовые служащие, работающие в здании. Впрочем, последняя версия выглядит слишком уж романтично.
Спустя почти 10 лет часть холстов, подготовленных для Four Seasons, Ротко передал в дар лондонской Tate Gallery. По горькой иронии судьбы 25 февраля 1970 года, в тот день, когда ящики с картинами достигли английского порта, художник был найден в своей студии мертвым - с перерезанными венами и (видимо, для гарантии) огромной дозой снотворного в желудке.
Сегодня творчество Ротко переживает очередную волну искреннего интереса. Проходят семинары, открываются выставки, издаются монографии. На берегу Даугавы, на родине художника, установлен памятник.
Работы Ротко на рынке не являются исключительно редкими (как, например, живопись Малевича). Ежегодно на аукционах одних только его картин, не считая графики, выставляется примерно 10–15 штук. То есть не дефицит, однако за них платят миллионы и десятки миллионов долларов. И такие цены вряд ли случайны. Скорее это дань его новаторству, желание открыть новые смысловые слои и приобщиться к творческому феномену одного из самых загадочных русских художников.
8 мая 2012 на торгах послевоенным и современным искусством Christie’s полотно «Оранжевое, красное, желтое» 1961 года ушло за $86,88 млн с учетом комиссии. Произведение происходит из собрания пенсильванского мецената Давида Пинкуса. Работу размером 2,4 × 2,1 метра Давид и его супруга Герри купили в Marlborough Gallery, а затем надолго отдали ее в аренду Филадельфийскому художественному музею. Картина «Оранжевое, красное, желтое» стала не только самой дорогой работой художника русского происхождения, но и самым дорогим произведением послевоенного и современного искусства, проданным на открытых торгах.
2. $60,00 млн. Казимир Малевич. Супрематическая композиция (1916)
За свою долгую жизнь сначала вместе с Робером, а после его смерти в 1941 в одиночку Соня сумела опробовать множество жанров в искусстве. Она занималась живописью, книжной иллюстрацией, театральными эскизами (в частности, оформляла декорации дягилевского балета «Клеопатра»), дизайном одежды, интерьера, узоров на текстиле и даже тюнингом автомобилей.
Ранние портреты и абстракции Сони Делоне 1900–10-х годов, а также работы серии «Цветовые ритмы» 1950–60-х пользуются большой популярностью на международных и национальных французских аукционах. Их цены нередко доходят до нескольких сотен тысяч долларов. Главный рекорд художницы был установлен больше 10 лет назад - 14 июня 2002 года на парижских торгах Calmels Cohen Paris. Тогда за €4,6 млн была продана абстрактная работа «Рынок в Миньо», написанная в 1915 году, в период жизни четы Делоне в Испании (1914–1920).
32. $4,30 млн. Михаил Нестеров. Видение отроку Варфоломею (1922)
Если оценивать наших художников по своеобразной шкале «русскости», то Михаила Васильевича Нестерова (1862–1942) смело можно ставить где-то в начале списка. Его картины с изображением святых, иноков, монахинь в лирическом «нестеровском» пейзаже, полностью созвучном с высокодуховным настроением героев, стали уникальным явлением в истории отечественного искусства. В своих полотнах Нестеров рассказывал о Святой Руси, о ее особом духовном пути. Художник, по собственному выражению, «избегал изображать сильные страсти, предпочитая им скромный пейзаж, человека, живущего внутренней духовной жизнью в объятиях нашей матушки-природы». А по оценке Александра Бенуа , Нестеров, наряду с Суриковым , был единственным русским художником, хоть отчасти приблизившимся к высоким божественным словам «Идиота» и «Карамазовых».
Особый стиль и религиозность живописи Нестерова сложились из множества факторов. Повлияло и воспитание в патриархальной, набожной купеческой семье в городе Уфе с ее типично русскими пейзажами, и годы обучения у передвижников Перова , Саврасова и Прянишникова в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (от них он перенял идею искусства, трогающего ум и сердце) и у Павла Чистякова в Академии художеств (здесь он взял технику академического рисунка), и поездки за вдохновением в Европу, и глубокая личная драма (смерть горячо любимой жены Марии через день после рождения их дочери Ольги).
В итоге к концу 1880-х - началу 1890-х Нестеров уже нащупал свою тему, и как раз в это время он написал «Видение отроку Варфоломею» (1889–1890). Сюжет картины взят из Жития преподобного Сергия. Отрок Варфоломей (будущий Сергий Радонежский) встретил ангела в облике инока и получил от него Божье благословение на то, чтобы уразуметь Святое Писание и превзойти своих братьев и сверстников. Картина проникнута ощущением чудесного - оно не только и не столько в фигурах Варфоломея и Святого старца, но и в окружающем пейзаже, по-особенному праздничном и одухотворенном.
На склоне лет художник не раз называл «Варфоломея» главным своим произведением: «…если через тридцать, через пятьдесят лет после моей смерти он ещё будет что-то говорить людям - значит, он живой, значит, жив и я». Картина стала сенсацией XVIII выставки передвижников и вмиг сделала известным молодого уфимского художника (Нестерову тогда не исполнилось и тридцати). «Видение…» приобрел в свою коллекцию П. М. Третьяков, несмотря на попытки его отговорить со стороны, по выражению Нестерова, «правоверных передвижников», верно заметивших в работе подрыв «рационалистических» устоев движения. Однако художник уже взял свой собственный курс в искусстве, в итоге и сделавший ему славу.
С приходом советской власти для Нестерова с его религиозной живописью настали не лучшие времена. Художник перешел на портреты (благо имел возможность писать только глубоко симпатичных ему людей), а о прежних сюжетах не смел и думать. Однако, когда в начале 1920-х прошел слух о подготовке большой выставки русского искусства в Америке, Нестеров быстро решился участвовать в надежде на новую аудиторию. Им были написаны для выставки несколько работ, в том числе и авторское повторение «Видения отроку Варфоломею» (1922), в американской прессе названное «Видение святому Сергию в отрочестве». Новая версия меньше форматом (91 × 109) по сравнению с третьяковской (160 × 211), на небе появилась луна, краски пейзажа несколько более темные, а в лице отрока Варфоломея больше серьезности. Нестеров как бы подводит этой картиной итог большим переменам, произошедшим со времен написания первого «Видения…».
Картины Нестерова были среди немногих на выставке русского искусства в Нью-Йорке в 1924 году, которые были куплены. «Видение отроку Варфоломею» попало в коллекцию известных коллекционеров и покровителей Николая Рериха - Луиса и Нетти Хорш. С тех пор вплоть до 2007 года работа передавалась в этой семье по наследству. И наконец, 17 апреля 2007 года на русских торгах Sotheby’s полотно было выставлено с эстимейтом $2–3 млн и с легкостью его превысило. Итоговая цена молотка, ставшая рекордной для Нестерова, составила $4,30 млн. С этим результатом он и вошел в наш рейтинг.
33. $4,05 млн. Вера Рохлина. Картежники (1919)
Вера Николаевна Рохлина (Шлезингер) - еще одна замечательная художница русской эмиграции, попавшая в наш рейтинг наряду с Наталией Гончаровой, Тамарой Лемпицкой и Соней Делоне. Сведения о жизни художницы очень скудны, ее биография еще точно ждет своего исследователя. Известно, что родилась Вера Шлезингер в 1896 году в Москве в семье русского и француженки из Бургундии. Училась в Москве у Ильи Машкова и была чуть ли не любимой его ученицей, а после брала уроки в Киеве у Александры Экстер. В 1918 году вышла замуж за адвоката С. З. Рохлина и уехала с ним в Тифлис. Оттуда в начале 1920-х чета переехала во Францию, где Вера начала активно выставляться на «Осеннем салоне», «Салоне Независимых» и «Салоне Тюильри». В живописной манере сначала следовала идеям кубизма и постимпрессионизма, но к началу 1930-х уже выработала собственную манеру, которую один французский журнал назвал «художественным равновесием между Курбе и Ренуаром». В те годы Вера жила уже отдельно от мужа, на Монпарнасе, имела среди поклонников кутюрье Поля Пуаре, главной темой в живописи избрала женские портреты и ню, чему, возможно, способствовало ее знакомство с Зинаидой Серебряковой (сохранился даже портрет обнаженной Серебряковой кисти Рохлиной), а в парижских галереях проходили персональные выставки художницы. Но в апреле 1934 года 38-летняя Вера Рохлина покончила с собой. Что заставило женщину в расцвете лет, уже много чего добившуюся на творческом поприще, свести счеты с жизнью, остается загадкой. Ее преждевременную смерть называли крупнейшей потерей на арт-сцене Парижа в те годы.
Наследие Рохлиной находится преимущественно за рубежом, где Вера провела последние 13 лет жизни и где в полной мере раскрылся ее талант. В 1990-х - начале 2000-х французские музеи и галереи начали проводить персональные выставки Рохлиной и включать ее работы в групповые выставки художников Парижской школы. О ней узнали коллекционеры, ее работы стали продаваться на аукционах, причем довольно хорошо. Пик продаж и цен пришелся на 2007–2008 годы, когда около сотни тысяч долларов за хорошего формата живопись Рохлиной стали обычным явлением. И вот 24 июня 2008 года на вечерних торгах импрессионистов и модернистов Christie’s в Лондоне кубистическая картина Веры Рохлиной «Картежники», написанная до эмиграции, в 1919 году, неожиданно была продана в 8 раз дороже эстимейта - за £2,057 млн ($4,05 млн) при оценке £250–350 тыс.
34. $4,02 млн. Михаил Клодт. Ночь в Нормандии (1861)
35. $3,97 млн. Павел Кузнецов. Восточный город. Бухара (1912)
Для Павла Варфоломеевича Кузнецова (1878–1968), сына иконописца из города Саратова, выпускника Московского училища живописи, ваяния и зодчества (где он учился у Архипова , Серова и Коровина), одного из организаторов объединения «Голубая роза» , одной из главных и, определенно, самой признанной у публики темой творчества стал Восток. Когда первый символистский период 1900-х годов у Павла Кузнецова с полуфантастическими изображениями «Фонтанов», «Пробуждений» и «Рождений» исчерпал себя, художник отправился за вдохновением на Восток. Он вспомнил, как в детстве гостил у деда в заволжских степях и наблюдал за бытом кочевников. «Вдруг вспомнил про степи и поехал к киргизам», - писал Кузнецов. С 1909 по 1914 год Кузнецов проводил в киргизских степях, у кочевников, по несколько месяцев, проникаясь их образом жизни и принимая их своей родственной, «скифской» душой. В 1912–1913 годах художник проехал по городам Средней Азии, пожил в Бухаре, Самарканде, предгорьях Памира. В 1920-е исследование Востока продолжилось уже в Закавказье и Крыму.
Итогом этих восточных путешествий стали серии потрясающих картин, в которых чувствуется и «голуборозовская» любовь к синей гамме, и символика близких художнику с детства икон и храмовых фресок, и воспринятый опыт таких художников, как Гоген, Андре Дерен и Жорж Брак, ну и, конечно, вся магия Востока. Восточные картины Кузнецова были тепло приняты не только в России, но и на выставках в Париже и Нью-Йорке.
Крупной творческой удачей стал написанный в Бухаре в 1912 году цикл картин «Восточный город». Одно из самых масштабных полотен в серии «Восточный город. Бухара» в июне 2014 года попало на торги MacDougall’s с эстимейтом £1,9–3 млн. Работа с безупречным провенансом и выставочной историей: была куплена напрямую у художника; не меняла места бытования с середины 1950-х; участвовала в выставках «Мира искусства», выставке советского искусства в Японии, а также во всех основных прижизненных и посмертных ретроспективах художника. В итоге за полотно заплатили рекордные для Кузнецова £2,37 млн ($3,97 млн).
36. $3,82 млн. Александр Дейнека. Герои первой пятилетки (1936)
37. $3,72 млн. Борис Григорьев. Пастух с холмов (1920)
Борис Дмитриевич Григорьев (1886–1939) эмигрировал из России в 1919 году. За рубежом он стал одним из самых известных русских художников, но при этом на родине его забыли на долгие десятилетия, и первые его выставки в СССР состоялись только в конце 1980-х. Зато сегодня это один из самых востребованных и высоко оцененных авторов на рынке русского искусства, его работы, как живописные, так и графические, продаются за сотни тысяч и миллионы долларов.
Художник был чрезвычайно работоспособен, в 1926 году он писал поэту Каменскому: «Сейчас я первый мастер на свете. <…> Я не извиняюсь за эти фразы. Надо знать самому, кто ты, иначе не будешь знать, что и делать. Да и жизнь моя святая от труда сверх и чувства сверх, и 40 лет моих это доказывают. Я не боюсь любого конкурса, любого заказа, любой темы, любой величины и любой скорости».
Вероятно, наиболее известны его циклы «Расея» и «Лики России» - очень близкие по духу и отличающиеся лишь тем, что первый был создан до эмиграции, а второй уже в Париже. В этих циклах перед нами предстает галерея типажей («ликов») русского крестьянства: угрюмо глядят прямо на зрителя старики, бабы, дети, они притягивают взгляд и одновременно отталкивают его. Григорьев отнюдь не склонен был идеализировать или приукрашивать тех, кого он писал, напротив, иногда он доводит образы до гротеска. В числе «ликов», написанных уже в эмиграции, к крестьянским портретам прибавляются портреты современников Григорьева - поэтов, актеров Художественного театра, а также автопортреты. Образ крестьянской «Расеи» расширился до обобщающего образа покинутой, но не забытой Родины.
Один из таких портретов - поэта Николая Клюева в образе пастуха - стал самой дорогой картиной Бориса Григорьева. На торгах Sotheby’s 3 ноября 2008 года работа «Пастух с холмов» 1920 года была продана за $3,72 млн при эстимейте $2,5–3,5 млн. Портрет является авторской копией с утерянного портрета 1918 года.
Редакция сайт
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов сайт, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. сайт не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
Полотна кисти русских художников прошлых столетий, как пейзажистов, так и портретистов, очень часто выставляют на аукционах и интерес к ним постоянно растет. Эти картины сильно отличаются от работ неадекватных художников современности, работы которых Вы можете наблюдать в этой статье . Борьба за работы настоящих мастеров идет нешуточная, покупают их за миллионы! В наш рейтинг самых дорогих известных картин русских художников вошли как раз те произведения, которые были проданы на аукционах.
$10,84 млн. Николай Фешин. Маленький ковбой
Знаменитый великий мастер портрета Николай Фешин окончил Академию художеств в мастерской Ильи Репина, однако почти всю жизнь прожил в Америке. Полотна русского художника находятся в 30 музеях мира. В нашей стране ознакомиться с работами мастера можно в Музее Академии художеств.
Данную картину под названием «Маленький ковбой» приобрел в 2010 году российский коллекционер за $10,84 миллионов на аукционе «MacDougall’s». Примечательно, что стартовая цена портрета составляла 700 тысяч фунтов стерлингов.
А вообще, хорошие работы с портретами детей всегда были очень популярны.
$10,88 млн. Наталия Гончарова. Цветы
Наталию Гончарову называют «амазонкой авангарда», новатором живописи. Она была прекрасным декоратором и графиком.
Ее работа «Цветы» была продана на аукционе Christie’s в 2008 году за $10,88 млн. Картина написана художницей в особый период ее творчества. Произведение живописи гармонично сочетает в себе лучизм, футуризм, элементы русского народного творчества и иконописи.
Полотно выставлялось на парижской выставке в галерее Поля Гийома в 1914 году.
$12,09 млн. Николай Рерих. Мадонна Лаборис (Труды Богоматери)
Картина Николая Рериха «Труды Богоматери» была продана на торгах «Bonhams» в 2013 году за 12 млн долларов. Это одно из полотен триптиха, который включает в себя еще два произведения: «Богоматерь Орифламма» и «Богоматерь Защитница».
Мини-копии картин есть в музеях Риги и Нью-Йорка. Этот шедевр живописи попал на аукцион прямо из коллекции Ордена Розекрейцеров.
$14,51 млн. Валентин Серов. Портрет Марии Цетлиной
«Портрет Марии Цетлиной» был написан Валентином Серовым в 1910 году. Это самая дорогая его работа на сегодняшний день. На картине изображена Мария Самойловна Цетлина — известный меценат, издатель, общественный и политический деятель.
В 2014 году на аукционе Christie’s полотно ушло с молотка за $14,51 млн. Неизвестно, кто его приобрел, картина была куплена по телефону.
Примечательно, что на протяжении длительного времени эта работа долгое время считалась утерянной, только в 1996 году стало известно о местонахождении портрета. 
$14,85 млн. Марк Шагал. Юбилей
Еще одна баснословно дорогая картина — «Юбилей» Марка Шагала — продана в 1990 году за 14, 9 млн долларов. Написана она была в 1923 году, в так называемый, золотой период художника. Полотно изображает его полет вместе с супругой Беллой.
Работы Шагала всегда ценятся очень высоко и пользуются спросом. Произведения художника можно посмотреть и в Третьяковской галерее .
$18,59 млн. Алексей Явленский. Шокко в широкополой шляпе
Работа Алексея Явленского «Шокко в широкополой шляпе» была продана на торгах за $18,59 млн. Соратник Василия Кандинского особенно популярен на Западе - там его знают под именем Alexej von Jawlensky. Большая коллекция картин художника находится в Омской картинной галерее, которые передал туда брат художника Дмитрий.
$23,04 млн. Василий Кандинский. Эскиз к «Импровизации № 8»
“Эскиз к импровизации № 8” был написан в 1909 году, а затем почти 50 лет был собственностью благотворительного фонда братьев Фолькарт в Швейцарии.
Осенью 2012 года картина была продана на аукционе «Christie’s» в Нью-Йорке за 23 миллиона долларов. На полотне изображены сцены из истории Киевской Руси.
$28,16 млн. Хаим Сутин. Бычья туша
Знаменитый русский живописец, представитель Парижской школы — Хаим Сутин — написал с 1923 по 1925 года цикл из 9 полотен, на которых изображены бычьи туши. У частных коллекционеров в настоящее время находятся только три из 9 картин с тушами, а наиболее большая и яркая была продана за рекордную сумму в $28,16 млн.
Вначале художник увлекался написанием натюрмортов, а затем он начал подвешивать тушу животного на стену и продолжал творить свои шедевры, не замечая, что мясо со временем портится. Неоднократно бывали случаи, когда из-за неприятного аромата, исходящего от испорченного мяса, соседи вызывали полицию и тогда между мастером и стражами порядка происходили конфликты. После инцидентов с полицейскими Сутин начал вымачивать туши в формальдегиде. 
$60,00 млн. Казимир Малевич. Супрематическая композиция
Картина Малевича «Супрематическая композиция» является практически рекордсменом среди русских полотен. Судьба этой работы непростая. Вначале картина побывала на выставках Европы, затем хранилась у архитектора Гуго Геринга и музее Амстердама.
Лишь спустя 17 лет, после многочисленных судов, полотно вернули потомкам Малевича. Однако вскоре ее продали за баснословную сумму в 60 млн долларов. 
$86,88 млн. Марк Ротко. Оранжевое, красное, желтое
Самой дорогой картиной является полотно «Оранжевое, красное, желтое» загадочного художника современности Марка Ротко. Его картины находятся во многих известных музеях современного искусства.
В 2012 году на аукционе Christie’s эта работа 1961 года была продана за $86,88 млн. Данная картина является самым дорогим произведением художника русского происхождения, которое ушло с молотка на открытых торгах в послевоенное время. 
«Игроки в карты»
Автор
Поль Сезанн
Страна Франция
Годы жизни 1839–1906
Стиль
постимпрессионизм
Художник родился на юге Франции в небольшом городке Экс-ан-Прованс, но живописью стал заниматься в Париже. Настоящий успех пришел к нему после персональной выставки, организованной коллекционером Амбруазом Волларом. В 1886 году, за 20 лет до своего ухода, он перебрался на окраину родного города. Поездки к нему молодые художники называли «паломничеством в Экс».
130х97 см
1895 год
стоимость
$250 млн
продана в 2012 году
на частных торгах
Творчество Сезанна понять легко. Единственным правилом художника была прямая передача предмета или сюжета на холст, поэтому его картины не вызывают недоумения зрителя. Сезанн соединил в своем искусстве две главные французские традиции: классицизм и романтизм. С помощью красочной фактуры он придавал форме предметов удивительную пластичность.
Серия из пяти картин «Игроки в карты» написана в 1890–1895 годах. Сюжет их одинаков – несколько людей увлеченно играют в покер. Отличаются работы только количеством игроков и размерами холста.
Четыре картины хранятся в музеях Европы и Америки (Музей д’Орсе, Метрополитен-музей, Фонд Барнса и Институт искусств Курто), а пятая до недавнего времени была украшением частной коллекции греческого миллиардера-судовладельца Георга Эмбирикоса. Незадолго до своей смерти, зимой 2011 года, он решил выставить ее на продажу. Потенциальными покупателями «свободной» работы Сезанна стали арт-дилер Уильям Аквавелла и галерист с мировым именем Ларри Гагосян, предлагавшие за нее около 220 млн долларов. В результате картина досталась королевской семье арабского государства Катар за 250 млн. Крупнейшая арт-сделка в истории живописи была закрыта в феврале 2012 года. Об этом в Vanity Fair сообщила журналистка Александра Пирс. Она узнала стоимость картины и имя нового владельца, а затем информация проникла в СМИ всего мира.
В 2010 году в Катаре открылись Арабский музей современного искусства и Катарский национальный музей. Сейчас их коллекции пополняются. Возможно, пятая версия «Игроков в карты» приобретена шейхом с этой целью.
Самая дорогая картина в мире
Владелец
Шейх Хамад
бин Халифа аль-Тани
Династия аль-Тани правит Катаром более 130 лет. Около полувека назад здесь были обнаружены огромные запасы нефти и газа, что вмиг сделало Катар одним из богатейших регионов мира. Благодаря экспорту углеводородов в этой маленькой стране зафиксирован самый большой ВВП на душу населения. Шейх Хамад бин Халифа аль-Тани в 1995 году, пока отец находился в Швейцарии, при поддержке членов семьи захватил власть. Заслуга действующего правителя, по мнению экспертов, в четкой стратегии развития страны, создании успешного имиджа государства. Сейчас в Катаре появились конституция и премьер-министр, а женщины получили право голоса на парламентских выборах. Кстати, именно эмир Катара основал новостной канал «Аль-Джазира». Огромное внимание власти арабского государства уделяют культуре.
2
«Номер 5»
Автор
Джексон Поллок
Страна США
Годы жизни 1912–1956
Стиль
абстрактный экспрессионизм
Джек Разбрызгиватель – такое прозвище Поллоку дала американская публика за особую технику живописи. Художник отказался от кисти и мольберта, а краску разливал по поверхности холста или фибролита во время непрерывного движения вокруг и внутри них. С ранних лет он увлекался философией Джидду Кришнамурти, главный посыл которой – истина открывается во время свободного «излияния».
122х244 см
1948 год
стоимость
$140 млн
продана в 2006 году
на аукционе
Sotheby’s
Ценность работ Поллока – не в результате, а в процессе. Автор не случайно называл свое искусство «живописью действия». С его легкой руки оно стало главным достоянием Америки. Джексон Поллок смешивал краску с песком, битым стеклом, а писал куском картона, мастихином, ножом, совком. Художник был настолько популярен, что в 1950-х подражатели нашлись даже в СССР. Картина «Номер 5» признана одной из самых странных и дорогих в мире. Один из создателей компании DreamWorks Дэвид Геффен приобрел ее для частной коллекции, а в 2006 году продал на аукционе Sotheby`s за 140 млн долларов мексиканскому коллекционеру Дэвиду Мартинесу. Однако вскоре юридическая фирма от имени своего клиента выпустила пресс-релиз, где сообщалось, что Дэвид Мартинес не является владельцем картины. Доподлинно известно только одно: мексиканский финансист действительно в последнее время коллекционировал произведения современного искусства. Вряд ли он упустил бы такую «крупную рыбу», как «Номер 5» Поллока.
3
«Женщина III»
Автор
Виллем де Кунинг
Страна США
Годы жизни 1904–1997
Стиль
абстрактный экспрессионизм
Выходец из Нидерландов, он эмигрировал в США в 1926 году. В 1948-м состоялась персональная выставка художника. Арт-критики оценили сложные, нервные черно-белые композиции, признав в их авторе великого художника-модерниста. Большую часть жизни он страдал алкоголизмом, но радость создания нового искусства чувствуется в каждой работе. Де Кунинга отличает импульсивность живописи, широкие мазки, из-за чего порой изображение не умещается в границах холста.
121х171 см
1953 год
стоимость
$137 млн
продана в 2006 году
на частных торгах
В 1950-х на картинах де Кунинга появляются женщины с пустыми глазами, массивной грудью, уродливыми чертами лица. «Женщина III» стала последней работой из этой серии, участвующей в торгах.
С 1970-х годов картина хранилась в Тегеранском музее современного искусства, однако после введения жестких правил морали в стране от нее стремились избавиться. В 1994-м работа была вывезена из Ирана, а еще через 12 лет ее владелец Дэвид Геффен (тот самый продюсер, который продал полотно Джексона Поллока «Номер 5») уступил картину миллионеру Стивену Коэну за 137,5 млн долларов. Интересно то, что Геффен в один год стал распродавать свою коллекцию живописи. Это породило массу слухов: например, что продюсер решил купить газету Los Angeles Times.
На одном из арт-форумов было высказано мнение о сходстве «Женщины III» с картиной Леонардо да Винчи «Дама с горностаем». За зубастой улыбкой и бесформенной фигурой героини ценитель живописи разглядел грацию особы королевских кровей. Об этом говорит и плохо прорисованная корона, венчающая голову женщины.
4
«Портрет Адели Блох-Бауэр I»
Автор
Густав Климт
Страна Австрия
Годы жизни 1862–1918
Стиль
модерн
Густав Климт родился в семье художника-гравера и был вторым из семи детей. Три сына Эрнеста Климта стали художниками, а прославился на весь мир только Густав. Большую часть детства он провел в бедности. После смерти отца на него легла ответственность за всю семью. Именно в это время Климт развивает свой стиль. Перед его картинами замирает любой зритель: под тонкими мазками золота отчетливо виден откровенный эротизм.
138х136 см
1907 год
стоимость
$135 млн
продана в 2006 году
на аукционе Sotheby’s
Судьба картины, которую называют «Австрийской Моной Лизой», легко может стать основой для бестселлера. Работа художника стала причиной конфликта целого государства и одной пожилой дамы.
Итак, на «Портрете Адели Блох-Бауэр I» изображена аристократка, жена Фердинанда Блоха. Ее последней волей было передать картину австрийской государственной галерее. Однако Блох в своем завещании отменил дарение, и полотно экспроприировали нацисты. Позже галерея с трудом выкупила «Золотую Адель», но тут объявилась наследница – Мария Альтман, племянница Фердинанда Блоха.
В 2005 году начался громкий процесс «Мария Альтман против Австрийской республики», по итогам которого картина «уехала» вместе с ней в Лос-Анджелес. Австрия приняла беспрецедентные меры: велись переговоры о займах, население жертвовало деньги, чтобы выкупить портрет. Добро так и не победило зло: цену Альтман подняла до 300 млн долларов. На момент разбирательства ей было 79 лет, и она вошла в историю как человек, изменивший волю Блох-Бауэр в пользу личных интересов. Картина была приобретена Рональдом Лаудерем, владельцем «Новой галереи» в Нью-Йорке, где и находится по сей день. Не для Австрии, для него Альтман снизила цену до 135 млн долларов.
5
«Крик»
Автор
Эдвард Мунк
Страна Норвегия
Годы жизни 1863–1944
Стиль
экспрессионизм
Первая картина Мунка, ставшая известной во всем мире, – «Больная девочка» (существует в пяти экземплярах) – посвящена сестре художника, умершей от туберкулеза в возрасте 15 лет. Мунка всегда интересовала тема смерти и одиночества. В Германии его тяжелая, маниакальная живопись даже спровоцировала скандал. Однако, несмотря на депрессивные сюжеты, его картины обладают особым магнетизмом. Взять хотя бы «Крик».
73,5х91 см
1895 год
стоимость
$119,992 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s
Полное название картины – Der Schrei der Natur (в переводе с немецкого – «крик природы»). Лицо то ли человека, то ли инопланетянина выражает отчаяние и панику – эти же эмоции испытывает зритель при взгляде на картину. Одно из ключевых произведений экспрессионизма предупреждает темы, ставшие острыми в искусстве XX века. По одной из версий, художник создал ее под влиянием психического расстройства, которым страдал всю жизнь.
Картина дважды была украдена из разных музеев, но ее возвращали. Получивший небольшие повреждения после кражи «Крик» отреставрировали, и он снова был готов к показу в Музее Мунка в 2008 году. Для представителей поп-культуры произведение стало источником вдохновения: Энди Уорхол создал серию его принтов-копий, а маска из фильма «Крик» сделана по образу и подобию героя картины.
На один сюжет Мунк написал четыре версии произведения: та, что находится в частной коллекции, выполнена пастелью. Норвежский миллиардер Петтер Олсен выставил ее на аукцион 2 мая 2012 года. Покупателем стал Леон Блэк, не пожалевший за «Крик» рекордной суммы. Основатель компаний Apollo Advisors, L.P. и Lion Advisors, L.P. известен своей любовью к искусству. Блэк – покровитель колледжа Дартмута, Музея современного искусства, Арт-центра Линкольна, Столичного музея искусств. Он обладает крупнейшей коллекцией картин современных художников и классических мастеров прошлых столетий.
6
«Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев»
Автор
Пабло Пикассо
Страна Испания, Франция
Годы жизни 1881–1973
Стиль
кубизм
По происхождению он испанец, а по духу и месту жительства – настоящий француз. Собственную художественную студию Пикассо открыл в Барселоне, когда ему было всего 16 лет. Потом он уехал в Париж и провел там большую часть жизни. Именно поэтому в его фамилии двойное ударение. В основе стиля, придуманного Пикассо, лежит отрицание мнения, что изображенный на холсте предмет можно рассматривать только под одним ракурсом.
130х162 см
1932 год
стоимость
$106,482 млн
продана в 2010 году
на аукционе Christie’s
Во время своей работы в Риме художник встретил танцовщицу Ольгу Хохлову, ставшую вскоре его женой. Он покончил с бродяжничеством, переехал вместе с ней в роскошную квартиру. К тому времени признание нашло героя, а вот брак был разрушен. Одна из самых дорогих картин мира создана почти случайно – по большой любви, которая, как всегда у Пикассо, была недолгой. В 1927 году он увлекся юной Мари-Терез Вальтер (ей было 17 лет, ему – 45). Втайне от жены уехал с любовницей в городок под Парижем, где и написал портрет, изобразив Мари-Терез в образе Дафны. Полотно приобрел нью-йоркский дилер Поль Розенберг, а в 1951 году продал его Сидни Ф. Броуди. Супруги Броуди показали картину миру всего однажды и только потому, что художнику исполнялось 80 лет. После смерти мужа госпожа Броуди в марте 2010 года выставила произведение на торги в доме Christie’s. За шесть десятилетий цена выросла более чем в 5000 раз! Неизвестный коллекционер приобрел ее за 106,5 млн долларов. В 2011 году в Британии состоялась «выставка одной картины», где она увидела свет во второй раз, а вот имя владельца до сих пор неизвестно.
7
«Восемь Элвисов»
Автор
Энди Уорхол
Страна США
Годы жизни 1928-1987
Стиль
поп-арт
«Секс и вечеринки – это единственные места, где нужно появляться собственной персоной», – говорил культовый художник поп-арта, режиссер, один из основателей журнала Interview, дизайнер Энди Уорхол. Он работал с Vogue и Harper`s Bazaar, оформлял обложки пластинок, придумал обувь для компании I.Miller. В 1960-х появились картины с изображением символов Америки: супа Campbell`s и Coca-Cola, Пресли и Монро – сделавшие его легендой.
358х208 см
1963 год
стоимость
$100 млн
продана в 2008 году
на частных торгах
Уорхоловские 60-е – так называли эпоху поп-арта в Америке. В 1962 году он работал на Манхэттене в студии «Фабрика», где собиралась вся богема Нью-Йорка. Яркие ее представители: Мик Джаггер, Боб Дилан, Трумен Капоте и другие известные в мире личности. В то же время Уорхол опробовал технику шелкографии – многократного повтора одного изображения. Этот метод он использовал и при создании «Восьми Элвисов»: зритель словно видит кадры из кино, где звезда оживает. Здесь есть все, что так любил художник: беспроигрышный публичный образ, серебряный цвет и предчувствие смерти как главный посыл.
Есть два арт-дилера, продвигающих сегодня творчество Уорхола на мировом рынке: Ларри Гагосян и Альберто Муграби. Первый в 2008 году потратил 200 млн долларов на приобретение более 15 работ Уорхола. Второй покупает и продает его картины как рождественские открытки, только дороже. Но не они, а скромный французский арт-консультант Филипп Сегало помог римскому ценителю искусства Аннибале Берлингьери продать неизвестному покупателю «Восемь Элвисов» за рекордную для Уорхола сумму – 100 млн долларов.
8
«Оранжевый, красный, желтый»
Автор
Марк Ротко
Страна США
Годы жизни 1903–1970
Стиль
абстрактный экспрессионизм
Один из создателей живописи цветового поля родился в Двинске, Россия (сейчас – Даугавпилс, Латвия), в многодетной семье еврейского фармацевта. В 1911 году они эмигрировали в США. Ротко обучался на художественном факультете Йельского университета, добился стипендии, но антисемитские настроения вынудили его оставить учебу. Несмотря ни на что, арт-критики боготворили художника, а музеи преследовали всю жизнь.
206х236 см
1961 год
стоимость
$86,882 млн
продана в 2012 году
на аукционе Christie’s
Первые художественные опыты Ротко были сюрреалистической направленности, но со временем он упростил сюжет до цветовых пятен, лишив их всякой предметности. Сначала они имели яркие оттенки, а в 1960-е налились коричневым, фиолетовым, сгустившись до черного ко времени смерти художника. Марк Ротко предостерегал от поиска любого смысла в своих картинах. Автор хотел сказать ровно то, что сказал: только цвет, растворяющийся в воздухе, и ничего больше. Он рекомендовал смотреть на произведения с расстояния 45 см, чтобы зрителя «затягивало» в цвет, как в воронку. Осторожно: просмотр по всем правилам может привести к эффекту медитации, то есть постепенно приходят осознание бесконечности, полная погруженность в себя, расслабление, очищение. Цвет в его картинах живет, дышит и оказывает сильнейшее эмоциональное воздействие (говорят, иногда – целительное). Художник заявлял: «Зритель должен плакать, глядя на них», – и такие случаи действительно были. По теории Ротко, в этот момент люди проживают тот же духовный опыт, что и он в процессе работы над картиной. Если вы сумели понять его на таком тонком уровне, то не удивитесь тому, что эти произведения абстракционизма критики часто сравнивают с иконами.
Работа «Оранжевое, красное, желтое» выражает всю суть живописи Марка Ротко. Ее начальная стоимость на аукционе Christie’s в Нью-Йорке 35–45 млн долларов. Неизвестный покупатель предложил цену, вдвое превышающую эстимейт. Имя счастливого обладателя картины, как это часто бывает, не разглашается.
9
«Триптих»
Автор
Фрэнсис Бэкон
Страна
Великобритания
Годы жизни 1909–1992
Стиль экспрессионизм
Приключения Фрэнсиса Бэкона, полного тезки и к тому же дальнего потомка великого философа, начались, когда отец отрекся от него, не в силах принять гомосексуальных наклонностей сына. Бэкон уехал сначала в Берлин, потом в Париж, а затем его следы путаются по всей Европе. Еще при жизни его работы экспонировались в ведущих культурных центрах мира, среди которых Музей Гуггенхайма и Третьяковская галерея.
147,5х198 см (каждый)
1976 год
стоимость
$86,2 млн
продан в 2008 году
на аукционе Sotheby’s
Престижные музеи стремились обладать картинами Бэкона, а вот чопорная английская публика не спешила раскошелиться на такое искусство. Легендарный премьер-министр Великобритании Маргарет Тэтчер говорила о нем: «Человек, который рисует эти ужасающие картины».
Отправным периодом в своем творчестве сам художник считал послевоенное время. Вернувшись со службы, он вновь занялся живописью и создал главные шедевры. До участия «Триптиха, 1976» в торгах самой дорогой работой Бэкона был «Этюд к портрету Папы Иннокентия X» (52,7 млн долларов). В «Триптихе, 1976» художник изобразил мифический сюжет преследования Ореста фуриями. Разумеется, Орест – это сам Бэкон, а фурии – его терзания. Более 30 лет картина находилась в частной коллекции и не участвовала в выставках. Этот факт придает ей особую ценность и, соответственно, повышает стоимость. Но что такое несколько миллионов для ценителя искусства, да еще и по-русски щедрого? Роман Абрамович начал создавать свою коллекцию в 1990-х годах, в этом на него значительно повлияла подруга Даша Жукова, ставшая в современной России модной галеристкой. По неофициальным данным, в личном владении бизнесмена есть работы Альберто Джакометти и Пабло Пикассо, купленные за суммы, превышающие 100 млн долларов. В 2008 году он стал обладателем «Триптиха». Кстати, в 2011 году была приобретена еще одна ценная работа Бэкона – «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда». Скрытые источники говорят, что покупателем вновь стал Роман Аркадьевич.
10
«Пруд с кувшинками»
Автор
Клод Моне
Страна Франция
Годы жизни 1840–1926
Стиль
импрессионизм
Художник признан родоначальником импрессионизма, «запатентовавшим» этот метод в своих полотнах. Первой значительной работой стала картина «Завтрак на траве» (оригинальная версия произведения Эдуарда Мане). В юности он рисовал карикатуры, а настоящей живописью занялся во время своих путешествий по побережью и на открытом воздухе. В Париже вел богемный образ жизни и не оставил его даже после службы в армии.
210х100 см
1919 год
стоимость
$80,5 млн
продана в 2008 году
на аукционе Christie’s
Кроме того, что Моне был великим художником, он еще и увлеченно занимался садоводством, обожал живую природу и цветы. В его пейзажах состояние природы сиюминутно, предметы как будто размыты движением воздуха. Впечатление усиливается за счет крупных мазков, с определенного расстояния они становятся незаметными и сливаются в фактурное, объемное изображение. В живописи позднего Моне особое место занимает тема воды и жизни в ней. В местечке Живерни у художника был собственный пруд, где он выращивал кувшинки из семян, специально привезенных им из Японии. Когда их цветки распускались, он приступал к рисованию. Серия «Кувшинки» состоит из 60 работ, которые художник писал на протяжении почти 30 лет, до самой смерти. Его зрение с возрастом ухудшалось, но он не останавливался. В зависимости от ветра, времени года и погоды вид пруда постоянно менялся, эти перемены и хотел запечатлеть Моне. Через тщательную работу к нему приходило понимание сути природы. Некоторые из полотен серии хранятся в ведущих галереях мира: Национальный музей западного искусства (Токио), Оранжери (Париж). Версия очередного «Пруда с кувшинками» ушла в руки неизвестного покупателя за рекордную сумму.
11
False Start
Автор
Джаспер Джонс
Страна США
Год рождения 1930
Стиль поп-арт
В 1949 году Джонс поступил в дизайнерскую школу в Нью-Йорке. Наравне с Джексоном Поллоком, Виллемом де Кунингом и другими он признан одним из главных художников XX века. В 2012 году получил «Президентскую медаль свободы» – высшую гражданскую награду США.
137,2х170,8 см
1959 год
стоимость
$80 млн
продана в 2006 году
на частных торгах
Как и Марсель Дюшан, Джонс работал с реальными предметами, изображая их на холсте и в скульптуре в полном соответствии с оригиналом. Для своих работ он использовал простые и понятные всем предметы: пивную бутылку, флаг или карты. В картине False Start нет четкой композиции. Художник словно играет со зрителем, часто «неверно» подписывая цвета на картине, переворачивая само понятие цвета: «Я хотел найти способ изобразить цвет так, чтобы он мог быть определен каким-то другим методом». Его самая взрывная и «неуверенная в себе», по мнению критиков, картина была приобретена неизвестным покупателем.
12
«Сидящая обнаженная на диване»
Автор
Амедео Модильяни
Страна Италия, Франция
Годы жизни 1884–1920
Стиль экспрессионизм
Модильяни с самого детства часто болел, во время лихорадочного бреда он распознал свое предназначение художника. Учился рисованию в Ливорно, Флоренции, Венеции, а в 1906 году уехал в Париж, где и расцвело его искусство.
65х100 см
1917 год
стоимость
$68,962 млн
продана в 2010 году
на аукционе Sotheby’s
В1917 году Модильяни встретил 19-летнюю Жанну Эбютерн, которая стала его моделью, а потом и женой. В 2004-м один из ее портретов был продан за 31,3 млн долларов, что стало последним рекордом перед продажей «Сидящей обнаженной на диване» в 2010 году. Картину приобрел неизвестный покупатель за максимальную для Модильяни на данный момент цену. Активные продажи работ начались только после смерти художника. Он умер в нищете, больной туберкулезом, а на следующий день с собой покончила и Жанна Эбютерн, пребывавшая на девятом месяце беременности.
13
«Орел на сосне»
Автор
Ци Байши
Страна Китай
Годы жизни 1864–1957
Стиль гохуа
Интерес к каллиграфии привел Ци Байши к живописи. В 28 лет он стал учеником художника Ху Циньюаня. Министерство культуры Китая присвоило ему титул «Великого художника китайского народа», в 1956 году он получил Международную премию мира.
10х26 см
1946 год
стоимость
$65,4 млн
продана в 2011 году
на аукционе China Guardian
Ци Байши интересовался теми проявлениями окружающего мира, которым многие не придают значения, и в этом его величие. Человек без образования стал профессором и выдающимся творцом в истории. Пабло Пикассо говорил о нем: «Я боюсь ехать в вашу страну, ведь в Китае есть Ци Байши». Композиция «Орел на сосне» признана самым крупным произведением художника. Кроме полотна, она включает в себя два иероглифических свитка. Для Китая сумма, за которую куплено произведение, представляет рекорд – 425,5 млн юаней. Только свиток древнего каллиграфа Хуан Тинцзяня был продан за 436,8 млн.
14
«1949-A-№1»
Автор
Клиффорд Стилл
Страна США
Годы жизни 1904–1980
Стиль абстрактный экспрессионизм
В 20 лет посетил Метрополитен-музей в Нью-Йорке и был разочарован. Позже записался на курс студенческой лиги искусств, но ушел через 45 минут после начала занятия – оказалось «не его». Первая персональная выставка вызвала резонанс, художник нашел себя, а вместе с этим и признание
79х93 см
1949 год
стоимость
$61,7 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s
Все свои работы, а это более 800 холстов и 1600 произведений на бумаге, Стилл завещал американскому городу, где будет открыт музей его имени. Таким городом стал Денвер, но только строительство обходилось властям дорого, и для его завершения четыре работы были выставлены на аукцион. Произведения Стилла вряд ли будут участвовать в торгах когда-либо еще, что заранее повысило их цену. Картина «1949-A-No.1» продана за рекордную для художника сумму, хотя эксперты прогнозировали продажу максимум за 25–35 млн долларов.
15
«Супрематическая композиция»
Автор
Казимир Малевич
Страна Россия
Годы жизни 1878–1935
Стиль супрематизм
Малевич учился живописи в Киевской художественной школе, затем в Московской академии искусств. В 1913 году начал писать абстрактно-геометрические картины в стиле, который назвал супрематизмом (от лат. «доминирование»).
71х 88,5 см
1916 год
стоимость
$60 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s
В городском музее Амстердама картина хранилась около 50 лет, но после 17-летнего спора с родственниками Малевича музей отдал ее. Художник написал эту работу в один год с «Манифестом супрематизма», поэтому на Sotheby`s еще до торгов объявили, что менее чем за 60 млн долларов она не уйдет в частную коллекцию. Так и случилось. Смотреть на нее лучше сверху: фигуры на полотне напоминают вид на землю с воздуха. Кстати, несколькими годами ранее те же самые родственники экспроприировали у музея МоМА другую «Супрематическую композицию», чтобы продать ее на аукционе Phillips за 17 млн долларов.
16
«Купальщицы»
Автор
Поль Гоген
Страна Франция
Годы жизни 1848–1903
Стиль постимпрессионизм
До семи лет художник жил в Перу, затем с семьей вернулся во Францию, но детские воспоминания постоянно подталкивали его к путешествиям. Во Франции он начал писать красками, дружил с Ван Гогом. Он даже провел с ним несколько месяцев в Арле, до того момента, как Ван Гог во время ссоры отрезал себе ухо.
93,4х60,4 см
1902 год
стоимость
$55 млн
продана в 2005 году
на аукционе Sotheby’s
В 1891 году Гоген устроил распродажу своих картин, чтобы на вырученные деньги отправиться вглубь острова Таити. Там он создал работы, в которых чувствуется тонкая связь природы и человека. Гоген жил в соломенной хижине, а на его полотнах расцветал тропический рай. Его женой стала 13-летняя таитянка Техура, что не помешало художнику вступать в беспорядочные связи. Заболев сифилисом, он уехал во Францию. Однако там Гогену было тесно, и он вернулся на Таити. Этот период называют «вторым таитянским» – именно тогда была написана картина «Купальщицы», одна из самых роскошных в его творчестве.
17
«Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах»
Автор
Анри Матисс
Страна Франция
Годы жизни 1869–1954
Стиль фовизм
В 1889 году у Анри Матисса случился приступ аппендицита. Когда он оправлялся от операции, мать купила ему краски. Сначала Матисс со скуки копировал цветные открытки, потом – произведения великих живописцев, что видел в Лувре, а в начале XX века придумал стиль – фовизм.
65,2х81 см
1911 год
стоимость
$46,4 млн
продана в 2009 году
на аукционе Christie’s
Картина «Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах» долгое время принадлежала Иву Сен-Лорану. После смерти кутюрье вся его коллекция искусства перешла в руки его друга и любовника Пьера Берже, который решил выставить ее на аукционе Christie’s. Жемчужиной проданной коллекции стала картина «Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах», написанная на обыкновенной скатерти вместо холста. Как образец фовизма, она наполнена энергией цвета, краски словно взрываются и кричат. Из известной серии картин, написанных на скатерти, сегодня эта работа единственная, которая находится в частной коллекции.
18
«Спящая девушка»
Автор
Рой Ли
хтенштейн
Страна США
Годы жизни 1923–1997
Стиль поп-арт
Художник родился в Нью-Йорке, а окончив школу, уехал в Огайо, где пошел на курсы по искусству. В 1949 году Лихтенштейн получил степень магистра изящных искусств. Интерес к комиксам и умение иронизировать сделали из него культового художника прошлого века.
91х91 см
1964 год
стоимость
$44,882 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s
Однажды в руки Лихтенштейну попала жевательная резинка. Он перерисовал картинку со вкладыша на холст и стал знаменитым. В этом сюжете из его биографии заключен весь месседж поп-арта: потребление – новый бог, и в фантике от жвачки не меньше красоты, чем в «Моне Лизе». Его картины напоминают комиксы и мультфильмы: Лихтенштейн просто увеличивал готовое изображение, прорисовывал растры, использовал трафаретную печать и шелкографию. Картина «Спящая девушка» почти 50 лет принадлежала коллекционерам Беатрис и Филиппу Герш, чьи наследники продали ее на аукционе.
19
«Победа. Буги-вуги»
Автор
Пит Мондриан
Страна Нидерланды
Годы жизни 1872–1944
Стиль неопластицизм
Свою настоящую фамилию – Корнелис – художник сменил на Мондриан, когда в 1912 году переехал в Париж. Вместе с художником Тео ванн Дусбургом основал движение «неопластицизм». В честь Мондриана назван язык программирования Piet.
27х127 см
1944 год
стоимость
$40 млн
продана в 1998 году
на аукционе Sotheby’s
Самый «музыкальный» из художников XX века зарабатывал на жизнь акварельными натюрмортами, хотя прославился как неопластический художник. В США перебрался в 1940-х и провел там остаток жизни. Джаз и Нью-Йорк – вот что вдохновляло его больше всего! Картина «Победа. Буги-Вуги» – лучший тому пример. «Фирменные» аккуратные квадраты получались благодаря использованию липкой ленты – любимого материала Мондриана. В Америке его назвали «самым знаменитым иммигрантом». В шестидесятых Ив Сен-Лоран выпустил известные на весь мир платья «Мондриан» с принтом в крупную цветную клетку.
20
«Композиция № 5»
Автор
Василий Кандинский
Страна Россия
Годы жизни 1866–1944
Стиль авангардизм
Художник родился в Москве, а его отец был родом из Сибири. После революции он пытался сотрудничать с советской властью, но вскоре понял, что законы пролетариата созданы не для него, и не без сложностей эмигрировал в Германию.
275х190 см
1911 год
стоимость
$40 млн
продана в 2007 году
на аукционе Sotheby’s
Кандинский одним из первых полностью отказался от предметной живописи, за что и получил звание гения. Во время нацизма в Германии его картины были отнесены к «дегенеративному искусству» и нигде не выставлялись. В 1939 году Кандинский принял французское гражданство, в Париже он свободно участвовал в художественном процессе. Его картины «звучат», словно фуги, поэтому многие получили название «композиций» (первая написана в 1910 году, последняя – в 1939-м). «Композиция № 5» – одна из ключевых работ в этом жанре: «Слово “композиция” звучало для меня как молитва», – говорил художник. В отличие от многих последователей, он планировал то, что изобразит на огромном холсте, будто писал ноты.
21
«Этюд женщины в голубом»
Автор
Фернан Леже
Страна Франция
Годы жизни 1881–1955
Стиль кубизм-постимпрессионизм
Леже получил архитектурное образование, а затем был слушателем Школы изящных искусств в Париже. Художник считал себя последователем Сезанна, был апологетом кубизма, а в XX веке имел успех еще и как скульптор.
96,5х129,5 см
1912–1913 год
стоимость
$39,2 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s
Дэвид Норманн, президент интернационального отдела импрессионизма и модернизма Sotheby`s, считает огромную сумму, заплаченную за «Даму в голубом», вполне оправданной. Картина относится к знаменитой коллекции Леже (художник написал три картины на один сюжет, в частных руках сегодня – последняя из них. – Прим. ред.), и поверхность полотна сохранилась в первозданном виде. Автор сам отдал эту работу в галерею Der Sturm, потом она попала в коллекцию Херманна Ланга, немецкого собирателя модернизма, а теперь принадлежит неизвестному покупателю.
22
«Уличная сценка. Берлин»
Автор
Эрнст Людвиг Кирхнер
Страна Германия
Годы жизни 1880–1938
Стиль экспрессионизм
Для немецкого экспрессионизма Кирхнер стал знаковой персоной. Однако местные власти обвинили его в приверженности к «дегенеративному искусству», что трагически сказалось на судьбе его картин и на жизни художника, покончившего с собой в 1938 году.
95х121 см
1913 год
стоимость
$38,096 млн
продана в 2006 году
на аукционе Christie’s
После переезда в Берлин Кирхнер создал 11 зарисовок уличных сцен. Его вдохновляли суматоха и нервозность большого города. В картине, проданной в 2006 году в Нью-Йорке, особенно остро чувствуется тревожное состояние художника: люди на берлинской улице напоминают птиц – изящных и опасных. Она стала последней работой из знаменитой серии, проданной на аукционе, остальные хранятся в музеях. В 1937 году нацисты жестоко обошлись с Кирхнером: 639 его работ были изъяты из немецких галерей, уничтожены или проданы за границу. Художник не смог этого пережить.
23
«Отдыхающая танцовщица»
Автор
Эдгар Дега
Страна Франция
Годы жизни 1834–1917
Стиль импрессионизм
История Дега как художника началась с того, что он работал копировальщиком в Лувре. Он мечтал стать «знаменитым и неизвестным», и в итоге ему удалось это. В конце жизни оглохший и ослепший 80-летний Дега продолжал посещать выставки и аукционы.
64х59 см
1879 год
стоимость
$37,043 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s
«Балерины всегда были для меня лишь предлогом, чтобы изобразить ткани и ухватить движение», – говорил Дега. Сюжеты из жизни танцовщиц как будто подсмотрены: девушки не позируют художнику, а просто становятся частью атмосферы, пойманной взглядом Дега. «Отдыхающая танцовщица» была продана за 28 млн долларов в 1999 году, а меньше чем через 10 лет ее купили уже за 37 млн – сегодня это самая дорогая работа художника, когда-либо выставленная на торги. Большое внимание Дега уделял рамам, сам проектировал их и запрещал менять. Интересно, какая рама установлена на проданной картине?
24
«Живопись»
Автор
Хуан Миро
Страна Испания
Годы жизни 1893–1983
Стильабстрактное искусство
Во время гражданской войны в Испании художник был на стороне республиканцев. В 1937 году он бежал от фашистской власти в Париж, где жил в нищете вместе с семьей. В этот период Миро пишет картину «Помогите Испании!», обращая внимание всего мира на засилье фашизма.
89х115 см
1927 год
стоимость
$36,824 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s
Второе название картины – «Голубая звезда». Художник написал ее в том же году, когда объявил: «Я хочу убить живопись» и нещадно издевался над холстами, царапая краску гвоздями, приклеивая к полотну перья, покрывая работы мусором. Его целью было развенчать мифы о таинстве живописи, но, справившись с этим, Миро создал собственный миф – сюрреалистическую абстракцию. Его «Живопись» относится к циклу «картин-сновидений». На аукционе за нее бились четверо покупателей, однако один телефонный звонок инкогнито решил спор, и «Живопись» стала самой дорогой картиной художника.
25
«Голубая роза»
Автор
Ив Кляйн
Страна Франция
Годы жизни 1928–1962
Стиль монохромная живопись
Художник родился в семье живописцев, но обучался восточным языкам, мореходству, ремеслу золотильщика рам, дзен-буддизму и многому другому. Его личность и нахальные выходки были в разы интереснее монохромных картин.
153х199х16 см
1960 год
стоимость
$36,779 млн
продана в 2012 году
на аукционе Christie’s
Первая выставка однотонных желтых, оранжевых, розовых работ не вызвала интереса у публики. Кляйн обиделся и в следующий раз представил 11 одинаковых холстов, окрашенных ультрамарином вперемешку с особой синтетической смолой. Он даже запатентовал этот метод. В историю цвет вошел как «международный синий цвет Кляйна». Еще художник продавал пустоту, создавал картины, подставляя бумагу под дождь, поджигая картон, делая на холсте отпечатки тела человека. Словом, экспериментировал как мог. Для создания «Голубой розы» использовал сухие пигменты, смолы, гальку и натуральную губку.
26
«В поисках Моисея»
Автор
Сэр Лоуренс Альма-Тадема
Страна Великобритания
Годы жизни 1836–1912
Стиль неоклассицизм
Приставку «альма» к своей фамилии сэр Лоуренс добавил сам, чтобы в художественных каталогах значиться первым. В викторианской Англии его картины были настолько востребованы, что художнику присвоили рыцарское звание.
213,4х136,7 см
1902 год
стоимость
$35,922 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s
Главной темой творчества Альма-Тадемы была античность. На картинах он старался в мельчайших деталях изобразить эпоху Римской империи, для этого даже занимался археологическими раскопками на Апеннинском полуострове, а в своем лондонском доме воспроизвел исторический интерьер тех лет. Мифологические сюжеты стали для него еще одним источником вдохновения. Художник был крайне востребован при жизни, однако после смерти его быстро забыли. Сейчас интерес возрождается, о чем говорит и стоимость картины «В поисках Моисея», в семь раз превысившая предпродажную оценку.
27
«Портрет спящей обнаженной чиновницы»
Автор
Люсьен Фрейд
Страна Германия,
Великобритания
Годы жизни 1922–2011
Стиль фигуративная живопись
Художник – внук Зигмунда Фрейда, отца психоанализа. После установления фашизма в Германии его семья эмигрировала в Великобританию. Произведения Фрейда находятся в лондонском музее «Собрание Уоллеса», где ранее не выставлялся ни один современный художник.
219,1х151,4 см
1995 год
стоимость
$33,6 млн
продана в 2008 году
на аукционе Christie’s
Пока модные художники XX века создавали позитивные «цветовые пятна на стену» и продавали их за миллионы, Фрейд писал предельно натуралистичные картины и продавал их еще дороже. «Я запечатлеваю крики души и страдания увядающей плоти», – говорил он. Критики считают, что все это «наследство» Зигмунда Фрейда. Картины так активно выставлялись и успешно продавались, что у специалистов зародилось сомнение: а не обладают ли они гипнотическими свойствами? Проданный на аукционе «Портрет спящей обнаженной чиновницы», по информации издания Sun, приобрел ценитель прекрасного и миллиардер Роман Абрамович.
28
«Скрипка и гитара»
Автор
Х уан Грис
Страна Испания
Годы жизни 1887–1927
Стиль кубизм
Родился в Мадриде, где и окончил школу искусств и ремесел. В 1906 году переехал в Париж и вошел в круг самых влиятельных художников эпохи: Пикассо, Модильяни, Брака, Матисса, Леже, также работал с Сергеем Дягилевым и его труппой.
5х100 см
1913 год
стоимость
$28,642 млн
продана в 2010 году
на аукционе Christie’s
Грис, по собственным словам, занимался «плоскостной, цветной архитектурой». Его картины точно продуманы: он не оставлял ни одного случайного мазка, что роднит творчество с геометрией. Художник создал свой вариант кубизма, хотя очень уважал Пабло Пикассо, отца-основателя направления. Преемник даже посвятил ему свою первую работу в стиле кубизм «Дань уважения Пикассо». Картина «Скрипка и гитара» признана выдающейся в творчестве художника. При жизни Грис был известен, обласкан критиками и искусствоведами. Его работы выставлены в крупнейших мировых музеях, хранятся в частных коллекциях.
29
«Портрет Поля Элюара»
Автор
Сальвадор Дали
Страна Испания
Годы жизни 1904–1989
Стиль сюрреализм
«Сюрреализм – это я», – сказал Дали, когда его исключили из группы сюрреалистов. Со временем он стал самым известным художником-сюрреалистом. Творчество Дали повсюду, а не только в галереях. Например, это он придумал упаковку для «Чупа-Чупса».
25х33 см
1929 год
стоимость
$20,6 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s
В 1929 году навестить великого провокатора и скандалиста Дали приехали поэт Поль Элюар со своей русской женой Галой. Встреча стала началом истории любви, продолжавшейся более полувека. Картина «Портрет Поля Элюара» написана как раз во время этого исторического визита. «Я чувствовал, что на меня возложена обязанность запечатлеть лик поэта, с Олимпа которого я похитил одну из муз», – говорил художник. До знакомства с Галой он был девственником и испытывал отвращение при мысли о сексе с женщиной. Любовный треугольник существовал до смерти Элюара, после чего стал дуэтом Дали–Гала.
30
«Юбилей»
Автор
Марк Шагал
Страна Россия, Франция
Годы жизни 1887–1985
Стиль авангард
Мойша Сегал родился в Витебске, но в 1910 году эмигрировал в Париж, сменил имя, сблизился с ведущими авангардистами эпохи. В 1930-х при захвате власти фашистами уехал в США при помощи американского консула. Вернулся во Францию только в 1948 году.
80x103 см
1923 год
стоимость
$14,85 млн
продана в 1990 году
на аукционе Sotheby’s
Картина «Юбилей» признана одной из лучших работ художника. В ней есть все черты его творчества: стерты физические законы мира, сохраняется ощущение сказки в декорациях мещанского быта, а в центре сюжета – любовь. Шагал не рисовал людей с натуры, а только по памяти или фантазируя. На картине «Юбилей» запечатлен сам художник с женой Бэлой. Картина продана в 1990 году и с тех пор не участвовала в торгах. Интересно, что в нью-йоркском Музее современного искусства MoMA хранится абсолютно такая же, только под названием «День рождения». Кстати, написана она раньше – в 1915 году.
проект подготовила
Татьяна Паласова
рейтинг составлен
по списку www.art-spb.ru
журнал tmn №13
(май-июнь 2013)
№20. 75 100 000 долларов. «Королевский красный и синий», Марк Ротко, продана в 2012 году.
Величественный холст вошёл в число восьми работ, выбранных художником собственноручно для своей эпохальной персональной выставки в Институте искусств Чикаго.
№19. 76 700 000 долларов. «Избиение младенцев», Питер Пауль Рубенс, создана в 1610 году.
Картину приобрёл Кеннет Томпсоном на аукционе «Сотби» в Лондоне в июле 2002 года. Яркое и драматическое произведение Рубенса может бороться за звание «самый неожиданный успех». «Кристи» оценил это полотно всего в 5 млн. евро.
№18. 78 100 000 долларов. «Бал в Мулен де ла Галетт», Пьер-Огюст Ренуар, написана в 1876 году.
Работу продали в 1990 году, на тот момент она числилась второй самой дорогой картиной в мире из когда-либо проданных. Владельцем шедевра стал Риоеи Саито, председатель компании Daishowa Paper Manufacturing Co. Он хотел, чтобы холст кремировали вместе с ним после его смерти, но компания столкнулась с финансовыми затруднениями по кредитным обязательствам, поэтому картину пришлось использовать в качестве имущественного залога.
№17. 80 миллионов долларов. «Бирюзовая Мэрилин», Энди Уорхол, написана в 1964 г, продана в 2007 г.
Приобрёл г-н Стив Коэн. Цену не подтвердили, но эту цифру принято считать правдивой.
№16. 80 миллионов долларов. «Фальстарт», Джаспер Джонс, написана в 1959 г.
Картина принадлежала Дэвиду Геффену, который продал её генеральному директору инвестиционной группы Citadel, Кеннету С. Гриффину. Она признана самой дорогой картиной, которую удалось продать при жизни художника, культового мастера Джаспера Джонса.
№15. 82 500 000 долларов. «Портрет доктора Гаше», Винсент Ван Гог, 1890 год.
Японский бизнесмен Риоеи Саито приобрёл картину в 1990 году на аукционе. На тот момент времени она была самой дорогой картиной в мире. В ответ на возникший в обществе резонанс по поводу пожелания Сайто кремировать произведение искусства вместе с ним после смерти, бизнесмен пояснил, что, таким образом, он выражает свою беззаветную привязанность к картине.
№14. 86 300 000 долларов. «Триптих», Фрэнсис Бэкон, 1976 год.
Этот шедевр Бэкона из трёх частей побил предыдущий рекорд его проданных работ (52.68 млн. долл.). Картину приобрёл российский миллиардер Роман Абрамович.
№13. 87 900 000 долларов. «Портрет Адель Блох-Бауэр II», Густав Климт, 1912 год.
Единственная модель, дважды изображённая Климтом и проданная через несколько месяцев после первой версии. Это портрет Блох-Бауэр из числа четырех картин, за которые в 2006 году выручили в общей сложности 192 млн. долл. Покупатель неизвестен.
№12. 95 200 000 долларов. «Дора Маар с кошкой», Пабло Пикассо, 1941 год.
Ещё одна картина Пикассо, которая ушла с молотка по баснословной цене. В 2006 году её приобрёл загадочный русский аноним, прикупив заодно работы Моне и Шагала общей стоимостью 100 миллионов долларов.
№11. 104 200 000 долларов. «Мальчик с трубкой», Пабло Пикассо, 1905 год.
Это первая живопись, преодолевшая барьер в 100 млн. долл. в 2004 году. Как ни странно, имя человека, проявившего столь живой интерес к портрету Пикассо, так и не обнародовали.
№10. 105 400 000 долларов. «Авария серебряной машины (двойная катастрофа)», Энди Уорхол, 1932 год.
Это самая дорогая работа известной легенды поп-арта, Энди Уорхола. Картина стала звездой современного искусства, уйдя с молотка на аукционе «Сотбис».
№9. 106 500 000 долларов. «Обнажённая, зелёные листья и бюст», Пабло Пикассо, 1932 год.
Этот чувственный и красочный шедевр стал самой дорогой работой Пикассо из когда-либо проданных на аукционе. Картина состояла в коллекции госпожи Сидни Ф. Броуди и не выставлялась на публике с 1961 года.
№8. 110 млн. долл. «Флаг», Джаспер Джонс, 1958 год.
«Флаг» - самая известная работа Джаспера Джонса. Художник нарисовал свой первый американский флаг в 1954-55гг.
№7. 119 900 000 долларов. «Крик», Эдвард Мунк, 1895 год.
Это уникальная и наиболее красочная работа из четырёх версий шедевра Эдварда Мунка «Крик». Лишь одна из них остаётся в частных руках.
№6. 135 000 000 долларов. «Портрет Адели Блох-Бауэр I», Густав Климт.
Мария Альтман в судебном порядке добивалась права обладать картиной, так как Адели Блох-Бауэр завещала её государственной галерее Австрии, а её муж позже отменил дарение на фоне событий Второй мировой войны. Вступив в законные права, Мария Альтман продала портрет Рональду Лаудеру, который выставил её в своей галерее в Нью-Йорке.
№5. 137 500 000 долларов. «Женщина III», Виллем де Кунинг.
Ещё одна картина, проданная Геффеном в 2006 году, но на этот раз покупателем выступил миллиардер Стивен А. Коэн. Эта странная абстракция вошла в серию из шести шедевров Кунинга, написанных в период с 1951 по 1953 гг.
№4. 140 000 000 долларов. «№ 5, 1948», Джексон Поллок.
Как сообщили в New York Times, кинопродюсер и коллекционер Дэвид Геффен продал эту картину Дэвиду Мартинесу, управляющему партнеру FinTech Advisory, хотя последний информацию не подтвердил. Правда окутана тайной.